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Trabajo de análisis sobre la película Corazonada...

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Corazonada

Adrián Guerrero del Carmen

2 RAE

1. Ficha técnica completa según los parámetros de clase. Título Original: One from the Heart Director: Francis Ford Coppola Guión: Armyan Bernstein, Luana Anders, Francis Ford Coppola Fotografía: Vittorio Storaro, Ronald V.García Montaje: Rudi Fehr, Anne Goursaud, Randy Roberts Intérpretes principales: Teri Garr, Frederic Forrest, Raúl Julia, Nastassja Kinski, Harry Dean Stanton, Lainie Kazan, Allen Garfield, Rebecca De Mornay Año de estreno: 1982 Nacionalidad: USA Producción: Armyan Bernstein, Gray Frederickson, Bernard Gersten, Fred Roos, Mona skager. Música: Tom Waits Ratio: 1.37:1 Cámara: Technovision Cameras and Lenses Película: 35 mm Duración: 1hr 40min (100min)

2. Explica a que crees que puede deberse la elección de un ratio de pantalla de 4/3 por parte de Coppola en una época en la que el estándar era ya 1,85:1. La elección de un formato más cuadrado (4/3) por parte de Coppola creo que es una muestra más de la perfecta conjunción de teatro y cine que representa “Corazonada”. Una película donde los efectos de luz o los decorados podrían perfectamente pertenecer a una puesta en escena teatral. Por su parte el marco de nuestra televisión hace las veces de embocadura, y nuestra pantalla la de cuarta pared, la ventana por donde vemos como se desarrolla el espectáculo. En mi opinión Coppola optó por el formato que más se le asemeja a la boca de un escenario teatral, algo más cuadrado y no tan rectangular, para dar de esta manera aún más la sensación de espectáculo en vivo. El telón Americano que se abre y se cierra dando lugar al inicio y conclusión de la película, es una muestra más de esto.

3. Intenta determinar el grado de acercamiento/alejamiento de lo que entendemos por realismo de los diversos aspectos de la puesta en escena: decorados, caracterización, interpretación e iluminación. / 4. Aspectos más relevantes del uso de la luz y el color: ¿es una película rodada en escenarios naturales o en estudio?, ¿la iluminación pretende ser naturalista o no?, ¿Qué funciones cumple? La puesta en escena no me resulta una puesta en escena realista. Coge elementos reales, existentes que podemos ver día a día y los estiliza a su manera. Tomando como molde la ciudad de Las Vegas, los decorados recrean la ciudad del pecado y del juego como una ciudad onírica que sirve de acompañante y contextualiza una simple historia de amor, añadiendo de esta manera un toque fantástico y emocional. Me gusta el contraste entre la zona residencial donde Hank y Frannie viven, y la zona donde ambos conocen a sus amantes posteriores. La primera representa de alguna manera la monotonía y la apatía en la que su relación se ha estancado con un barrio donde las casas son más bien de estilo homogéneo y sencillo, pero por otro lado también representa la estabilidad y comodidad de un hogar, un sitio donde has sido feliz con la persona que quieres. La segunda, la zona decorada con edificios grandes, exuberantes, prendados de atractivo y emoción, e iluminada con luces de neón, representa el impulso que lleva a ambos, principalmente a Frannie a perseguir de alguna manera sus sueños, simbolizados en Bora Bora en caso de la protagonista. En esta parte ambos llevan a cabo su particular terapia de sanación emocional, intentado olvidarse el uno del otro, ayudados por sus amigos y con los personajes de Ray y Leila, ambos de desbordante atractivo, como representación de sus deseos más fervientes y como una oportunidad de pasar página a través de otra persona. En ambas partes, tanto la zona residencial como la zona “glamurosa”, predomina una estilización, para enmarcar y enfatizar aún más lo que te quiere transmitir la película. Me gusta mucho el plano en el que se le ve a ella alejándose con maleta en mano, por medio de la calzada, carretera de la que no se puede apreciar el final, pero si a donde va a parar, y es que parece que la protagonista marcha hacia el centro de la ciudad, lo que personalmente me parece una manera de representar que la protagonista marcha a conseguir lo que realmente quiere, su sueño, identificado con el viaje exótico comentado anteriormente, esto me parece un buen ejemplo de representar a través de

la escenografía el mundo interior del personaje, o ayudar al espectador a entenderlo. También comentar que más allá del decorado, gran parte de la película se ubica temporalmente en el 4 de julio, día de bastante relevancia en Estados Unidos, lo que te sirve para contextualizar ese ambiente festivo y esa alegría presente en la escena en la que Hank y Frannie se encuentran en medio de la calle son sus respectivas parejas, y que además coincide con el momento emocional álgido de ambos protagonistas, que ven la posibilidad de pasar definitivamente página.

