Análisis iconológico Gioconda PDF

Preview

Summary

Aquí se analiza la obra más emblemática de Leonardo Da Vinci, con sus misterios, La Gioconda o Mona Lisa...

Description

Análisis iconológico: La Gioconda.

Esteban Rendón Tamayo Laura Úsuga Tangarife

Fernando Antonio Rojo Betancur Docente Estudios Iconológicos

Instituto Tecnológico Metropolitano – ITM Facultad de Artes y Humanidades Artes Visuales Medellín 2018

El Hombre detrás de la obra maestra Leonardo Da Vinci, nació en la provincia de Vinci (Italia) el 15 de abril del año 1452, su padre fue Piero di Antonio un notario y su madre Caterina de Anchiano una campesina de la ruralidad de Anchiano. Leonardo fue experto en muchas materias, se desempeñó como artista, filósofo, ingeniero, inventor, músico y poeta, generando grandes aportes a la historia del arte y la vida florentina renacentista. Vivió en el seno paterno desde muy joven, permitiéndole estar influenciado por las artes, la aritmética, la ciencia y la literatura, la cual había tomado un camino evolutivo gracias al renacimiento, el cual tenía como el propósito libelar el pensamiento teocentrista e implantar un pensamiento más humanista y racional, tomando como capital Florencia, una ciudad con una gran influencia en las políticas, la economía, las artes y la literatura; era una de las ciudades en la cual los artistas y pensadores ejercían una libre expresión de sus conocimiento, debido a que existía mucho mecenazgo por parte de la élite. Leonardo da Vinci estuvo siempre bajo el yugo de ser el hijo ilegitimo de Piero di Antonio, lo cual no le abrió las suficientes puertas en su infancia, pero gracias a que su familia hacía parte de la alcurnia toscana, se vio provisto de toda clase de lujos y privilegios. La familia de Leonardo se trasladó a Florencia, donde esta vivió de una forma bastante desahogada de problemas, llena de lujos y siendo participe de la sociedad elitista florentina, en la cual se contoneaban filósofos, pensadores, artistas como Botticelli y Andrea Verrocchio, arquitectos y polifacéticos. Andrea Verrocchio, era uno de los artistas más aclamados en Florencia; Andrea poseía un taller, donde contaba con muchos pupilos, todo esto era subvencionado por la familia Medici, quienes eran amantes a sus esculturas y sus pinturas. Una de las obras más conocidas de Andrea Verrocchio fue el Bautismo de Cristo (Véase Anexo 1), en la cual uno de los colaboradores fue Leonardo en su época temprano de aprendizaje en el taller de Andrea; Leonardo aprendió las técnicas de dibujo, como la

manera naturalista de representar un cuerpo. Según varios

rumores históricos a sus 24 años un cortesano (prostituto) le acusa a Leonardo de sodomía, es decir tener relaciones sexuales con una persona del mismo sexo, algo que estaba penado con la hoguera, cosa que no estuvo comprobada porque no se encontró argumentos suficientes, se cree que esto sucedió por las envidias que Leonardo despertaba en muchos de los pupilos de Andrea Verrocchio. La pintura temprano de Leonardo más contemplada es la Anunciación, realizada entre 1472 y 1475, en este pintura se puede contemplar las señales que Leonardo mostraba para la pintura, ya que en esta pintura se demuestra un gran manejo de la técnica pictórica sino de la perspectiva, de los conocimientos teológicos que Leonardo había sido expuesto, sino lo que precedería a ser su futura técnica y compromiso con sus obras. Muchos de los esbozos de algunas obras que nunca se acabaron realizar muestran el gran estudio de la espacialidad como se puede apreciar en el Estudio de perspectiva arquitectónica con figuras para la Adoración de los Magos realizada en 1481 con pluma y bistre con trazos de punta de plata y albayalde sobre papel, que sería la antelación para el esbozo que realizaría en 1482 de la Adoración de los Magos. Tiempo después Leonardo se traslada a Milán abandonando el taller, trabajando para los Medici y para Ludovico Sforza, durante este periodo Leonardo demostró sus capacidades para la mecánica y la invención de armas, artefactos que en la mayoría de su carácter serían bélicos y la creación de planos los cuales serían inspiración para la realización moderna de objetos como los submarinos, el helicópteros, carros de combate, y otros. El Códice Atlántico es una de los claros ejemplos donde se demuestra sus destrezas en la invención de objetos bélicos, pero muchos de estos modelos no se pudieron realizar por tratarse de objetos bastantes ambiciosos, los cuales constaban de costos elevadamente exorbitantes. Leonardo tuvo que salir de Milán consecuente a la invención de tropas francesas al mando de Luis XII, lo cual hizo que Ludovico Sforza escapara, dejando así sin subvenciones a Leonardo.

