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trabajo de la película Ciudadano Kane...

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ANÁLISIS FÍLMICO – HISTORIA DEL CINEMA: EL CINEMA CLÀSSIC ANTONELLA MARCHESINI CASTILLO - 20166296

1. PRESENTACIÓN En 1998, el American Film Institute puso a Ciudadano Kane en el top de su lista de las cien mejores películas de todos los tiempos. Estrenada en 1941, fue la primera película que Orson Welles coescribió, dirigió y produjo. Recibió nueve nominaciones a los Oscar y un premio a mejor guión, que hasta el día de hoy destaca por su originalidad y profundo dramatismo. La película cuenta la vida de un magnate de la prensa, Charles Foster Kane, cuya biografía se traslada a la pantalla a través de los ojos de sus contemporáneos: las personas con las que vivió y trabajó. Como la película se remonta al año 1940, sus innovadores patrones y el estilo cinematográfico de presentación son admirados hasta el día de hoy. La historia de la vida de Kane comienza con su muerte en su propio castillo, llamado el Xanadú. Justo antes de su muerte, pronuncia su última palabra "Rosebud". Sin embargo, ninguno de los conocidos de Kane sabe lo que esta palabra significa para él. Los periodistas también tratan de averiguar el significado de la última palabra pronunciada. Todos tienen diferentes versiones y teorías. Luego los amigos reflexionan sobre el significado, reflexionando sobre la vida de Kane desde que tuvo que dejar la casa de su padre. El fracaso de la carrera política de Kane es el clímax de la historia. Debido a ello, su primer matrimonio fue destruido y el segundo termina mal también. Orson Wells hizo una película en la que el sueño americano fue completamente destruido. No fue la primera película sobre este tema, y ciertamente no fue la última. Sin embargo, 70 años más tarde todavía se las arregla para encabezar la lista de las mejores películas americanas.

2. CONTEXTO HISTÓRICO Ciudadano Kane es una película del año 1941, esta década de los 40 no fue especialmente prometedora para la industria cinematográfica estadounidense, especialmente tras el ataque de finales de 1941 a Pearl Harbor por parte de los japoneses. Sin embargo, la producción cinematográfica de Hollywood se recuperó y alcanzó su máximo rendimiento rentable durante los años 1943 a 1946, una década completa y más después del auge de la producción de películas sonoras. Los avances en la tecnología cinematográfica como grabación de sonido, iluminación, efectos especiales, cinematografía y uso del color, hicieron que las películas fueran más visibles y "modernas". Tras el final de la guerra, el año más rentable de Hollywood en la década fue 1946, con los máximos históricos de asistencia a los cines. Como era una época de muchos conflictos bélicos la industria cinematográfica también se adaptó dentro de este sector. Respondió al esfuerzo bélico nacional haciendo películas, produciendo muchas de tiempos de guerra y haciendo que las estrellas (y los empleados de la industria cinematográfica) se alistaran o se presentaran al servicio. La Oficina de Información sobre la Guerra (OWI) del gobierno de los Estados Unidos, formada en 1942, sirvió como una importante agencia de propaganda durante la Segunda Guerra Mundial, y coordinó sus esfuerzos con la industria cinematográfica para registrar y fotografiar las actividades de la nación en tiempos de guerra. Las películas adquirieron un tono más realista que de mundo ideal, como lo hicieron durante los años de la depresión de los años 30. 1

