La representación de la familia en las fotografías de Sally Mann PDF

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Sally Mann y la representación de la familia

TFA – Arte y Cultura Digital

Andrea Rodríguez García Máster en Periodismo Cultural y Nuevas Tendencias 2020/2021

Sally Mann y la representación de la familia A día de hoy, Sally Mann se ha convertido en una marca en sí misma. Con el paso del tiempo, la crítica y los consumidores de arte de todo el mundo son capaces de reconocer su trabajo allá donde van, gracias a su estilo tan marcado y único y los temas que presenta en sus obras.

Desde sus inicios, en la década de los 70, su trabajo fotográfico se ha realizado exclusivamente con cámaras de vidrio tosco y capuchas negras en forma de acordeón. Esta decisión proporcionaba a la artista un estilo poético e inquietante [ CITATION Ann04 \l 1034 ].

Algo característico de su obra es que en pocas ocasiones se puede ver su trabajo en color. Con esto, consigue erosionar la línea que distingue el pasado del presente y continúa marcando el carácter fotográfico bucólico y conmovedor que perseguía con el uso de la cámara mencionada previamente.

Además,

sus fotografías suelen desarrollarse en ámbitos muy íntimos y

privados, como es su propia casa. Jugando, asimismo, con imágenes experimentales que persiguen alcanzar un aura de misterio y añoranza que tocan temas como el deseo, la muerte, los paisajes americanos o la familia [CITATION MarcadorDePosición1 \l 1034 ].

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Imagen Sally Mann fotografiada Kim Rushing Su trabajo se centra1. en explorar las grandes por cuestiones de la existencia, dejando de lado aquellas ideas más conceptuales. En concreto, esta investigación se centrará en analizar dos de sus series realizadas dentro del ámbito familiar, siendo, algunas de las fotografías, muy criticadas por parte del público.

Immediate Family Immediate Family es la primera de ellas y es también su trabajo más conocido. Se trata de su tercera colección, la cual fue exhibida por primera vez en la Houk Friedman Gallery de Nueva York en 1992 [CITATION Jam00 \l 1034 ].

Con imágenes controvertidas e intimistas, la artista muestra el desarrollo de sus tres hijos, –Jessie, Virginia y Emmet–. Fue un trabajo que ocupó diez años de su vida, donde las escenas cotidianas como las picaduras de los insectos que inundaban la piel de los pequeños, los niños durmiendo la siesta o las escapadas rurales que realizaban en familia se unían al concepto de la muerte y de la sexualidad.

Lo remarcable de las obras es que los infantes son capturados la mayor parte del tiempo despojados de prendas de vestir. Lo que trajo consigo un aluvión de críticas por parte de cierto sector de la sociedad. A pesar de que la serie tuvo

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un gran impacto comercial, fueron muchos los medios especializados en arte los que se negaron a publicar las imágenes.

Según la propia Mann, las fotografías mostraban el crecimiento de sus hijos en su granja de Virginia durante los diez años que le tomó la realización de la serie. Era una vida completamente aislada, ya no solo por su situación geográfica, sino por las condiciones de vida que tenían: sin electricidad y sin agua corriente. “Yo estaba convencida de que el objetivo de mi cámara tenía que estar abierto a todo lo que formaba parte de su infancia, y con la participación activa y voluntaria de mis hijos, fotografié sus triunfos, sus momentos de confusión, su paz y su soledad, al igual que esos otros momentos duros propios de la infancia: moratones, vómitos, narices sangrantes, camas mojadas… todo” [ CITATION Ste05 \l 1034 ].

4 Imagen 2. Sisters At War (1991)

Son imágenes íntimas y sin censura, donde se muestra a sus hijos con total naturalidad. Actúan como crónica del crecimiento de los jóvenes e ilustran tanto lo bueno como lo malo del desarrollo físico y psicológico humano.

