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La suite barroca...

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La Suite Barroca TRABAJO PRIMER TRIMESTRE Francisco Lara Navarro | 5ºB Análisis Musical| 17-04-2020

Índice 1.

CONTEXTO...........................................................................................................................2 1.1 La música barroca.............................................................................................................2 1.2 FIlosofía y Características generales de la música barroca...........................................4 1.3 Características de la música barroca..............................................................................4 1.4 La diversificación de estilos musicales...........................................................................4 1.5 Etapas y evolución del Barroco.......................................................................................5 1.6 Los géneros y las formas musicales de Barroco.............................................................5

2.

La SUITE................................................................................................................................7

3.

LA SUITE BARROCA............................................................................................................8 3.1 Origen de la suite barroca...................................................................................................8 3.2 Qué es, Y Esquema de la Suite Barroca..............................................................................8 3.3 Características de la Suite Barroca.....................................................................................8 3.4 La estructura o esquema básico más habitual de la suite barroca:..................................9 Danzas no básicas.................................................................................................................11 Danzas raramente usadas:...................................................................................................12 Cómo se bailaban.................................................................................................................12 3.5 Análisis................................................................................................................................13 4.

Compositores y obras.......................................................................................................13 4.1 Compositores insignes de suite barroca de la época....................................................13 4.2 Otros Compositores destacados de suite barroca.......................................................14 4.3 Otros compositores relevantes de Suite más allá del periodo Barroco......................14

5.

REFERENCIAS.....................................................................................................................15

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1. CONTEXTO 1.1 La música barroca

La música barroca abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750 (todo el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII). Pertenece a los estilos de la música culta europea, y seguido por la música del Clasicismo. Es uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música por el enorme espíritu de creación que hay en él. El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» (el término original describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».

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La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta Aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas (como catedrales o conventos notables). Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. En todos los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general para las funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc. Surgen músicos de primerísima línea entre los que destacan: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean Philippe Rameau y Henry Purcell.

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1.2 FIlosofía y Características generales de la música barroca Aunque no sea posible describir en una sola filosofía, 150 años de música en toda Europa. podríamos decir que una de las principales corrientes filosóficas de la música barroca proviene del interés del renacimiento en las ideas de la antigua Grecia y Roma. los griegos y romanos creían que la música era una herramienta poderosa de comunicación y podía despertar alguna emoción en sus oyentes. Como resultado de la reactivación de estas ideas, los compositores se hicieron cada vez más conscientes de la energía potencial de la música, y la creencia de que cultivan sus propias composiciones podrían tener efectos similares si bien emulados música antigua.

1.3 Características de la música barroca •

•

•

Se lleva de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada. La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violoncello, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...). El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo.

Es durante este periodo dónde surgen diferentes géneros musicales que en la actualidad se les conoce como clásicos; las cantatas, sonatas, óperas, suites y oratorias. Durante el Barroco aparece la orquesta en donde se predominan los instrumentos de cuerda como el violín, viola y violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y percusión.

1.4 La diversificación de estilos musicales En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista: convivieron diversos estilos, utilizados con plena consciencia por los compositores según el lugar en el que trabajasen y el género musical practicado. El estilo francés. Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación y Lully como referente. Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite), de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y simétricas, con armonías muy restringidas (aunque usadas con sutil imaginación) y una compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas.

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El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las ciudades italianas (Venecia, Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la música italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos, incluidos los franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el continente. El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.

1.5 Etapas y evolución del Barroco Barroco temprano: (1580-1630) Mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Las obras son, todavía, de poca extensión. Comienza la diferenciación entre la música vocal y la instrumental. Compositores destacados: C. Monteverdi, J Peri, G Frescobaldi. Barroco medio: (1630-1680), Es la época de la ópera y la cantata, y con ella la distinción entre aria, arioso y recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal. Se produce una vuelta hacia el contrapunto. Compositores destacados: H. Purcell y J.B. Lully. Barroco tardío: (1680-1750), Predominio de la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas dimensiones más largas, aparece el estilo concertato, ya bien constituído, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La tonalidad queda totalmente establecida. Compositores destacados: A. Vivaldi, D. Scarlatti, J.S. Bach, G.F. Haendel, G.P. Teleman. La transición al Clasicismo A finales del Barroco (1730-1750) hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de pre-clasicismo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre de la sonata clásica.

1.6 Los géneros y las formas musicales de Barroco La emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La música instrumental alcanzó pronto su madurez con la creación de formas como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.

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Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a antiguas como el motete y la misa.

