Anotaciones The Cutting Edge The Magic of Movie Editing PDF

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Anotaciones sobre documental...

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Analisis “The Cutting Edge”. Los primeros cineastas fotografiaban lo que les interesaba o entretenía. La toma continuaba hasta que se aburrían o se les acababa el rollo. “Los padres del cine, Edison en los Estados Unidos y los hermanos Lumiere en Francia veian con pesimismo el futuro del cine. Probablemente había interés mundial en ver las imágenes que se movían pero una vez que habías visto a alguien bromear con una manguera ¿para qué ibas a pagar dinero para ver algo que podías ver en la calle? Es más, Auguste Lumere hasta dijo que el cine era un invento sin futuro”. Walter Murch (2004). Edwin Porter, uno de los empleados de Edison, descubrió que si juntabas una serie de tomas distintas podías crear una historia. En The Life of an American Fireman (1903), Porter junta una escena donde los bomberos van a un incendio en carretas a caballo con una escena de un incendio. Al compaginar las dos tomas, el espectador comprende psicológica y emotivamente que la vida de esas personas está en riesgo y los otros están yendo a rescatarlos. La siguiente película fue The Great Train Robbery (1903), un film donde abre un mundo de posibilidades nuevo para la creación audiovisual a la hora de contar historias. “No digo esto porque soy un editor, pero la invención de la edición fue lo que permitió que el cine tuviera éxito”. Walter Murch (2004). La invención de la edición creo un nuevo arte y un nuevo lenguaje. La edición permite tener control sobre el tiempo de una escena, desacelerándola o acelerándola, creando dos efectos totalmente distintos. La forma en la que se da el corte puede sorprender al público o hacerlo reir. La selección y duración de las tomas afectan cómo respondemos a lo que vemos en pantalla. Un corte puede unir millones de años, conectando el pasado prehistórico con un futuro imaginario, como en 2001: Odisea del Espacio. “A la gente le gusta el cine por la edición. Porque, después de todo, ¿no querríamos editar nuestras vidas? Creo que lo haríamos. Creo que todos querríamos deshacernos de las malas partes, de las partes lentas, y dedicarnos mas a las buenas partes.”. Rob Cohen (2004). El trabajo del editor consiste en ver lo que sucede en la pantalla como si fuera un espectador, es el intermediario entre el director y todo el equipo de trabajo y que el mensaje que se buscaba transmitir sea comprendido por el espectador. En una producción de Hollywood hay alrededor de 200 horas de filmación. Si se colocaran las cintas una luego de la otra, llegarían de Los Ángeles a Las Vegas. Veinticuatro cuadros por segundo. “El tiburón no funcionaba lo suficientemente bien ni con la frecuencia debida de acuerdo al guión. […] Lo triste era que el tiburón parecía real en 36 cuadros, no en 38. Y esos dos cuadros de diferencia constituían la diferencia entre algo que daba mucho miedo y algo que parecía un bulto flotante blanco”. Steven Spielberg (2004).

D.W. Griffith fue el primer gran cineasta en comprender la importancia psicológica de la edición. Habían pasado más de diez años desde Porter, y el hizo más que nadie por el desarrollo de las herramientas que había creado Porter. Griffith inventó y popularizó técnicas que conformaron la gramática básica del cine. Sus melodramas fueron los primeros que lograron llevar al público al mundo emocional de los personajes. Griffith estableció los parámetros de la edición clásica de cine. Y la edición clásica de cine se centraba en el corte invisible en el cuál la acción continúa sin interrupción. Trataban de esconder el corte para que el público no se diera cuenta y olvidara que estaba viendo una película. Actualmente es una de las técnicas más utilizadas en Hollywood y se da gracias a que el corte se disimula por medio de movimientos de los personajes o de objetos dentro del cuadro, que hacen que el espectador se concentre en ellos y no en el corte en si. En un principio los editores eran contratados como empleados y no como colaboradores en el proceso creativo de la película. Miraban las imágenes al trasluz. Luego revisaban su trabajo pasándolo por un proyector y hacían los ajustes necesarios. Actualmente el editor trabaja en conjunto con el director, es uno de los miembros del equipo que más tiempo pasa junto al director durante el desarrollo de una película. “Griffith combinó todo en una gran película, The Birth of a Nation, y vimos todo el conocimiento de edición acumulado durante diez años en una sola película. Y de pronto, no solo había primeros planos, sino escenas retrospectivas, acción paralela y toda una serie de trucos que ayudaban a que el público se concentrara en una cierta parte del cuadro”. La Revolución Rusa también causó una revolución en la edición cinematográfica por el año 1927 aproximadamente. Los rusos comenzaron a jugar con imágenes yuxtaponiéndolas y creando diferentes emociones. Lenin vio que el cine era el medio perfecto para inspirar a una nación analfabeta a que se uniera a la Revolución. Llevaban las películas al campo a mostrárselas a los campesinos. Comenzaron a notar que podían obtener una respuesta emotiva y psicológica si ponían ciertas imágenes juntas. Y se convirtió en una manipulación de lo que sentía la gente. Los cineastas rusos rechazaron las historias burguesas y la edición invisible de Griffith. En vez de melodrama, presentaban la vida real. Para filmar Man with a Movie Camera (1929), el director de documentales Dziga Vertov y su equipo llevaron las cámaras a las calles de Moscú para filmar un día común. “Constantemente te hace recordar que estás viendo una película. Había escenas dentro de la sala de edición. Se ve cómo editaban las películas en 1929. Era una pura explosión creativa de cómo manipular esas imágenes. Todas las convenciones de la edición moderna que conocemos están presentes en Man with a Movie Camera”. Mark Goldblatt (2004). La película no solo celebra la Revolución sino también la participación del cinematógrafo y del editor para crearla. Vertov y su espora Yelizveta editaban sus documentales y noticias en oscuros sótanos con ratas corriendo a su alrededor. Pero en esta película el editor tiene la misma importancia que los otros miembros de la Revolución.