3. ORSON WELLES George Orson Welles nació en 1915, en Kenosha, Wisconsin, y soportó una infancia muy difícil. Sus padres, Richard y Beatrice, eran importantes en su comunidad, pero su padre también era un alcohólico. Se separaron cuando Welles tenía cuatro años, entonces él se mudó con su madre a Chicago, donde él se convirtió en el foco de sus esperanzas y sueños. Welles no podía hacer nada malo a sus ojos, y desarrolló un sentido precoz de sus propias habilidades. Beatrice murió cuando Welles tenía nueve años, dejándolo bajo la custodia de su padre y del Dr. Maurice Bernstein, un pediatra al que Beatrice se había acercado debido a su amor compartido por la música clásica y la ópera. Cuando Welles tenía quince años, su padre murió, Welles se convirtió en el único pupilo del Dr. Bernstein. La inestabilidad de la infancia de Welles no frustró sus talentos y ambiciones, y cuando el Dr. Bernstein envió a Welles a una prestigiosa escuela privada, prosperó. Su interés en el teatro lo llevó a comenzar a producir obras en la escuela, y su talento para escribir, actuar, producir y dirigir llamó la atención de los medios locales. Cuando este se graduó el Dr. Lo envió a Irlanda con la esperanza de que se olvidara del teatro. A pesar de ello él hizo su debut allí como director de teatro y más tarde, en 1934 hizo su debut en Nueva York, donde además dirigió su primer cortometraje e hizo su primera aparición en la radio. Alrededor de este tiempo, Welles también conoció a John Houseman, quien se convirtió en su compañero y mentor. Después de trabajar juntos durante varios años representando obras para el Federal Theatre Project, Houseman y Welles formaron el Mercury Theatre en 1937 para producir obras clásicas y especiales de radio. De esta colaboración surgió Mercury Theatre on the Air. El 30 de octubre de 1938, el Mercury Theatre dio su emisión más famosa, una producción de War of the Worlds. Interpretando la obra como si fuera un noticiero, Welles convenció a muchos que sintonizaban que los alienígenas estaban invadiendo Nueva Jersey. El pánico resultante hizo de Welles el actor más hablado en Estados Unidos. La notoriedad de Welles llamó la atención de Nelson Rockefeller, copropietario de RKO Studios en Hollywood, conocido por sus comedias protagonizadas por Fred Astaire y Ginger Rogers, pero la junta directiva de RKO quería hacer el tipo de películas artísticamente importantes que sus rivales estaban haciendo. Rockefeller sintió que Welles podría mejorar la calidad de las producciones y le hizo una oferta que no podía rechazar, un contrato que le daba casi todo el control artístico de un proyecto desde principio a fin. Esto es un aspecto muy destacable ya que en este momento las productoras controlaban absolutamente todo de los productos que sacaban adelante. Mucha gente en Hollywood quería que fallase ya que menospreciaba de alguna manera a la “gente de cine”, por ello muchos resentían el hecho de que a este joven inexperto se le diera tanta libertad y licencia creativa. Por estas mismas razones estaba decidido a triunfar empezando por planear una película basada en una novela de Joseph Conrad llamada Heart of Darkness. Esta no pudo realizarse debido a que requería demasiado presupuesto y fracasó, justo después empezó a trabajar en Ciudadano Kane. Aunque el director lo ha negado se sabe casi con seguridad que esta película se basó en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst, quien no estaba contento con el resultado de la película. Hearst utilizó su considerable influencia sobre los medios de comunicación para sofocar cualquier mención del Ciudadano Kane. Además, varios ejecutivos de otros estudios, liderados por un viejo amigo de Hearst llamado Louis Mayer, ofrecieron a RKO una gran suma de dinero para la película con el fin de 2

destruirla por completo. No está claro si su gesto fue de lealtad a Hearst o de temor a la posible reacción si Hearst decide que sus amigos de Hollywood lo estaban rechazando, en cualquier caso, RKO se negó a entregar la película. Aunque fracasaran en eso hicieron todo lo posible para paralizar el éxito comercial de la película que habría cimentado la reputación de Welles como un gran cineasta. Los críticos elogiaron Ciudadano Kane, pero después de que su carrera terminó, RKO y otros estudios admitieron que la tendencia de Welles hacia la controversia los hizo reacios a trabajar con él. Además, ningún estudio quería provocar la ira de los influyentes periódicos de Hearst. La arrogancia de Welles hacia el establishment de Hollywood y su interpretación mezquina de Marion Davies, que era muy querida en Hollywood, no ayudó a su causa. Ciudadano Kane pasó a recibir nueve nominaciones a los Premios de la Academia, pero ganó sólo uno, por escrito. El público abucheó cuando se anunció el premio y Welles nunca hizo otra película considerada importante.