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2. La SUITE La palabra “suite” se utiliza para designar una forma de música instrumental compuesta mediante una sucesión de piezas sencillas. El vocablo es de origen francés y significa precisamente "sucesión", "secuencia”. También denominada Ordre, en Francia, Partita en Alemania, aunque el término es italiano y Sonata, en Italia antes de la transformación de la suite y nacimiento de la sonata clásica Nace, como tal, en el Renacimiento tardío (era frecuente interpretar varias danzas unidas en las fiestas y bailes de los palacios), cuando la música instrumental se independiza de la música vocal, a la que venía sirviendo de compañía hasta entonces, y alcanza su edad de oro durante el período Barroco, de hecho fue la forma instrumental más importante durante ese periodo y, además, es el antecedente de la forma sonata que se origina en el S. XVII. La suite se mantuvo con vida hasta mediados del S. XVIII. El vals, la polca y otras danzas desplazaron a las antiguas danzas cortesanas con excepción del Minueto, que es la única danza que perdura en el clasicismo desapareciendo así la suite barroca. Después, ocuparon su lugar en la música culta otras obras como, la sonata clásica, la sinfonía y el concierto entre otras. A partir del S. XIX, el término “Suite” es restaurado, pero ya no depende de aires de danza ni tiene la misma estructura; se tratan de obras que tienen un número indeterminado de piezas con carácter diverso dentro de la música programática, música creada para un programa texto, cuento, obra teatral…). El Ballet ha dado innumerables suites como "El Cascanueces"," el Lago de los cisnes" y "La bella durmiente” de Tchaikovsky, "El pájaro de fuego" y "Purcinella "de Stravinsky, "La cenicienta" de Prokofiev… para el teatro se han escrito "La Peer Gynt de Grieg", "La historia de un soldado" de Stravinski ... También existen Suites evocadoras del pasado como "La suite Holberg" de Grieg o "La Suite Antigua" de Britten que están escritas en estilo antiguo, Suites con piezas que son cuadros de diferentes regiones y músicas folklóricas como" Las Suites Españolas" y "la Suite Iberia" de Albéniz, Otras que recopilan o recrean escenas como "El Rincón de los Niños de Debussy” y "La suite de los planetas" de G. Holst Y hasta que recopilan piezas para una orquesta de variedades o de Jazz como son "Las Jazz Suites de Shostakóvich, suites orquestales de Raff y Lachner y la Holberg Suite de Grieg.

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3. LA SUITE BARROCA 3.1 ORIGEN DE LA SUITE BARROCA Las danzas tienen su origen en Renacimiento donde realmente se bailaban con la formación de parejas de danzas. Cada pareja estaría formada por una danza lenta, de pasos, seguida de una rápida, de saltos. Poco a poco van evolucionando y añadiendo danzas, pero poco a poco se van separando del baile y se ordenan dependiendo si eran lentas o rápidas formándose lo que se llama Suite Barroca para el género instrumental. A finales del s. XVII se consolida su formación con 4 danzas principales y otras añadidas, conservan sus características y orden, pero se usan en el ámbito instrumental y se tocan dentro de lo que llamamos “música culta”. De este modo, la suite queda establecida en una sucesión de movimientos moderados o lentos y de movimientos rápidos, todos ellos en la misma tonalidad (pudiendo cambiar el modo) y que pueden ir precedidos o no de un preludio.

3.2 QUÉ ES, Y ESQUEMA DE LA SUITE BARROCA La Suite Barroca es una forma instrumental compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter y en número variable para orquesta o para un número reducido de instrumentos (de esta forma, se consigue dar el sentido dramático de contraposición del Barroco). Todas las danzas se escriben en la misma tonalidad (pudiendo cambiar el modo) y suelen responder a formas binarias. La Suite barroca está compuesta de danzas barrocas. Estas danzas son de corta duración y normalmente tienen 5, 6 o más movimientos entre ellos el preludio, la allemanda, la courante, la sarabanda, la bourée, el minueto o la giga, entre otros, aunque también se modificaba el orden y el tipo de danza.

3.3 CARACTERÍSTICAS DE LA SUITE BARROCA • • • • • • • •

Son las canciones populares bailes durante la edad media y el renacimiento. El nombre y el ritmo menudo evocan los sitios de origen. Muy practicada durante los siglos XVII y XVIII. Alternancia de danzas rápidas y lentes. Todas las piezas de una suite están en la misma tonalidad Cada danza conlleva dos partes repetidas (AA - BB) La parte A, va de senda dominante y la parte B, va de dominante tónico Instrumentación muy diversificada: para clavecín, órgano, violín, violonchelo, flauta, orquesta, etc.