Lev Kuleshov, el experto en teoría, también experimentó con la edición. En su estudio más famoso filmó a un actor ruso y lo intercaló con tres objetos distintos: un tazón de sopa caliente, una mujer desesperada que se echaba encima del ataúd de su esposo y una niñita jugando con un oso de peluche. Cuando el público vio la película, dijeron maravillas del trabajo del actor. Que cómo miraba el tazón de sopa con tanta hambre, que miraba a la mujer con tanta pena y que miraba con mucha ternura a la niñita. Pero en realidad la expresión era la misma. Esto demuestra el poder de la yuxtaposición, el poder del montaje al juntar dos tomas distintas y obtener un tercer significado. Uno de los contemporáneos de Kuleshov, Sergei Eisenstein combinó estos elementos con la ideología marxista para crear películas de un fervor revolucionario. El veía que la edición, como la historia, era un choque de imágenes y de ideas. El significado de la película no se encontraba en las tomas en si sino en el choque de las mismas, en la edición, en el significado otorgado por el montaje. Su objetivo era que el publico supiera que estaba mirando una película y no la vida real, por eso su montaje no era invisible como el de Griffith. Uno de sus films más reconocidos es El Acorazado Potemkin. Las técnicas de edición de los soviéticos para propagar el comunismo, son utilizadas actualmente en las películas de acción de Hollywood. El cine se convirtió en un gran negocio en los años treinta. Los estudios empezaron a hacer películas con sonido y alteraron por completo la manera de filmar películas. Hollywood se transformó y siguió el modelo de una fábrica de ensamblaje. Los estudios producían un gran número de películas. Se necesitaba un sistema industrial para poder hacer que todo funcionara. En los primeros 20, 25, 30 años del cine muchos de los editores eran mujeres. Se consideraba que era trabajo de mujer porque se parecía al tejido. Era como el bordado o la costura. Pero cuando introdujeron el sonido, los hombres empezaron a infiltrarse como editores, porque el sonido era algo eléctrico, era algo técnico. Habia una banda sonora que podía tener varias pistas y la imagen. La llegada del sonido aumentó el rol del editor en Hollywood. En los años treinta y cuarenta los directores casi nunca iban a la sala de edición. La edición la controlaban los estudios y los supervisores de edición. Los cineastas descubrieron que el sonido y la imagen no solo estimulaban emociones. También influyen en nuestra manera de pensar. Durante la segunda guerra mundial, el gobierno usó a Hollywood. Los editores y directores usaron las mismas técnicas que habían usado en el cine de ficción para conmover al público estadounidense. Los reclutas de Hollywood usaron sus habilidades para la propaganda como en Why We Fight. Los líderes de Alemania y de los Estados Unidos reconocieron que podían manipular al público con el sonido y las imágenes. Uno de los ejemplos más infames del cine propagandista fue Trumpith of the Will. El director Leni Riefenstahl uso sonido, música y edición magistral para convertir a Adolf Hitler en un dios. Al estallar la guerra contra Alemania, el editor inglés Charles Ridley reedito las mismas tomas para ridiculizar a Hitler. Al ser usadas para la propaganda o la diversión se demostró que estas técnicas podían ser usadas para influir a la gente. Después de la segunda guerra mundial, Hollywood continuó de la misma manera que antes de la guerra. Aunque los editores se habían sindicalizado aún se les trataba como si fueran mecánicos

especializados. Ya que el cine tenía un lenguaje muy particular y los editores debían respetarlo. Había ciertas reglas que no se podían romper sobre composición, maneras de contar una historia o una escena y formas de cortar o transiciones especificas. En Francia, un grupo de críticos y directores también cuestionaron la doctrina de la edición invisible y empezaron la revolución de los editores. Bonnie and Clyde es una película que cambió el lenguaje estadounidense, muy violenta. Antes, los editores trataban de mantener la continuidad de tiempo y espacio pero ahora la quiebran cuando quieren, creando nuevas posibilidades narrativas. Otro cambio en la edición es la velocidad de las películas que es algo controversial entre los cineastas. La revolución digital ha aumentado el poderío poético del editor. George Lucas empezó su carrera como editor y es uno de los pioneros de esta nueva tecnología. “El artes es tecnología por naturaleza. El artista siempre se encuentra con tecnología. Y la llegada de un nuevo tono de azul o el desarrollo del proscenio, lo que sea , cambia cómo trabajamos en ese arte”. George Lucas (2004). Con la tecnología, los editores pueden hacer cambios en los mismos cuadros, pueden agregar o quitar elementos de la imagen. Esto aumenta el control del editor pero multiplica el número de decisiones que hay que tomar. La nueva tecnología nos permite editar la película antes de filmarla. La previsualización le permite colaborar más al editar para planear la película....