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1. Concepto de diseño: diseño, arte y tecnología. Teoría y metodología del diseño. Diseño, ideología y sociedad industrial. Las áreas del diseño. La actividad profesional. 1. Concepto de diseño: diseño, arte y tecnología. Definimos el diseño como un proceso o labor destinado a proyectar, coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. El conjunto de elementos que implican la creación de un diseño, son:      

Trazo o delineación de un edificio o de una figura. Descripción de un objeto o cosa, hecho con las palabras. Disposición de manchas, colores o dibujos. Proyecto y planificación de actuaciones urbanas. Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, dentro del mundo de la moda o el sector industrial. La forma de cada uno de estos objetos.

Un diseño es una pieza con un cierto atractivo visual, con personalidad propia y un gran equilibrio estético. No fue hasta 1922 cuando surgió por primera vez el término ‘diseñador gráfico’. Apareció de la mano del diseñador, tipógrafo y calígrafo William Addison Dwiggins (1880, Ohio – 1956, Massachusetts) quien empleó este término para autodefinirse como profesional. Addison, además de ser célebre por emplear por primera vez ‘diseño gráfico’, es conocido por su extenso y multifacético trabajo que abarca desde el diseño de tipografías como Caravan, Metro, Electra y Caledonia, hasta la publicación de diversos títulos sobre artes gráficas y el diseño en publicidad entre los que destacan Layout in Advertising y A Letter about Designing Type, entre otros. Ámbitos de aplicación El diseño se aplica, en todos los ámbitos y se encuentra por todas partes. Dentro del mundo digital, en toda la red, internet. Diseños de todo el mundo publicitario, revistas, periódicos, libros, manuales. Encontramos diseño en nuestro mobiliario, una silla, un mueble... Divisamos el diseño en el mundo multimedia, el cine, televisión, videos, musicales, trailers, y demás efectos especiales. Las posibilidades del diseño gráfico son infinitas, ya que cada vez son más los campos en los que se emplean elementos creados a través del ordenador. Desde lo que podemos denominar “el nacimiento del diseño” a finales del siglo XIX, ha habido dos corrientes de consideración del diseño: por una parte están

aquellos que entienden el diseño como una actividad artística, el diseñador es un artista y el diseño adquiere categoría de arte. De otra parte están los que consideran el diseño como una herramienta al servicio de algo (aumentar las ventas, comunicar de manera efectiva, dotar de funcionalidad a los objetos...). Henry Van de Velde, famoso artista, arquitecto y artesano belga dirá que “La belleza es un efecto secundario de la claridad y del sistema empleado, no es un efecto óptico” Estas dos corrientes, en principio contrapuestas, se entrecruzan, se funden y se vuelven a separar numerosas veces a lo largo de la historia del diseño. Son muchos los objetos (como el sillón “Wassily” de Marcel Breuer), las piezas publicitarias (como los carteles de Toulouse-Lautrec) e incluso los elementos arquitectónicos (como la Casa Milá de Gaudí) que se han convertido en objetos de arte gracias a su diseño. Otras veces, el diseño concede a las bellas artes la fase creativa de interrelacionar las distintas partes de la obra y conseguir un todo unitario. Merece la pena realizar aquí un repaso al panorama histórico y evolución. Como ya hemos dicho, podemos situar el nacimiento del diseño como tal a mediados del siglo XIX. Anteriormente, la tarea era desempeñada por tipógrafos, ilustradores, calígrafos y artesanos. Podemos hablar de artes puras (pintura, escultura...) y artes aplicadas (textil, artes gráficas). Posteriormente, las corrientes principales del diseño gráfico irán relacionadas con las tendencias artísticas, la tecnología y el diseño industrial. La industrialización trajo consigo una vulgarización del diseño y la calidad de los productos. Ante esta realidad, surgió un movimiento que fue denominado Ats & Crafts (Artes y Oficios) que consideraba que se había despojado al trabajador de la posibilidad de enorgullecerse de su trabajo. El movimiento se inició en Gran Bretaña y dominó un importante sector de la actividad artística y del pensamiento durante la segunda mitad del siglo XIX. Uno de los principios de este movimiento era que el objeto debía adaptarse a la función para la que había sido concebido. Los miembros de este movimiento se sienten muy atraídos por la visión medieval del arte. Las formas tendían a ser simples, utilizándose motivos lineales y orgánicos; en la cerámica, los colores brillantes se fundían con el cuerpo durante el proceso de cocción. Las plantas, aves y animales servían de inspiración para muchos diseñadores, de hecho, William Morris, considerado el principal maestro del movimiento, las utilizaba casi exclusivamente en los diseños que aplicaba a tejidos y papeles para paredes. El movimiento alcanzó su madurez con la formación de los gremios y las sociedades profesionales al estilo de aquellos que existían en la Edad Media. El Gremio del Siglo o el Gremio de los Trabajadores del Arte fueron los más conocidos. Los diseñadores europeos asimilaron rápidamente los estilos de los artesanos británicos, pero pronto evolucionaron hacia los “excesos” del Art Nouveau.