Como se observa en Sisters At War (1991), si se deja a un lado el desnudo de las menores, la situación que se representa es habitual en todas las familias. Dos hermanas jugando a las cartas en la terraza de su casa. Ignoran por completo que la cámara está allí, inmortalizando su jugada. Mientras la que está sentada observa con detenimiento las cartas que sostiene con sus manos, la que está de pie mira las que están sobre la mesa. Quizá esté pensando en su siguiente jugada. Aún así, es la falta de ropa lo que llamaba la atención del espectador de la época y lo que provocó que el arte de Sally Mann quedase reducido a pornografía infantil.

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Imagen 3. Virginia at 6 (1991)

En la imagen 3 se puede observar a una de las jóvenes totalmente desnuda en un lago de Virginia. Es una fotografía cotidiana, que podría formar parte del álbum de cualquier familia tras unas vacaciones. Se muestra a la menor relajada, disfrutando de la situación. Es una pose poco forzada, que quizá surgiese mientras la niña jugaba frente al objetivo.

Lo importante de la fotografía se encuentra en su naturalidad, no hay ningún artificio ni elemento que distraiga la vista del espectador de la pequeña. El fondo completamente difuminado ayuda a enfocarse únicamente en la protagonista, que tiene la mirada fija en la cámara, haciendo ver que no le importaba que la fotografía estuviese siendo tomada. Además, tiene una expresión que esconde un pequeño atisbo de sonrisa, lo que demuestra que no estaba incómoda durante la sesión fotográfica.

Ella misma describe este trabajo como “la historia de tres niños notablemente sensibles, muy conscientes e, inmodestamente, preciosos, que tienen una vida bastante buena, muy libre, muy abierta y muy natural. Al menos ciertamente en verano”, que es cuando se tomaron estas fotografías, ya que el resto del año Mann se encargaba de imprimirlas ella misma. “En verano se les permite una medida de libertad que yo no creo que muchos niños disfrutan” [ CITATION Jam00 \l 1034 ]

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La imagen 4, Damaged Child (1984), fue duramente criticada. En ella, aparece su hija Jessie con la cara dañada e inflamada por las picaduras de los insectos. La expresión de la cara de la niña hierve de recriminación, algo que el público relacionó rápidamente con la posibilidad de que hubiese sufrido violencia infantil. Acusando a la fotógrafa de aplicar esta terrible acción sobre sus hijos e incitar a ella con sus fotografías.

Fue esta fotografía la que provocó que Mann se diese cuenta del potencial que Imagen 4. Damaged Child (1984) tenía en su propia casa. Al inicio, sus trabajos encajaban en la definición de artista postmodernista, pero ella misma admitió como juega con el artificio en

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muchas de sus instantáneas [ CITATION Jam00 \l 1034 ] mientras que muchas otras “son cosas ordinarias que toda madre ha visto. Tomo fotos cuando están ensangrentados, enfermos, desnudos o enojados" [ CITATION Del20 \l 1034 ]. Ejemplo de ello es Jessie Bites (1985), la imagen 5. En la fotografía aparece una de sus jóvenes hijas agarrada a un brazo. La niña se muestra con el cuerpo al descubierto salvo por un fino cinturón de plumas. Su torso tiene unas líneas dibujadas y su rostro aglutina diferentes manchas. Con su mirada se muestra desconfiada y retadora. Sus ojos se dirigen fuera de plano, lo que significa que algo está pasando tras la cámara y el espectador no lo puede ver.

Imagen 5. Jessie Bites (1985) Además de la diferencia que se muestra entre los dos cuerpos retratados, donde uno va totalmente tapado por su vestimenta, creando un contraste con la

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delicadeza del cuerpo de la joven, algo se esconde tras esta imagen. El brazo al que se aferra la niña es la única parte descubierta de la otra persona y en él se pueden observar diversos mordiscos, siendo el del centro de la imagen el más prominente. Según la propia artista, fue ella quien los hizo una vez desaparecieron los que su hija realizó previamente.

Algo a destacar de esta serie es el uso de elementos de atrezzo como gafas de sol o un caramelo que simula un cigarro para crear oscuras asociaciones en la mente de los espectadores. Es muy probable que los hijos de Mann viesen estos elementos como parte de un juego, pero la el público que observó estas fotografías lo entendió como si se desprendiera a esos niños del mundo infantil al que pertenecían para sumergirles de lleno en la tragicomedia que es la vida adulta.

