Tema 10. Instrumentos, soportes y técnicas del dibujo. El dibujo en la práctica artística. El pastel. PDF

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TEMA 10. Instrumentos, soportes y técnicas del dibujo. El dibujo en la práctica artística. El pastel. El dibujo El dibujo ha tenido, como símbolo, un elevado valor que se remonta a la prehistoria, y se corresponde básicamente con los trazos de contorno y dintorno. Debemos definir también su condición gráfica, en sentido lineal, interesante porque el término grafía deriva de la palabra griega utilizada para designar la escritura (vinculadas desde la antigüedad, por ejemplo con los jeroglíficos: escritura mediante dibujos). El dibujo es el arte considerado como rector de las demás formas, y además tiene trascendencia desde la prehistoria. Un buen dibujo es aquel con grandes cualidades expresivas, estudiándolo a parte de cualquier otra técnica utilizada en la obra. Este arte se convirtió en un proceso creativo más, no valorado por sí mismo ni siquiera en términos económicos, al ser una condición necesaria para cualquier técnica posterior.

Soportes del dibujo: Durante la prehistoria el dibujo se llevó a cabo sobre la pared rocosa, sobre la piedra, con un arte esquemático tendente a lo abstracto y lo simbólico, mostrando la potencia de esta técnica. En la actualidad, el soporte fundamental es el papel, pero además de este se utilizan a través de la historia los muros, las tablillas de cerámica, de madera, pergaminos, papiros, hojas de palma, etc. Y otro soporte para el dibujo ha sido y es hoy en día la piel, desde las civilizaciones tribales, realizando símbolos y grafías sobre la piel, de modo que el término inglés tattoo proviene del samoano “tátau” que significa “marcar”. Un curioso ejemplo lo constituye el manuscrito del arquitecto picardo Villard de Honnecourt, el cual, a mediados del s. XIII desplegó un complejo repertorio de motivos arquitectónicos extraídos de construcciones de época, con el cual en la actualidad se pueden reconstruir obras y estilos perdidos. Dentro del papel encontramos por ejemplo el chino y japonés, que se ha realizado a través del tiempo mediante fibras naturales, con las cuales se consigue un papel de gramaje fino pero de gran resistencia y muy buena conservación y calidad. Fábricas de papel en Francia y también en España vinculadas a la realización de naipes.

Instrumentos de dibujo: -

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Estilete con punta de plata: que da un trazo brillante y delicado. Para el uso de estiletes el soporte necesita un preparado, una imprimación, que daba mayor grosor al soporte y que podía contener cierto color, pudiendo tras esto proceder al dibujado mediante el raspado de esta imprimación. Estilete con punta de plomo: con un trazo negruzco. Tiene un efecto un poco parecido al lápiz Conté. Pluma: de caña, de oca, de pavo, de cuervo o de cisne. Las preferencias varían según la época. Carboncillo: obtenido mediante la combustión lenta, y pobre en oxígeno, de bastoncillos de maderas.

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Piedra de Italia: piedra negra de esquisto arcilloso blando, con trazas de sílice por lo que puede raspar el papel, con un trazo ancho, utilizado con frecuencia hasta el s. XVII. Sanguina Mina de plomo o grafito inglés: muy utilizado en las zonas de Flandes y Holanda desde finales del siglo XVII hasta la fuerte irrupción del lápiz. Lápiz: creado en 1790 por Conté, es una mezcla de polvo de grafito y arcilla que varía su dureza en función de las proporciones de cada material. Yeso: blanco utilizado para iluminar que sustituye al ablayalde desde la Edad Media. Pincel: utilizado para tintas de base acuosa, para temples y óleos, que añaden color, luces y sombras, hechos con pelo de ardilla, de turón, de perro o de caballo, etc.

Tintas: -

China: se obtiene mediante negro humo en suspensión de aceite, goma y aglutinantes.

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Ácido tánico: agalla de encina (marrón), goma arábiga y vitriolo. Corroe el papel. Bistre: hollín en suspensión acuosa. Según la saturación da diversos tonos. Sepia: tinta extraída de la glándula de la sepia, mezclada con agua y goma arábiga. Otras: diferentes colores. Pigmentos.

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La consideración del dibujo a través de la historia: Hasta los siglos XV y XVI los teóricos no empiezan a reflexionar sobre el dibujo, sino que solo es una forma subordinada al lenguaje escrito o a otras técnicas. En el siglo XIV Cenino Cenini empieza a reflexionar sobre el dibujo. En el XV Basari afirma que el dibujo es la madre de todas las artes, y que tiene una absoluta conexión con el intelecto, con la idea que el artista quiere expresar; y además considera que este se divide distintas fases o procesos: 1. El dibujo se inicia con un apunte con ligeros toques a penas esbozados con una pluma u otro instrumento. 2. La siguiente fase es la del perfil en la que el autor define las primeras líneas del contorno y el dintorno. 3. La siguiente es denominada como dibujo acabado o preparatorio, en la que hay una definición perfecta de contornos y se introducen las luces y sombras. 4. Y finalmente el cartón, que es ya la obra completa con todos los detalles realizado a igual tamaño que la posible obra posterior. Más adelante se especula incluso en el efecto metafísico del dibujo, y a partir del s. XVII y XVIII los críticos empiezan a opinar que el dibujo no es un arte únicamente subordinado, sino que tiene valores propios como arte expresivo, para finalmente en el siglo XIX y XX adquirir la actual importancia y consideración del dibujo como arte en sí mismo.