Leonardo fue escultor, arquitecto y científico, Generó nuevas iconografías al arte como se contempla en la Virgen de las rocas (Véase Anexo 2), las representaciones son más naturales y fluidas, Se muestra el gran estudio que Leonardo hizo sobre los cuerpos y la forma como este varía según sus expresiones y movimientos. Leonardo usaba la ayuda de carniceros para la disección de cadáveres para estudiar sus órganos, músculos y el sistema óseo, cosa que estaba prohibida, se cree que se diseccionaron más 30 cadáveres, ya que muchos de los dibujos que fueron realizados por él se muestran anatomías diferentes; el estudio anatómico es de suma importancia para sus obras como se puede referenciar en el Hombre de Vitrubio. Un aspecto muy importante entre sus códices y sus dibujos era que escribía de derecha a izquierda, donde la letra se pudiera descifrar solo poniendo un espejo o metal pulido reflejando el escrito, ya que según muchos de sus pupilos Leonardo poseía una histeria permanente, porque creía que iban a robar todas sus ideas. En muchos de sus manuscritos se detallan los estudios sobre la hidrología, aerología, cosmología y la teoría de los elementos, las muestras más pertinentes de estos estudios son sus dibujos el Paisaje de los Alpes con tormenta, y la Representación de cataclismo o diluvio formalizado, realizados en carboncillo sobre papel entre 1513 y 1516. En 1516 abandonó Italia para partir a Francia, siendo así primer pintor, primer ingeniero y arquitecto del Rey Francisco I, el cual era gran admirador de su obra; en la capital de Lombardía, fue por primera vez donde se valoró como pintor. Leonardo residió en el castillo Cloux donde realizó muchos de sus otros códices, dibujos y estuvo al frente de cuestiones políticas por decisión de Francisco I. Leonardo no tuvo descendientes, así que cuando cayó enfermo en 1519, dictó en su testamento el día 23 de abril que su más fiel compañero y alumno desde los 10 años, Francesco Melzi, legara sus más preciados bienes, sus instrumentos, pero muchos de sus códices fueron repartidos entre sus otros pupilos siendo así repartidos como bienes y no por su carácter científico o de literato. La vida yació el

2 de mayo del mismo año, dándose así la más grande pérdida en el mundo del arte. Leonardo fue enterrado en Sint-Florentin de Amboise, siendo este el lugar donde su cuerpo yace el día de hoy. La Gioconda La Gioconda o más conocida como La Mona Lisa, es una pintura que data de comienzos del siglo XVI, esta obra realizada por el maestro Leonardo Da Vinci, es una de las obras más conocidas en el mundo del arte, no solo por su magnífica ejecución sino por los hechos que la llevaron a ser conocida por todo el mundo; a comienzos del siglo XX, tras su robo del Museo del Louvre, se hizo su fama a través de la gran reproductibilidad que tuvo, las apropiaciones artísticas y su gran valor como bien de la humanidad. Una de las características que más la ha hecho destacarse en el mundo del arte es su enigmática sonrisa y sobre quién fue realmente la modelo de esta obra. Fue realiza hacia el 1503 y finalizada hacia el 1506, su materialidad consta de óleo sobre una tabla de álamo, con dimensiones de 77x53 centímetros, ubicada en el periodo renacentistas del arte, el cual se basó en dejar el teocentrismo de lado y ejercer un humanismo en todos los ámbitos, en especial en las artes, la cual tomó como base las representaciones griegas helenísticas, que constaban de una representación fiel del cuerpo que había sido retomado poco antes en el arte flamenco. Esta obra es una gran muestra de la técnica “sfumato”, la cual consistía en lograr un efecto vaporoso, es decir, que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de profundidad y volumen; esta técnica era la más utilizada por Leonardo en sus obras, en especial en sus Madonnas. Los colores que se aprecian en la obra son de la gama del ocre, es decir, los amarillos que dan el color de la piel y en las vestiduras para logar un efecto de iluminación de estas, los marrones los podemos encontrar en los