4. EL PODER DE LOS ÁNGULOS Orson Welles es un director que destaca por la habilidad de expresar y transmitir emociones a través de los ángulos de la c ámara, que en este caso son muy impactantes en las escenas que involucran a Kane y sus esposas. Este recurso se utiliza para representar a la persona más controladora y poderosa dentro de la escena. La posición de la cámara le da a la audiencia una mayor comprensión de las situaciones que hacen que Kane sea más dominante cuando está en una relación. El uso estratégico de estos ángulos funciona para enfatizar las dinámicas de poder entre Kane y las mujeres con las que se relaciona. Durante la película, hay varias escenas entre él y su segunda esposa, Susan Alexander, en las que la cámara se posiciona hacia Kane para significar su posición de poder sobre Susan. En un momento dado, cuando Susan está frente a Kane y tiene un ataque de histeria por las críticas negativas escritas sobre sus actuaciones, la cámara cambia de posición tres veces. Al principio la cámara se posiciona de manera que mira hacia abajo a Susan mientras ella tiene un arrebato. Desde esta perspectiva, es casi como si Kane fuera un padre mirando a un niño pequeño mientras hace una rabieta con su voz infantil. La cámara se mueve para que veamos la escena desde la perspectiva de Susan mientras se queja y casi suplica a Kane para que le de respuestas. Mientras Susan se queja de sus críticas negativas, la cámara mira hacia Kane porque se cree que tiene la solución y el poder para cambiar la situación. Por último, la cámara se aleja para mostrar a Kane paseando por la habitación, de pie mientras Susan se sienta en el suelo, haciendo pucheros. Esta imagen de Kane y Susan reitera su desequilibrada dinámica de poder y enfatiza su superioridad sobre ella. Kane a menudo se coloca en un ángulo alto, de tal manera que la cámara mira hacia él durante la película. Sin embargo, hay algunas ocasiones en las que la cámara mira directamente hacia él y otros, lo que implica un equilibrio de poder. Cuando Kane y Susan se encuentran por primera vez, están sentados dentro del apartamento de Susan haciendo sombras de manos sobre la pared. Mientras ambos participan en este acto infantil, la cámara está a la altura de los ojos de ambos, lo que implica un equilibrio de poder en su relación. En este punto, Susan no sabe el poder que hay detrás del nombre de Kane, lo que ayuda a eliminar cualquier jerarquía de poder y control. Además, Kane, que no tuvo infancia, se siente atraído por lo infantil e ingenua que es Susan y siente que puede ser la versión más infantil de sí mismo. Esta es una de las pocas escenas en las que se muestra el lado juguetón de Kane y esta exhibición de un lado más amable de él 3

también ayuda a bajarlo de su estado habitual a una posición más cercana a la de Susan, lo que se enfatiza de nuevo por el ángulo de la cámara que se dirige a los dos por igual. Susan no es la única mujer en la vida de Kane que es capaz de interactuar con él ojo a ojo. Emily, la primera esposa de Kane, también fue capaz de interactuar con Kane en igualdad de condiciones. Es la sobrina del presidente y una mujer fuerte. Hay varias escenas en la película que muestran la rutina del desayuno matutino de Kane y Emily, en las que la cámara está posicionada en un ángulo neutro, de modo que está mirando directamente a ambos, transmitiendo sus iguales niveles de poder. A medida que las escenas avanzan, la tensión crece entre los dos mientras discuten sobre las tendencias obsesivas del trabajo de Kane y lo que publica en su periódico. A diferencia de Susan, que es muy infantil pero que al final no consigue lo que quiere, Emily es mucho más astuta. En lugar de recurrir a actos juveniles como gritar como lo hace Susan, Emily elige ser más “adulta” y directa sobre lo que no le gusta. Emily desafía las acciones de Kane en lugar de sentarse pasivamente y permitirle que la domine. Aunque Emily es capaz de expresar su opinión, no es suficiente para cambiar las acciones de Kane, impidiéndole que sea capaz de superar el nivel de poder de Kane, lo que se enfatiza aún más por la posición recta de la cámara. Cuando la cámara mira hacia abajo a un personaje, esta técnica implica una falta de control y demuestra la superioridad de Kane sobre ese individuo. Lo contrario se aplica cuando la cámara está mirando a Kane, lo que significa el poder de Kane sobre una mujer. Los ángulos cambiantes muestran que por muy poderoso que sea, hay momentos en su vida y en sus relaciones con las mujeres en los que no es dominante o está en control, sino simplemente igual, nunca inferior.