En más de una escena podemos ver los techos o paredes, podemos advertir que está rodada en un estudio y parecer que hay cierta despreocupación por evitar que apreciemos eso. Tal vez esto te pueda sacar de la historia, pero más allá de eso, da la sensación de que la película concurre en un lugar cerrado, un lugar creado y puramente mostrado en la película, lo que para mi gusto le da un cierto toque romántico; esa hermeticidad da la sensación de que no es una espacio tangible ni físico, y contribuye a poner de manifiesto ese distanciamiento del realismo anteriormente mencionado. Muchos de los planos, generalmente planos “aéreos”, es decir los grandes planos generales, están realizados a través de maquetas, así como otras muchas escenas; cabe destacar una de ellas, en la que Hank y Leila van en un coche, y Moe va conduciendo. El coche es descapotable por lo se puede vislumbrar perfectamente el paisaje, esa escena se rodó primero filmando a los tres protagonistas en el coche con un croma azul detrás, y posteriormente se grabó una maqueta que haría las veces del decorado por donde el coche transita, uniendo un plano y otro. Es otra de las utilidades que tienen las maquetas a lo largo de la película. En cuanto a la caracterización me parece relativamente naturalista, aunque sí que creo que esta sobreacentuada en algunos casos; el caso de Moe, el amigo de Hank, con un estilo un poco desfasado y caricaturizando de alguna manera el look disco de aquella época, así como el caso del propio Ray (Raúl Julia), caracterizado como un

galán, repeinado, elegante, sensual y de vestimenta inmaculable con pajarita, chaleco y camisa. La protagonista por su parte encarna a ratos el papel de chica risueña que se muere por vivir, me llama la atención el hecho de su vestido rojo, que creo que de alguna manera representa ese deseo, esa pasión que siente Frannie por vivir algo emocionante de nuevo. El protagonista Hank, caracterizado como un hombre tosco y torpe, que no sabe ni reconducir su relación, ni leer que es lo que su amada realmente demanda. En ocasiones con faceta de pobre desgraciado, representa bastante bien el papel que le toca en la historia, el papel de un hombre que aunque bastante distanciado en atractivo y elegancia de su “oponente”, no duda en luchar por reconquistar a su amor. En general los dos protagonistas me parecen que tienen una caracterización relativamente realista, a pesar de acentuar ciertas facetas tópicas, la chica risueña y el hombre poco empático que al tiempo ve el fallo que ha podido cometer. Las interpretaciones tampoco me parecen en si realistas, me parece que los actores enfatizan demasiado ciertas acciones, y que en ocasiones tienen una actitud demasiado alocada, cosa que puede resultar razonable en una película con las escenas musicales que contiene. Creo que la interpretación de los actores es otro de los ingredientes que otorga a la película ese sentido tan fantasioso e irreal. Los actores dotan a sus personajes de personalidad y de cierto carisma, pudiendo llegar el espectador a sentirte identificado o a empatizar con ellos. Este reparto encabezado por Frederic Forrest el cual participo en la anterior y exitosa película de Coppola, “Apocalipsis Now”, y por Teri Garr, la cual también había trabajado con Coppola en “La Conversacion”, firmaron un contrato con la productora de Coppola, Zoetrope, por el cual se limitaban casi por entero a esa productora, actuando en sus películas. Esta manera de trabajar era propia del cine de los años treinta, cuarenta y cincuenta.

La iluminación es uno de los elementos más relevantes de la película, y al igual que el resto tampoco se puede considerar realista o naturalista. La iluminación constituye un elemento narrativo fundamental sirviendo de acompañante a la historia y suponiendo un complemento escénico bastante importante para expresar el mundo interno de sus personajes así como sus estados de ánimo. La iluminación de “Corazonada” se basa en una iluminación teatral, con la extracción de muchos elementos de este tipo de espectáculo. Uno de esos elementos es la entrada o la salida de las diferentes luces, recurso que se utiliza mucho cuando paralelizan la situación de ambos tras romper,