cabellos, el paisaje de fondo y en la silla donde esta se encuentra dispuesta, el negro, tonos azulados en el cielo y las montañas rocosas del fondo, los tonos rojizos en los crepúsculos y el camino situado en la parte inferior izquierda del fondo y adicionalmente encontramos tonos verdosos en las vestiduras; teniendo en cuenta la antigüedad de la pintura, los colores pueden haberse oxidado, ya que estos pigmentos eran realizados con minerales que eran mezclados con otros elementos para conseguirlos. Su composición espacial consta de un triángulo, debido a que la imagen de la modelo se encuentra erguida, sentada en una silla con sus manos apoyadas en el brazo de esta; tomando en cuenta lo anterior, la cabeza consta un punto, su codo izquierdo otro punto y la manga derecha de su vestido otro punto, formando así un sistema espacial triangular (Véase Anexo 3). El esquema de iluminación que se le otorga a la figura es: una iluminación en picada por su lado izquierdo que genera una iluminación en la parte superior de sus mangas y el velo que carga sobre el hombro izquierdo, genera sombras en el mentón, por debajo de su pecho y debajo de la manigueta de la silla; una iluminación lateral genera sombras en su lado izquierdo del rostro, su hombro derecho y adicionalmente genera transparencia en sus cabellos del lado izquierdo; pero en el esquema de iluminación encontramos que las manos y la parte superior de su pecho tiene una luz suave, pero que a su vez nos da una percepción de vida. En la obra de la Gioconda existe un fondo rocoso, crepuscular y tempestuoso, esto es un gran reflejo de Leonardo en la pintura, debido a que él poseía un gran interés en plasmar la fuerza de la naturaleza, lo tempestuosa y majestuosa que esta era, así como Vicent Van Gogh plasmaba la fuerza telúrica de la naturaleza, el movimiento del aire y la capacidad de la naturaleza en reformarse y convertirse. Este fondo claramente cumple con la función de no dejar de lado los intereses del artista, pero también para generar una impresión de profundidad, de ímpetu y capacidad para exhibir sus dotes como artista. Giovanni Castelfranco en su texto “Studi vinciani” de 1966 comenta que: “el fondo de la Gioconda desarrolla tipos de

rocas complicadas y enormemente dispuestas a plomo, que ya no campea a la manera toscana sobre el cielo, sino sobre el ultimo paisaje azulenco”. Este fondo sería uno de los emblemas más representativos de Leonardo, como se puede apreciar en la Santa Ana, La Madonna y el niño con cordero de 1508. La postura de la Gioconda es uno de los índices más importantes, es una postura denotante de firmeza, autoridad, pero también de delicadeza y tranquilidad; uno de sus bazos está apoyado en la manigueta de una silla, su mano izquierda levemente cerrada y sobrepuesta a esta una mano lánguida, tranquila y palpitante muestra suavidad y delicadeza, complementando lo anterior vemos que la gran destreza de Leonardo permite que la piel denote vida, que las texturas de la pintura sean palpables. La Gioconda es una mujer joven de entre 20 y 25 años probablemente, aparece sin cejas ni pestañas, cosa que era común en las damas florentinas de la época, quitarse todo el vello de la cara, porque esto denotaba limpieza, pulcritud y pureza. Los ropajes de la Gioconda es un elemento que nos permite situarla cronológicamente en la historia. La vestimenta consta de un velo traslucido que cubre el cabello, un vestido de tonos verdosos y ocrecinos que cubren su pecho, pero dejando entrever la línea del busto, este cubre hasta las muñecas; la manga derecha muestra una de las muñecas como si esta fuera una parte íntima que la otra manga cubre. Un velo cromáticamente semejante al vestido, que se tergiversa alrededor de su hombro izquierdo, pasando antes por su vientre y su brazo derecho, dando este la impresión de ser el mismo que cubre su cabello.