El movimiento Atr Nouveau se extendió por Europa a finales del siglo XIX y principios del XX, alcanzando su máxima popularidad en 1900, el año de la Exposición Universal de París. Este movimiento recibió en cada país un nombre diferente (Jugendstil en Alemania, Floreal y Liberty en Italia, Secesión en Austria, Modernismo en España). Sus defensores se proponía restaurar el equilibrio entre artes y oficios, apreciando los beneficios de la producción en masa y los avances tecnológicos. Los diseñadores del Art Nouveau encontraron su inspiración en las artes extranjeras exóticas (mosaicos bizantinos, caligrafías egipcias, xilografías japonesas...), pero también adoptaron los gustos tradicionales de época. Este eclecticismo estuvo caracterizado por la linealidad (desde configuraciones atenuadas hasta curvas relampagueantes), utilizando motivos florales y abstractos. En el campo gráfico se introducían zonas planas de color brillante y se empleaban líneas fuertes y expresivas. Uno de los principales exponentes de este movimiento en el campo gráfico fue el francés Henry de Toulouse-Lautrec. Sus diseños, sus siluetas y líneas enérgicas son conocidas y reconocidas en todo el mundo. El belga Henry van de Velde fue otro de los exponentes del Art Nouveau. En España, uno de los exponentes más originales y llamativos de este estilo fue el arquitecto Antoni Gaudí, que creó asombrosos edificios y trabajos en metal en Barcelona. El movimiento modernista con sus escuelas nacionales no diferencia la arquitectura del diseño, el interiorismo o las artes decorativas. Es el primer movimiento artístico que considera en plan de igualdad el diseño arquitectónico, los estampados textiles del mobiliario, vidrio o la fabricación de lámparas. Poco a poco se irá imponiendo la funcionalidad. La arquitectura funcionalista, abanderada por Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright, opta por una planificación racional y adaptada a su futuro uso para el diseño de edificios. Esta idea irá calando en otros terrenos del diseño industrial y gráfico. En 1907 se forma en Alemania la Werkbund, una organización con el objetivo de forzar una alianza entre arte e industria. Uno de sus primeros miembros fue el diseñador gráfico Peter Behrens, al que se le ha llamado a menudo el primer asesor de diseño industrial. Sus diseños para AEG incluyeron un edificio funcionalista, folletos gráficos simples y claros, cubertería de acero sin decorar para el comedor de la empresa y una amplia gama de productos eléctricos. ¡Ojo!, nos encontramos aquí, ante el primer diseño de identidad corporativa de la historia. En 1919 se funda en Alemania la escuela de diseño Bauhaus de la mano del arquitecto Walter Gropius. Su principal contribución fue la promoción de una estética inspirada en la máquina para la arquitectura y las artes aplicadas y sus sofisticados programas de enseñanza para estimular a los alumnos a dominar

el lenguaje de las formas elementales. Por ejemplo las clases de los pintores Paul Klee y Vasily Kandinsky se dedicaban al estudio de la línea y del color respectivamente. A partir de 1925, un nuevo movimiento aparece en escena. El Art Decó toma su nombre de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 que tuvo lugar en París. Los practicantes de este movimiento asimilaron elementos propios del cubismo y del dadaísmo, recogiendo a su vez un decorativismo extraído de culturas diversas, como la india, la azteca, la egipcia, entre otras. Los rojos brillantes, los rosas chillones, los azules eléctricos o los tonos plateados y bronceados gozaron de gran popularidad. Tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamon se acentuó el juego de elementos geométricos y contrastes de colores llamativos. En el campo gráfico, la fascinación por la velocidad y el ritmo frenético de la vida moderna hizo mella; aviones y automóviles son motivos muy utilizados en envases de productos, anuncios y carteles de todo tipo. Después de la II Guerra Mundial los Estados Unidos irrumpen con nuevas tendencias y formas de trabajar. Aparecen los grandes estudios de diseño gráfico; la fructífera producción industrial precisa estudios esmerados de diseño para ofrecer productos distinguidos, competitivos y de calidad como los electrodomésticos, el automóvil... Se impone un estilo aerodinámico de formas bulbosas y suavizadas. Europa inicia una era de diseño relacionada con la identidad nacional, según algunos autores, hasta el punto de identificar estilos y países. Destacan las escuelas de diseño suizo, holandés, polaco, inglés, francés... con teorías, tipografía y estilos diferenciados. Un hito importante fue la publicación del Manifiesto Lo primero es lo primero (1964), de Ken Garland. Era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de valor. Este documento causó un considerable revuelo en su época. Fue apoyado por más de cuatrocientos diseñadores gráficos y artistas, y además recibió el respaldo de Tony Benn, que lo publicó en el periódico británico The Guardian. El manifierto volvió a revivir en el año 2000, cuando un nuevo grupo de diseñadores lo puso al día y lo volvió a publicar. Los años 70 estuvieron dominados por la explosión de la cultura de masas y por una constante búsqueda de la novedad estilística. Una cultura joven y alternativa se escindió de la sociedad. La cultura hippy introdujo colores brillantes y y fascinantes efectos ópticos. El diseño posmoderno se abre camino en los 70 y los 80 contrario a la premisa de que la forma debe seguir a la función. “La función puede adoptar cualquier forma” dicen los posmodernos. El movimiento de diseño Pop surgió en Gran Bretaña dirigido a un público joven y adinerado que rechazaba las formas austeras y el énfasis en la utilidad. Frases como “menos es más aburrido” definen perfectamente a este