subiendo y bajando luces, creando diferentes contrastes y produciendo a través de la iluminación un atmosfera que crea diferentes sensaciones en el espectador. Una de las cosas que más me gustan de la película es como acabo de mencionar ese paralelismo que se hace entre ambos en los diferentes momentos de la ruptura, con diversos fundidos, resaltando las siluetas de los protagonistas mientras gana atención en plano el otro personaje, etc. Todos estos efectos se consiguen a base de la iluminación, lo que es un claro ejemplo de la importancia de esta en la puesta en escena. Por otro lado en algunas otras escenas resulta inevitable fijarse como aparece una luz de fondo tiñendo la escena de un color u otro y que llama, claro está, la atención del espectador. El tema del color lo hablaremos más adelante, pero esto, de también clara tendencia teatral, constituye un reflejo de los sentimientos o emociones que sienten los personajes ante lo que están hablando. Por poner un ejemplo, hay una escena en la que aparece un plano de Hank, y de repente una luz roja comienza a alzarse en el fondo; en esa escena están poniendo sobre la mesa las diferentes tiranteces y problemas que se les presentan como pareja, lo cual esa luz roja serviría como acompañante perfecto para el tema que tratan. También la utilización de ciertos proyectores resulta puramente teatral. El más llamativo es el cañón de seguimiento que ilumina a Leila durante su particular “función” ante Hank, la verdad que el uso de este proyector no podría ser más pertinente ante el cariz artístico que tiene este personaje. Otro elemento de un notable carácter teatral es la mesa de iluminación de dimmer que utilizo Vittorio Storaro, para hacer las diferentes entradas y salidas de efectos de luz así como los múltiples fundidos. La iluminación en general alterna clave baja y clave alta. En algunas escenas llama casi por igual la atención el personaje en cuestión que el fondo de la escena, estas escenas corresponden a escenas con muchos personajes y con planos muy amplios en lo que se hace gala de la fantástica decoración de “Corazonada”. En otras escenas en cambio predomina una iluminación en clave baja, en la que se da mayor intimismo a los protagonistas y en la que pueden aparecer diferentes efectos de luz como se ha mencionado antes. El color es para mí uno de los elementos más fundamentales sino el más fundamental de la película. Constituyen un edulcorante importantísimo para la narración consiguiendo ser el film una perfecta mezcla de colores nada abigarrados y dando un toque estiloso, fantástico y de gran belleza visual a la película. El director de fotografía pretende que asociemos cada escena a un color diferente, creando una nueva reasignación de la relación color-emoción. Es decir, no sigue los esquemas típicos de las emociones que se le asignan a los diferentes colores (verde, esperanza; rojo, furia…). El color se utiliza para establecer una diferenciación entre una escena u otra, es decir singularizar más cada escena para que el espectador la identifique más allá que por los sucesos acontecidos en esta. Esa diferenciación se hace evidente por ejemplo en el paralelismo entre ambos antes mencionado; las escenas de Frannie tienen una clara tendencia roja, mientras que las de Hank tienen más bien un tono azulado o verdoso. Sin embargo las escenas más coloridas son de algún modo las escenas de mayor felicidad de los personajes, coincidiendo la mayoría con partes musicales por lo que el color también se utiliza como acompañante emocional. Las partes que corresponden a Frannie hay una tendencia más notable hacia colores cálidos, como el naranja o el rojo, lo que simboliza de alguna manera la parte más pasional del personaje que decide dejar todo un poco atrás para emprender algo nuevo. En las escenas de Hank sin embargo predomina una dominante más azulada y

verde, lo que puede simbolizar que el personaje en sí, es algo más frio, un personaje más monótono y lineal. Obviamente esta tendencia cromática para cada uno de los protagonistas no se da constantemente.

La película se rodó íntegramente en estudio, concretamente en los estudios Hollywood General, después de ser comprados por Francis Ford Coppola y trasladar a ellos su productora American Zoetrope. Coppola pretendió volver al estilo de creación cinematográfica de los años treinta y cuarenta, donde muchas películas eran rodadas de manera íntegra en estudio. Francis Coppola quiso tener un mayor control a la hora de realizar la puesta en escena y más comodidad y libertad tanto para crear la atmosfera estética de la película como durante la fase de rodaje, tener la libertad de variar lo que se quisiera y no depender de factores climatológicos o de permisos para rodar en ciertas calles o lugares. Esta decisión de Coppola se vio motivada por el infierno que supuso el rodaje de “Apocalipsis Now”, en el que un tifón se llevó casi todos los decorados y el protagonista de la película, Martin Sheen, sufrió un infarto, por mencionar algunos de los problemas que hubo. Todo esto hizo que el rodaje se alargara estrepitosamente. Otro caso que ejemplificaba la comodidad de rodar en un estudio, es el hecho de tener que variar un decorado natural. En el “Padrino Parte 2”, la historia de los orígenes del patriarca Vito Corleone, interpretado por Robert De Niro, que se sucede de manera paralela a lo largo de la película con la historia de Michael (Al Pacino), concurre en gran parte en el Nueva York de los años 20. Esto supuso tener que modificar muchos de los elementos presentes en las calles de Nueva York en las cuales se rodó. Lo que siempre supone una dificultad. Todos estos problemas, típicos de una película rodada en destinos exóticos o de una película de época quiso ahorrárselos Coppola a la hora de rodar “Corazonada”. Más allá de todos estos elementos estéticos, “Corazonada” pasara a la historia por ser la primera película de la historia en usar el ayudante de video para más fines de los típicos en aquella época. Este no solo miraba el monitor, sino que también grababa y “montaba”, lo que permitía una previsualización de la escena casi en el acto, sin necesidad de llevar la película a laboratorio. Es decir, una mezcla entre cine y tele. Y es que Coppola no estuvo presente en el rodaje de muchas de las escenas de la película. Se limitaba a mirar desde una caravana habilitada con los más modernos monitores y equipos de video de aquella época, esa caravana recibió el nombre de “Silverfish”. Igualmente destacable es la utilización de los storyboard como