La

Gioconda no porta ninguna clase de bisutería, sus ropajes dan la ilusión de ser sedosos, ligeros, pero el sesgo que se encuentra en los pechos es elaborado, como una especie de tejido y el repujado de la tela encima del busto posee ornamentos cocidos en hilos del mismo croma de la tela. Las ropas de la Gioconda demuestran estatus económico, debido que muchas mujeres no podían costear los materiales que se usaban por la alta alcurnia, como lo era la seda, el velo y los terciopelos.

La verdadera identidad de La Gioconda A través de los años las especulaciones acerca de la identidad de la Gioconda han sido notables; entre las más comunes encontramos que se trata de Lisa Gherardini, esta mujer de la alta alcurnia florentina era muy allegada a Leonardo Da Vinci, debido que el esposo de esta era Francesco Bartolomeo del Giocondo, un mercader de textiles y seda, además uno de los principales benefactores de Leonardo; la historia cuenta que Francesco del Giocondo contrató a Leonardo para realizar una pintura de su esposa Lisa, pero esta nunca fue entregada por Leonardo a la familia. Dos de las asociaciones más comunes que se encuentran hacia Lisa Gherardini es el nombre Gioconda, que fue una asimilación del apellido del esposo pero tornándolo en un carácter femenino, siendo este el factor detonante para pensar que la modelo pudo ser ella; otra asociación viene del nombre secundario de La Gioconda que es Mona Lisa, este nombre se deriva del italiano donde Mona es una contracción del Madonna que significa “ mujer madre” y también “Mi señora”, ya que “Ma” es un vocablo asimilado con “Mamma” significante de madre y “Donna” es la palabra significante de mujer, asimilando lo anterior la conjunción de “ Ma” y “Donna” nos genera un vocablo que se usaba para referirse a la madre de cristo o a mujeres en embarazo; todo esto ligado a Lisa, que según documentos históricos estaría encinta de su segundo hijo cuando Leonardo comenzó a pintar la Gioconda. Según el texto “Un recuerdo infantil de Leonardo Da Vinci” escrito por Sigmund Freud donde se realiza un psicoanalísis de sus obras, se encuentra una gran vinculación con la figura materna de Leonardo. Caterina era una mujer campesina de la toscana, que lo había procreado con Piero di Antonio, un ente público importante en su tiempo; Caterina entregó a Leonardo a su padre para que este tuviera una vida más acomodada, llenas de posibilidades y además Leonardo era el hijo primogénito de Piero, pero este evento se tomó como un abandono por parte de ella hacia Leonardo. Una de las muestras más notables de la falta de la figura materna era el empeño y excelente ejecución en sus Madonnas, las cuales

poseían un rostro semejante a la Gioconda, sus sonrisas leonardezcas como así se determinó este tipo de expresión facial hacen parte esencial de su interés por representar la figura materna perdida. Adyacente a esto también se cree que el rostro de la Gioconda es Leonardo pero feminizado (Véase Anexo 4), es decir, según Sigmund Freud: Leonardo tenía una lucha con su sexualidad; se cuenta que el artista era benevolente con los hombres jóvenes y bellos, adicional a esto nunca se le conoció una pareja femenina; si superponemos el autorretrato de Leonardo con La Gioconda podemos observar que los rasgos faciales son muy similares, aunque esto también puede ser tomado como la interpretación de la figura materna de Leonardo, del cual se comenta que poseía muchas rasgos fisiológicos de su madre. En últimas instancias, las especulaciones sobre la identidad de la enigmática mujer son muy amplias; se tiene asimilada a Isabella d´Este como una de las posibles mujeres que serían la retratada en la Gioconda, pero lo que más refuta esta teoría es que el artista Tiziano realizó varios retratos de Isabella, los cuales difieren mucho con la Gioconda, debido a que su rostro visto frontalmente a diferencia del perfil que Leonardo realizó en carboncillo y pastel son notablemente diferentes (Véase Anexo 5), aunque sus manos estaban dispuestas de una forma similar a la Gioconda. Isabella d´Este era una gran humanista, amante de las artes y mecenas de muchos artistas en Mantua, donde Leonardo tuvo estadía por un tiempo. La sonrisa de La Gioconda, una Cloris de Botticelli. Una de las expresiones más enigmáticas de la Gioconda es su sonrisa, es un elemento que se ha denominado como la sonrisa “ leonardezca”. Es una expresión que denota tristeza, pero también felicidad y tranquilidad, por ende vemos que es una actitud muy similar al personaje de Cloris en la famosa Pintura de Botticelli “La Primavera”; el personaje de Cloris posee una actitud ambivalente, dado que desea que Céfiro la atrape y la insemine, pero a su vez existe un deseo de