5. ESCENA DE APERTURA En la escena de apertura de Ciudadano Kane, el espectador es introducido dentro de la narrativa con un cartel que indica “prohibido el paso” y un constante movimiento de cámara y pase de diferentes frames que se sobreponen y se cambian fundiéndose entre sí. Para mejorar esta profundidad de frame, la escena tiene una estructura de tres niveles que muestra en primer plano, plano medio y segundo plano. Esta profundidad del marco trabaja junto al movimiento de la cámara para interesar al espectador sobre lo que se esconde en el palacio, todo esto se ve realzado por el cartel del principio, dando la sensación de fascinación por el espacio prohibido y como consecuencia se forma una reacción de investigación. La ubicación de la escena se muestra como un lugar cerrado donde el espectador siente curiosidad por lo que esconde, ya que resulta muy misterioso. Se muestra una ventana iluminada en la esquina superior derecha en cada marco, es inevitable que sea donde se dirige la mirada, también porque esta es la única luz en la toma. Además, muchos planos son en ángulo bajo desde el primer plano hasta el fondo, haciendo hincapié en la profundidad del marco. Por lo tanto, el movimiento de la cámara funciona tanto literal como figurativamente mediante la construcción de un entorno y un misterio al mismo tiempo. Todo esto tiene un enfoque claro y nítido y lo consigue combinando la iluminación, la composición y el ángulo para producir el efecto de querer saber más. Manipula eficazmente la puesta en escena para esta técnica que implica todo el frame sin dejar al espectador confundido. En estas tomas, el objeto de la curiosidad es el castillo con la ventana iluminada y 4

al introducir el entorno y el mundo del narrador el espectador casi puede ser visto como un ojo investigador cuando se mueve inexorablemente en la narrativa y se centra en la ventana. El uso de estas tomas es silencioso y calmado lo que también hace que se pueda comprender la información mucho mejor a pesar de que sea bastante la que recibimos. Pasa del exterior al interior en un abrir y cerrar de ojos, como si se tratara de una visión que trasciende en el espacio y transgrede la prohibición del principio. Cuando la cámara llega por la ventana, la luz de esta se apaga inesperadamente y la música no diegética se para. Mientras la música de la banda sonora tiene unos matices oscuros que también ayuda a este efecto de curiosidad. Transmite escalofríos y se va desvaneciendo según pasan las lentas transiciones y toma importancia cuando nos adentramos dentro de la habitación, cuando se altera y alcanza su punto más alto, demostrando claramente la importancia de la toma. Aparece una bola de cristal que desencadena en un recuerdo de Kane, que lo hace pronunciar en un susurro sus últimas palabras antes de morir “Rosebud”, destacando así la importancia y dejando algunas pistas para el espectador el impacto que esto podría tener dentro de la trama general. Con un primerísimo plano la cámara revela la bola de cristal, que contiene dentro otro espacio: la cabaña de troncos de su madre. Al introducir estos diferentes espacios, la escena hace que se dude de la ubicación real de la historia, haciendo que sintamos curiosidad por saber dónde nos encontramos realmente. La nieve también contribuye a crear esta duda y cuando esta llena la pantalla, hace cuestionarse la realidad, ya que la nieve parece estar dentro de la habitación y no la bola de cristal. Esta incertidumbre entre la psicología y la literalidad empodera la curiosidad del espectador y hace que aumente el sentido de desorientación, tal vez como una advertencia de una visión distorsionada. Con todas estas tomas que se desvanecen y la curiosidad que despierta el ver una ventana iluminada, puede hacernos sentir algo de frustración por no saber qué es y a la vez curiosidad por investigarlo. La repentina y notoria parada de la inquietante música añade información a la escena haciendo sentir tensión y sentimiento de alerta sobre el drama que va a llegar. La escena no evidencia nada y a la vez todo, establece un enigma que además se ve reforzado por las pistas visuales que no son realmente comprendidas hasta que culmina el argumento de la película, lo cual hace que se retrase esa gratificación de comprensión de todo.