Ejemplos de grandes dibujantes: Durero: Ha sido por, un referente, ante todo, por sus magníficas obras gráficas, destacando sus potentes xilografías, aunque no obstante, como no puede ser de otro modo, era también un excelente dibujante y su obra sobre papel así lo atestigua. Las manos tuvieron especial relevancia para este artista. Se sucedieron los estudios realizados por Durero en los que eran protagonistas. Eran sus herramientas, sus aliadas en su profesión liberal. -

La madre del artista (1514). Este retraso de su madre muestra la potencia expresiva de los dibujos del artista. No está idealizado porque en el dibujo, al ser un apunte para él mismo considerado de menor valor o subordinado a una obra mayor, no debe atenerse a convenciones artísticas, de modo que puede ser en mayor forma él mismo, reflejando su capricho e invención, descubriendo una mayor sinceridad del autor.

Leonardo Da Vinci: Vivió y desarrolló su obra en un momento contradictorio y cambiante. Es el prototipo del artista humanista del renacimiento. Además de artista, consciente de sí mismo y su papel en su contexto, fue ingeniero en Milán y dentro del dibujo, la anatomía fue otra de sus obsesiones, como toda la naturaleza y sus procesos. Sus intereses se reflejan en sus notas y tratados, como por ejemplo en el “Codex del Vuelo de las Aves” (1485-1490), escritos casi siempre en espejo, y que abarcan amplitud de temas científicos, técnicos y artísticos. -

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Autorretrato (?): se trata de un dibujo poco trabajado que se centra, sobre todo, en la mirada, con un reflejo de profunda tristeza y tormento en los años finales del artista. El hombre de Vitruvio (1490) Estudio de un caballo Estudio de cabezas para La Batalla de Anghiari Dibujo preparatorio de La Batalla de Anghiari (1503-1506) Estudio de un embrión humano (1510-1513)

Además como ingeniero llevó a cabo también grandes proyectos con sus respectivos bocetos. Miguel Ángel Buonarroti: En sus obras, la corporalidad toma una nueva dimensión. La anatomía se fortalece y se vuelve heroica. Es muy interesante la ductilidad lineal de sus dibujos. -

La muerte de la vida humana El rapto de Ga… Dibujo preparatorio (sanguina) de la Sibila Libia para la Capilla Sixtina. Se muestra la preferencia del autor por el estudio de la anatomía masculina, descuidando la femenina, con las mismas características hercúleas.

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San Bartolomé mostrando su piel. Se trata de un autorretrato de Miguel Ángel tras la finalización de la Capilla Sixtina, con expresiones de cansancio y de estar harto de la realización de este trabajo para el papa Julio II, con el que chocaba continuamente. Basílica de San Lorenzo de Florencia. En este lugar apareció tapiada una estancia en la que se encontraron unos dibujos atribuidos a Miguel Ángel, refugiado en ese lugar durante una persecución.

Peter Paul Rubens Tiene un genial desarrollo del dibujo. Jean-Auguste-Dominique Ingres Se trata te otro gran dibujante. -

Madame Jean Auguste Dominique Ingres. Delphine Ramel.

Picasso: Fue otro gran dibujante, que en términos de escritura y numéricos solo se dedicaba a dibujarlos, ya que dedicado desde pequeño a su formación artística, desatendió sus estudios en otros ámbitos. -

Estudio académico. Torso. (1895). Retrato de Alexandre Riera (1897). Tinta de sepia y acuarela sobre papel. Igor Stravinsky. (1920) Dibujo de un solo trazo. Circo. (1920). La nadadora (1934) Estudio de cabeza llorando. Estudio. Madre con un niño muerto. Cabeza de guerrero pacifista. (1951). Tinta china sobre papel.

Ángel Ferrant: Gran artista de la posguerra española. -

Lápiz y lápices color sobre papel. Tinta con rayados a punzón sobre papel. Lápiz y tinta china a pincel y pluma. (1947-1948).

El pastel: Es un pigmento seco, ni graso ni acuoso, realizado con una pasta con base blanca de caolín (kao ling, China), que es una arcilla muy pura, y con base negra para los tonos oscuros. La dureza depende del aglutinante, pudiendo obtenerse barras de pastel blando, semiduro o duro, a medio camino entre el dibujo y la pintura, fresco y luminoso, cuya delicadeza obliga a preparar el soporte con almidón o fijadores de evaporación rápida. Historia de la técnica:

Históricamente empieza a utilizarse en técnica mixta con el óleo u otras, a partir del siglo XVI. El auge de esta técnica llega en el siglo XVIII donde causó furor con sus colores suaves, y un tanto fríos, además de su rapidez apta para captar la fugacidad. Se convirtió en uno de los fetiches estéticos del Rococó. Destacando por su sensualidad y dulzura. Ejemplos de artistas y obras: En Francia fue pionera Rosalba Carrera, pintora. Tampoco podemos olvidar las obras de Boucher y Fragonard. - Hombre ciego (1775), Fragonar. - Madame Pompadour (1754), Boucher. Durante los siglos XIX y XX se avecinan cambios radicales para la técnica. Las necesidades expresivas cambian y la técnica y los temas se renuevan ampliando los límites anteriores. Algunos de los artistas más destacados en este momento fueron Degas, Renoir, Berthe, Morisot, Mary Cassat o Sisley. El impresionismo explota las posibilidades expresivas del pastel con una nueva energía. -

Dos bailarinas (1866), Degas. Tiene encuadre fotográfico, cortando las figuras. Peras (1891), Berthe Morisot....