movimiento. Vestimenta, portadas de discos, escaparates, respondían a lo que Braham había descrito: . El minimalismo formal se extiende en el campo de la arquitectura. Nos encontramos ante un periodo de pluralismos estilísticos. Desde entonces, el diseño se ha transformado enormemente a causa de las nuevas tecnologías, primero con la aparición de los ordenadores y después las nuevas tecnologías de la información. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sistemas digitales. Esta innovación tecnológica tuvo como primera consecuencia una tendencia hacia la experimentación gráfica y un cierto olvido de los principios comunicativos que estaban en la base del diseño. El diseñador de antaño, con su lápiz, su papel y su tablero de dibujo ha recibido una inestimable ayuda, el ordenador, dando origen a lo que se ha denominado CAD (Computer Aided Design o Diseño asistido por ordenador). Por otra parte, la introducción de las nuevas tecnologías en el ámbito de la producción industrial de los países desarrollados ha conocido un ritmo de crecimiento cada vez más elevado en los últimos años. Lo que empezó siendo una tecnología semiautomática para el control de máquinas de forma numérica ha acabado dando lugar a los complejos sistemas CAM (en inglés Computer Aided Manufacturing o Fabricación asistida por ordenador). Con el paso del tiempo estas dos disciplinas se han ido mezclando gradualmente hasta conseguir una tecnología suma de las dos, de tal forma que los sistemas CAD/CAM son considerados, hoy día, como una disciplina única identificable. Hoy en día sí es posible tener un objeto de diseño producido en masa. En este campo, la compañía Apple, tan conocida en el mundo del diseño, es una experta. Es una de las pocas compañías que ha logrado crear productos en masa que se han convertido en auténticos iconos del diseño como el IPod o el macbook. Día del diseño El Día Mundial del Diseño se celebra el 27 de abril por iniciativa del Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico (Icograda) y la Organización de Naciones Unidas. Esta fecha coincide con la fundación en Londres del mencionado consejo en 1963. Icograda es la unión voluntaria de las asociaciones relacionadas con el diseño gráfico, la gestión del diseño, la promoción del diseño y la enseñanza del diseño. En 1991, como iniciativa de este Consejo se tomó el día de su fundación como el día Mundial del Diseñador Gráfico. A partir de 2012 cambió de nombre y se celebra como el Día Mundial del Diseño de la Comunicación.

2 Teoría y metodología del diseño. Como dice Xavier Mariscal hablando de diseño “la inspiración es un insulto; detrás de mi trabajo hay un programa al que te debes ajustar”. “En mi estudio está prohibido decir si alguna cosa es bonita o no. Las cosas en diseño funcionan o no funcionan, nada más”. Si bien su estudio dejó de funcionar a principios de 2014, estas palabras siguen teniendo plena validez para todo profesional del diseño. El proceso metodológico del diseño tiene como objetivo simular la depuración que los objetos tradicionales han tenido durante siglos. En un trabajo de meses, como máximo, el estudio de diseño debe encontrar una solución eficaz a los problemas que el nuevo objeto o idea plantea y debe haber buscado todos los caminos para resolverlos. El diseño es, pues, un proceso, la primera parte del cual suele ser un encargo. Un buen diseño es el resultado de un buen proceso + buena ejecución del objeto. En general podemos hablar de 5 fases en todo proceso de diseño, aunque su nomenclatura puede variar según autores: 1.- Definición del problema y toma de datos. 2.- Evaluación y selección de ideas. 3.- Desarrollo e ingeniería del producto y del proceso. 4.- Pruebas y evaluación. 5.- Realización del producto o diseño. Para algunos creadores la genialidad de un buen diseño está al saber descubrir el problema y definirlo. El diseño es percatarse que hay una cosa no resuelta, más que pensar cómo solucionarlo. Después sólo hay que trabajar en esa dirección. Por ejemplo: la idea que se tendría que patentar no es la de la aceitera que no chorrea aceite, sino percibir el problema del objeto embadurnado en aceite y decidirse a resolverlo. La acotación del problema es, pues, un primer paso fundamental. En muchas ocasiones, el problema ya viene definido en el briefing que entrega el cliente. Xavier Mariscal dice que “Detrás de un buen diseño hay un buen cliente que ha sabido hacer un buen briefing. Cuando más te acotan, mejor puedes trabajar” En esta fase se obtendrá información sobre los requisitos que van a tener los productos o servicios ofertados de acuerdo con las necesidades y exigencias del cliente y del mercado, identificando las oportunidades existentes, las posibilidades técnicas y los requerimientos de fabricación. Acotado el problema, hay que establecer un marco teórico en el que desarrollar las investigaciones. Siguiendo el ejemplo que hemos puesto antes, la aceitera, no es lo mismo establecer que el problema viene de un uso incorrecto de la misma o de un mal diseño. En el primer caso centraríamos nuestras investigaciones en la usabilidad (un término muy de moda ahora) y en el segundo en encontrar un diseño que no filtre ni gotee aceite.