Durante esta época, el puritanismo americano volvió a resurgir y colocó en el punto de mira a la artista estadounidense. Las acusaciones que rodearon a esta serie de fotografías propias de la pornografía infantil, dieron como resultado una ridícula censura [ CITATION Dav13 \l 1034 ]. “En ocasiones sentía como si mi alma hubiese quedado expuesta a críticos que disfrutaban clavando astillas en ella. Pensé que mi secretismo y aislamiento geográfico me protegerían y no estaba preparada para la atención que suscité”, apuntaba la artista [ CITATION Ste05 \l 1034 ].

Cabe destacar, que el momento en el que se publicó el libro que contenía la serie fotográfica coincidió con una exposición de Robert Mapplethorpe, un

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fotógrafo estadounidense que combinó fotografías de menores junto a otras de tipo sadomasoquista y homoerótico. Esta mezcla junto al trabajo de Mann propició la aparición de un debate sobre lo que se debía permitir en el arte y lo que no, que afectó directamente a la artista americana y a su trabajo.

A pesar de las críticas, el éxito de Mann se debe a su transgresión y exploración de los tabúes que giran entorno a la desnudez infantil. Pues, a parte de la serie analizada en esta primera parte, su obra At Twelve explora el mundo de jóvenes niñas con fotografías que analizan el crecimiento físico que ellas mismas experimentan durante la adolescencia. Aunque estas imágenes sugieren el florecimiento de la sexualidad adolescente, también exhiben, para algunos espectadores, los temas del incesto y el abuso infantil.

Por último mencionar, como tanto en esta serie como en Immediate Family, la inocencia infantil sigue estando reflejada en las fotografías. Se puede observar tanto en las posturas de los niños como en sus miradas y actitudes frente a la cámara. Como se ha mencionado previamente, son totalmente desenfadadas y naturales. Por lo que se puede concluir que es el público quien llena de significación a una imagen. Lo que en ocasiones puede ser contraproducente para el propio arte.

Proud Flesh Siguiendo con la temática de la familia, Sally Mann decide girar el objetivo de la cámara y alejarlo de la mirada infantil creando la serie Proud Flesh. Ahora el protagonista de las fotografías es un hombre, su marido llamado Larry Mann.

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Trabajando con la misma naturalidad que en Immediate Family, durante seis años crea una serie imágenes crudas, sin elementos que decoren o escondan la realidad que sufre Larry, quien está en un avanzado estado de distrofia muscular.

La serie de fotografías se centra en mostrar el desgaste físico que sufre a lo largo de los años, la vulnerabilidad y el dolor al que se enfrenta cada día. Es un trabajo sacrificado, puro, sincero y con una finalidad clara, mostrar el proceso de la vejez y cómo se convive con una enfermedad de este tipo. Además, estas imágenes consiguen que el espectador se enfrente al sufrimiento que el propio protagonista experimentaba y empatice con él.

Imagen 6. The Quality of the Affection (2006) 11

En la imagen 6, The Quality of the Affection (2006), Mann continúa jugando con el blanco y negro. Es una fotografía cruda y sencilla, en la que el juego de luces y sombras roba por completo el protagonismo. Lo único que aparece iluminado es una parte de la espalda del hombre, mientras que todo lo que hay alrededor queda cubierto por un tono negro característico de las sombras.

Es una imagen lúgubre y solitaria, por lo que se muestran perfectamente las intenciones que tenía la artista al crear esta serie. En este caso, la parte de la enfermedad que se refleja en la fotografía es la soledad con la que vive la persona afectada, escondida en la penumbra de su cuarto.

Imagen 7. Hephaestus (2008) 12

En Hephaestus (2008), imagen 7, se puede observar claramente la borrosidad corrosiva que consigue gracias al proceso de colodión. Se trata de una técnica fotográfica inventada en 1846 para el revelado de imágenes. En esta ocasión, al tratarse de una fotografía de 2008, se entiende que este proceso no era totalmente necesario para obtener la fotografía, por lo que se puede considerar como una herramienta de estilo. El matiz que proporciona esta técnica consigue eliminar cualquier dimensión erótica que pudiese tener la imagen al presentar al protagonista desnudo frente a la lente de la cámara y le aporta un carácter más dramático.