6. VALORACIÓN FINAL Ciudadano Kane es una película que todo el rato gira en torno a descifrar de alguna manera la vida de este magnate que parece ser extremadamente público, pero a la vez muy encriptado. Desde un principio se cuestiona quién es realmente esta persona y cuáles son las razones que lo hacen impulsarse y tomar las decisiones que tomó a lo largo de su vida. Se pude ver como su figura pública no tiene nada que ver con la personal, ya que tras todo lo que hace en su vida y lo que le sucede, su última palabra es “Rosebud”, lo cual al principio parece no tener sentido pero que al final encarna quien es él realmente. Es una película que igual que con este tema, gira en torno a la ambigüedad, tanto de su personalidad, como los recuerdos o sucesos que parecen poco fiables aún siendo contados por amigos y conocidos íntimos del magnate. Además resulta muy curioso como él nunca llega a contar la historia de su propia vida y debe de ser 5

confiada a que la cuenten otros que supuestamente eran sus socios. A pesar de conocerle todos, nadie sabe realmente por qué hacía las cosas que hacía ni que le impulsaba a hacerlo. Personalmente creo que la única persona que podría haber llegado a entenderle y compartir su historia es Thatcher, pero estaba demasiado ocupado haciéndose rico. Las diferentes perspectivas sobre la vida de Kane, especialmente en ausencia del propio punto de vista de él, nos obligan a cuestionar lo que era verdaderamente importante en la vida de Charles Foster Kane, así como a reflexionar sobre lo que constituye una vida en general. A juzgar por la última palabra de Kane, las piezas más importantes de su vida no fueron las cosas que lo hicieron merecedor de noticias, como sus éxitos en los periódicos y sus ambiciones políticas, ni sus amistades o asociaciones. En cambio, cuando la vida de Kane llega a su fin, se aferra a un recuerdo de su infancia. Al parecer lo único que anhela es haber tenido una infancia normal y corriente, aunque esto no significara ser tan poderoso, ya que claramente le daba felicidad poco duradera y que finalmente le deja completamente solo. Por otro lado, considero muy interesante la reflexión que se hace dentro del argumento sobre el mito del American Dream. Cabe destacar que es una de las primeras películas que representa este tópico como algo indeseable. Cuando Kane era niño y jugaba con algo tan simple como la nieve era completamente feliz, aunque sus padres fueran bastante pobres. Cuando Thatcher saca a Kane de este lugar, le da lo que parece el sueño americano: riqueza financiera y lujo material. Sin embargo, Kane descubre que esas cosas no lo hacen feliz, y el intercambio de seguridad emocional por seguridad financiera es finalmente insatisfactorio. Este sueño está vacío para él y lo que hace es intentar comprar amor y hacer a otros con su riqueza tan miserables como él. La riqueza de Kane lo aísla de los demás a lo largo de los años, y su vida termina en soledad en Xanadú. Muere rodeado de sus posesiones, pobres sustituciones de sus verdaderos compañeros. Es una reflexión hacia los espectadores que en este momento acababan de pasar por la gran depresión de l...