previsualización de lo historia, un storyboard electrónico, que permitía contemplar cómo iba a ser la escena. Esta práctica se desarrolló posteriormente en el cine siendo un habitual en las películas actuales, y dejando a “Corazonada” como la pionera de este hábito. Si menciono todo esto, es porque Francis Ford Coppola vio esta película como un primer intento de utilizar las posibilidades que podía ofrecer la tecnología digital en el cine. Aventurándose a afirmar que en un periodo de quince años muchas de las películas utilizarían métodos parecidos a los que el pretendía poner en práctica. Treinta y cinco años después del estreno de “Corazonada” los diferentes estrenos que sondean nuestras carteleras le han dado la razón a Coppola, y la tecnología ha acaparado gran parte de este sector.

5. Analiza el modo en que funciona el score e infórmate sobre cómo fue creado. La banda sonora fue compuesta íntegramente por Tom Waits, y cantada por este junto con Crystal Gayle. Se buscó que fuera un hombre y una mujer las dos voces de las canciones ya que la temática de la película es la historia de amor entre un hombre y una mujer, de esta manera busca que se cumpla el propósito fundamental del score en la película, que es hacer que la música sirva de complemento fundamental en algunas escenas y de protagonista en otras guiando el argumento con sus letras. Estas letras sirven muchas veces para contextualizar la escena y la complementan tanto o más como lo pueda hacer la iluminación o la escenografía. En palabras de Tom Waits: “Conceptualizar la idea de un cantante y una cantante y establecer una relación entre ellos en la canción fue lo más complicado”; y sinceramente creo que lo consigue a la perfección. Francis Ford Coppola quería que Tom Waits compusiera la banda sonora antes de la película, para que de esta manera sus canciones influenciaran en el estilo del largometraje, es decir que las escenas se realizaran tomando un poco como pauta cada una de las canciones compuestas; así como construir escenas alrededor de la música, que estas fueran describiendo la acción en pantalla sin necesidad de dialogo y lograr que el score sincronizara y encajara mejor con la imagen. La escena del desguace por ejemplo, fue realizada de acuerdo con la idea concebida por el compositor. Este, ubico la canción que había compuesto en una escenografía en la que hubiera coches destartalados, suciedad y basura, y la escena así se hizo. El resultado es como si ambos se sedujeran, de una manera elegante, él dirigiendo la orquesta de coches y ella haciendo su particular número de circo.

Creo que los dos cantantes sintonizan relativamente bien con los dos protagonistas, la voz dulce y clara de Crystal Gayle contrasta con la voz áspera de Tom Waits, un contraste que también se aprecia entre los personajes, por recalcar lo anteriormente dicho. Todo esto se puede resumir en lo bien que se entrelazan la música con la película, es decir la compatibilidad de la cinta con el score, algo que es fundamental en “Corazonada”, ya que Coppola así la ideó; así como la manera de poder identificar los sentimientos de los personajes con la música.

6. Realiza un comentario personal en el que valores todos los aspectos expresivos detectados y lleves a cabo una interpretación global de la película.

“Corazonada” me parece una manera preciosa de contar una simple historia de amor, sin excesivos toques empalagosos, con la cantidad suficiente de azúcar y con el intimismo necesario y acorde al tema que tratan. He de decir que lo que más me ha gustado de esta película es la manera en la que utilizan los diferentes elementos estético-audiovisuales que van desde la iluminación a la escenografía, la perfecta conjunción de todos estos componentes en cada una de las escenas, y el toque tan característico que consigue al final de la cinta. Estos elementos hacen avanzar la película y llevan al espectador a un paseo por un mundo onírico y fantástico, lleno de colores y sueños, dibujan un mundo para ubicar en él una historia de amor, creo que eso hace “Corazonada” aún más única y más hermosa. Pese a que como he dicho antes, no me gustan excesivamente las historias de amor melosas, creo que a esta le falta cierto impacto emocional. Las historias románticas deben tener inevitablemente contenido emocional, y creo que lo que en este caso lleva al espectador al climax, es como la cinematografía conduce la historia, creo que a nivel de guion e interpretación le falta más potencia emotiva. Me encanta el hecho de que se rodara todo en un estudio, porque eso supuso el tener que construir todo lo que hace que no veamos la ciudad de Las Vegas como tan acostumbrados estamos a hacerlo, la vemos con un toque artificial p...