La investigación sigue la premisa de que cuanto más se conozca el tema mejor. Para recopilar datos se puede acudir a estudios ya realizados sobre el tema, a la realización de entrevistas y encuestas, a reuniones con expertos en el tema, acudir al personal del departamento de I+D, vigilar a la competencia, etc. Una vez que se ha definido y establecido el problema de forma clara, es necesario recopilar ideas preliminares a partir de las cuales se pueden asimilar los conceptos del diseño. Esta es probablemente la parte más creativa en el proceso de diseño. El diseñador puede dejar que su imaginación considere libremente cualquier idea que se le ocurra. Estas ideas no deben evaluarse en cuanto a factibilidad, puesto que se las trata con la esperanza de que una actitud positiva estimule otras ideas asociadas como una reacción en cadena. El medio más útil para el desarrollo de ideas preliminares es el dibujo a mano alzada. En comunicación es muy frecuente utilizar el “brainstorm” (tormenta de cerebros en inglés), una reunión en la que los creativos y diseñadores dejan volar su imaginación en torno al producto o mensaje del cliente. Posteriormente, todos los esquemas, bosquejos y notas se revisan, combinan y perfeccionan con el fin de obtener varias soluciones razonables al problema. Con esta información se realiza la planificación del diseño, se selecciona el mercado objetivo y los recursos necesarios para el lanzamiento del nuevo producto., así como la identificación de los requisitos legales que afectan a nuestro producto o servicio. En la segunda fase (evaluación y selección de ideas) se seleccionan aquellas ideas que presentan mayores posibilidades de éxito. Este proceso de evaluación implica un análisis de la viabilidad económica, técnica y comercial del producto. Una vez aprobado, el proyecto pasa a la ingeniería del producto y del proceso. En esta tercera fase se realizan la mayoría de las actividades de diseño de detalle y de desarrollo del producto, así como de los procesos productivos necesarios para la fabricación y posterior lanzamiento al mercado. Incluye una fase de realización del diseño, revisión del diseño, verificación y validación del diseño. En muchas ocasiones, de forma paralela o simultánea, comienza la cuarta fase (pruebas y evaluación), en la que se realizan las pruebas y evaluación correspondiente a los diseños resultantes de la tercera fase, para lo cual se procede a las pruebas de impresión o a la fabricación de prototipos y a la simulación del proceso de fabricación, tratando de detectar posibles deficiencias tanto del nuevo producto como de su proceso de fabricación. Por último, si la evaluación realizada en la fase anterior es favorable, el producto pasa a la quinta fase en la que se inicia la fabricación o impresión a gran escala; se produce el lanzamiento al mercado del nuevo producto. Es conveniente que se generen registros de cada una de las fases del diseño y desarrollo del producto o del servicio.

El diseñador debe poseer un lenguaje visual, un conocimiento del proceso de la comunicación y de la percepción visual. Además debe disponer de una correcta administración de recursos por poderlos aplicar. Sistemas y métodos. Ningún método de diseño es de por sí una receta única y universal. Sin embargo, de un modo u otro todos los métodos tienen puntos en común y una correlación lógica. HANS GUGELOT. Elaboró en 1963 un método de diseño para la Escuela de Diseño de Ulm (Alemania): 1. 2. 3. 4. 5. 6.

Presentación del problema Análisis del estado actual Definición del problema y de las metas Creación de alternativas Evaluación y selección Planificación de la producción

BRUCE ARCHER (Systemic Method For Designers) Este diseñador industrial estableci...