De esta forma, se continúa la línea conceptual que persigue esta serie fotográfica. Se convierte en una forma de mantener vivo el amor que siente por su marido. Aleja el erotismo y la frivolidad con los que se podría haber trabajado estas imágenes, para mostrar la candidez y el respeto que sentía la artista tanto por su pareja como por el proceso que él mismo estaba experimentando y la, cada vez más próxima, muerte.

“La necesidad de mantener la dignidad de la gente a la que fotografío ha ido creciendo a lo largo de los años hasta convertirse en un imperativo de mi trabajo”, comentaba la propia artista. “Para una mujer, el arte de mirar y apreciar a un hombre, estudiando su cuerpo y pidiéndole permiso para fotografiarlo es todo un atrevimiento, una osadía. En cambio, para un hombre, estas situaciones son cotidianas, incluso esperadas” [ CITATION Sal15 \l 1034 ].

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Con el paso del tiempo, estas imágenes dejan de reflejar el deterioro y los cambios que experimenta el cuerpo de Larry, para enfocarse en evidenciar el cariño, respeto y confianza que había entre el fotografiado y la fotógrafa. Este tipo de reproducción gráfica no se puede hacer si no existe una relación previa entre las dos partes, pues lo que se esconde tras esta serie es un conjunto de emociones intensas de una mujer hacia su marido.

El afecto con el que se trata el cuerpo de Larry, el juego de luces, la manera de reflejar la fragilidad, la belleza y la vulnerabilidad del fotografiado es lo que hace único este trabajo de Mann. Sin embargo, todos estos sentimientos se entremezclan con técnicas de fotografía que rompen por completo con la imagen física, como es el proceso de colodión, lo que demuestra la rabia, la ira y la frustración que siente la fotógrafa ante la enfermedad de su marido.

Algo que caracteriza el trabajo de Sally Mann es el aura de nostalgia que envuelven sus fotografías. A pesar de tratar temas tan diversos pero naturales como el crecimiento de los humanos, la muerte y descomposición de los cuerpos o los paisajes del mundo, todos ellos se tratan con respeto y cariño.

Además, en relación a las dos series analizadas en esta investigación, lo que más se destaca es la complicidad entre la fotógrafa y las personas fotografiadas que se puede palpar en las diversas imágenes. Se puede apreciar como tanto los niños como su marido estaban de acuerdo con que se realizase estos trabajos hasta el punto de ayudar en todo momento a Mann.

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Aún así, muchas de las fotografías, como Sisters At War (1991), imagen 2, surgen como resultado de suerte. Captan aquello que está ocurriendo en el momento sin premeditarlo. Sally Mann no buscaba esa pose mientras las niñas jugaban a las cartas, salió así.

Se puede pensar en estas series como si se tratase de un teatro improvisado, donde las personas fotografiadas entran dentro del proceso de creación. Las personas fotografiadas disponen de unas directrices marcadas por Mann pero estas se alteran por la incorporación de la espontaneidad, el juego y el azar.

Las series fotográficas de Mann analizadas dibujan una línea imaginaria que separa la sexualidad y el erotismo de la muerte, la enfermedad y la infancia, y los equilibra de tal forma que en ningún momento la balanza se inclina para un lado. Esto pone entre las cuerdas al espectador, que es quien tiene que reprimir la parte erótica de las fotografías e ignorar el uso de los cuerpos desnudos, para enfocarse en el verdadero significado que esconden las imágenes. Este juego mental con la audiencia es lo que provocó que el trabajo de Sally Mann fuese tan duramente criticado, puesto que la sociedad del momento no estaba preparada para enfrentarse a ello.

Bibliografía Cantor, S. (Dirección). (2005). "What Remains: The Life and Work of Sally Mann" [Película].

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