repulsión y negación, que finalmente acaba por transformar a Cloris en Flora, que exhibe con pudor su florecimiento como mujer, es decir, el hecho que está encinta, dando así un estado de calma y felicidad. La Gioconda, posee una actitud corporal de seguridad y comodidad, pero su sonrisa demuestra conflictos de su interioridad con su exterioridad, tal como se ha propuesto en el psicoanálisis que realiza Sigmund Freud sobre Leonardo. “ Es una sonrisa”, ésta se puede denominar así porque las comisuras de sus labios están levantados levemente hacia arriba y su mentón está más demarcado, dado que cuando los músculos de las mejillas se contraen la piel y los músculos de la barbilla se tensionan; Leonardo era consciente del funcionamiento fisiológico de un cuerpo, consecuente a que él era un gran estudioso del cuerpo y la mecánica de este. Giorgio Vasari consideró que esta sonrisa es “más divina que humana” en su texto Le Vite de 1568, consideraba que las obras de Leonardo demostraban unos dotes incalculables para su época, estaba dotado de grandes talentos y “…mostró tanta divinidad en sus cosas, en dar la perfección de prontitud, vivacidad, bondad, encanto y gracia, ningún otro le fue semejante”; alcanzando así la Gioconda el estado de divinidad que Cloris como ninfa del bosque consigue al transformarse en Flora “la diosa de la primavera”.

La Gioconda en la época de su reproductibilidad. Tras su robo el 21deagos t ode1911,l aGi oc ondat omóuncami nodelc ualnunc a r egr es ó,habl amosdes ur epr oducc i ónunayot r av ez ,demaner asi s t emát i c a,“ c on may oromenorfi del i dad” ,t alc omol opl ant eaJ os éJi ménezens ul i br o“ Teor í adel Ar t e” .T oda es t ar epr oduc c i ón s i s t emát i c a de l a obr al ac onv i r t i ó en una obr a “ popul ar ” ,gl obal i z ada,¿Porqué ?,par apoderr epar arsuper di da,per oes t ol oque pr oduj of uequemuc hosar t i s t ass eapr opi ar andeel l a,t r at ar andedes t r ui relaur a de l a que habl a Wal t erBenj amí n en s ul i br o“ La obr a en l a époc a de s u r epr oduc t i bi l i dadt éc ni c a” ,l ac uals edest r uy ec uandounaobr aesmasi fic adaen

l osmedi os .LaGi oc ondanoper di ós uaur a,sec onv i r t i óenunodel osi conosmás i mpor t ant esenelar t e,gener óun“ hal o”medi át i c oc uandoes t af uer ec uper adaen 1916 porl a pol i c í a de Fr anc i a;l a per di da habí a gener ado en elpúbl i c o gr an des conci er t os obr el aobr a,debi doquemuc hasdel asapr opi ac i onesnoer anfiel es as ui magenyl amaner adei dent i fi c ac i óndel aor i gi naldel asr epr oduc c i ones . Muc hos ar t i st as que s e apr opi ar í an de l ai magen de l a Gi oconda,al gunos at ent ar í anc ont r ael l a,per os ol ol ogr ar í anquel ar epr oduc t i bi l i dads ev i er ac omoun malr ec ur soquel aus óc omoobj et odec ompr a. Los c as os más punt ual es que podemos enc ont r ar en l a época de l a r epr oduc t i bi l i daddel aGi oc onda,esl ar epr oduc ci óns er i adadeAndyWar hol ...