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•

Regularidad de ritmo, por lo que las frases suelen ser de una duración igual: cada 2,4 o 8 compases TIPO

NOMBRE

PROCEDENCIA

COMPÀS

SIGLO

Pavana

Italia

Binario

XVI

Pasacalle

España

Ternario

Sarabanda ó Zarabanda

España

Ternario

XVI

Menuet

Francia

Ternario

Nacido del "Branle du Poitou"

Bolero

España

Ternario

XVIII

Siciliana

Sicilia (Italia)

6/8

Chacona

España

Ternario

MODERADAS Polonesa

Polonia

Ternario

Gavotte

Francia

Binario

Allemanda

Alemania

Binario

Loure

Francia

6/4

Musette

Francia

Binario o ternario

Gigue

Irlanda

Binario o ternario

Bourrée

Auvernés (Francia)

Binario o ternario

XVI hasta 1750

Tarantelle

Italia

Tambourin

Provece (Francia)

Contradansa

Inglaterra

Courante

Italia

Ternario

XVI hasta 1750

Gaillarde

Ternario

XVI

Badinerie

Binario

LENTAS

RÀPIDAS

XVII

XVI hasta 1750

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Passepied

Bretaña (Francia)

Binaroi o ternario

Branle

Francia

Binario

Hornpipe

Inglaterra

Mazurka

Polonia

Ternario

Rigodón

Languedoc (Francia)

Binario

Saltarelle

Italia

Origen Edad Media Origen Edad Media

XV

3.4 LA ESTRUCTURA O ESQUEMA BÁSICO MÁS HABITUAL DE LA SUITE BARROCA:    

ALLEMANDA: ritmo binario, tempo lento. COURANTE: ritmo ternario, tempo rápido. ZARABANDA: ritmo ternario, tempo lento. GIGA: ritmo binario, tempo rápido.

Con ello se conseguía crear contraste: lento -rápido-lento-rápido. De hecho, esta estructura la mantendría posteriormente Johann Sebastian Bach para la mayoría de sus Suites.

Ahora bien, existieron muchos cambios y alteraciones sobre el esquema básico:  Añadiendo al principio, una breve pieza introductoria denominada obertura. (Un ejemplo de suites que siempre cuentan con preludio son las suites de J.S. Bach para violonchelo y sus 6 Suites Inglesas para teclado.  Insertadas con frecuencia en el esquema esencial de la suite otras danzas -menos utilizadas- con número indeterminado de carácter muy variable y diverso: la pavana, la gallarda, el rondeau, la gavotte, la musette, la bourrée, el saltarello, la siciliana, el rigaudon, el minuetto o ménuet, el branle, el passepied, o el canario  Quitando algunos tipos de danzas: No todas se utilizan, ya depende del compositor y el estilo (francés, alemán o inglés), • Allemanda 

Danza de origen alemán, cortesana para una línea de parejas, de ritmo binario y tempo moderado (suele estar en 4/4, 2/2 o 2/4).

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 

Al comienzo suele haber una anacrusa de una a tres corcheas. Suele estar precedida de una forma libre como un preludio o una toccata y tras ella suele haber una courante.

• Courante. También llamada Corrente, Corant o Corranda. Danza de origen francés, de carácter vivo. Tiene un compás ternario 3/4, 3/2 o a veces binario con subdivisión ternaria (6/4...) aunque algunas veces juega entre el 6/4 y el 3/2 (o distribuye cada 3 o cada 2 la negra).  Es característico su comienzo en anacrusa y a veces su movimiento perpetuo de corcheas o semicorcheas iguales con aire vivo.  Otra de las peculiaridades de la Courante es el final Hemiólico característico (patrón esquema de ritmo binario seguido de un esquema de ritmo ternario). Nota: Durante su uso más común, en el período barroco, la Courante tuvo dos variantes: la francesa y la italiana.  El estilo francés tenía muchos acentos cruzados y era una danza lenta.  La italiana era más rápida, con desarrollo más libre y rápido.  

• Sarabanda ó Zarabanda.  

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

Danza de origen español, de carácter pausado y solemne con ritmo tético (sin anacrusa) escritas su mayoría en un compás de 3/4. Normalmente todas las Sarabandas constan de dos repeticiones simétricas de 8 compases (4+4) aunque es frecuente que la segunda repetición sea el doble de larga que la primera en la segunda parte Lo que caracteriza este tipo de danza son las acentuaciones o detenciones (o las dos a la vez) en las segundas partes del compás. o El acento recae “por alargamiento” en la segunda parte del compás. o La detención que las caracteriza, en estos casos se aprecia en la nota ligada Los ritmos típicos de la Sarabanda son: negra+blanca, dos negras+silencio de negra, negra+negra con puntillo+corchea.

•Giga ó Gigue.  

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