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Los años 60-70 (...

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COMENTA LA UNIFORMIDAD ESTILSTICA MUNDIAL DEL ESTILO ARQUITECTNICO DENOMINADO "ESTILO INTERNACIONAL". Estilo Internacional en arquitectura tiene las características formales del Movimiento Moderno. Se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso. También se avino a una homogeneidad de materiales, presididos por el hormigón armado, con el que se crearon amplios espacios interiores con similitudes en varios edificios. El Estilo Internacional claves: En primer lugar, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos. En segundo lugar, la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros. El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en la ciencia de los materiales y la construcción, que permitieron la invención del hormigón armado y los progresos en las aleaciones de acero. Todo esto conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos. El Estilo Internacional fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler y Philip Johnson. Edificio Seagram, construido por el alemán Mies van der Rohe para la corporación de las bebidas alcohólicas. Se ubica en Park Avenue, en Nueva York, donde Mies ideó una gran plaza urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida, permitiendo tener un punto de observación inmejorable hacia la alta edificación que muestra su estructura de acero, y tiene la sencilla forma de un prisma rectangular desprovisto de toda ornamentación. ANALIZA LA ARQUITECTURA ESPAOLA, ESPECIALMENTE LOS TRABAJOS DE FRANCISCO JAVIER SENZ DE OIZA Y MIGUEL FISAC. Francisco Javier Senz de Oiza Se licenció en Arquitectura en 1946 por la Escuela de Arquitectura de Madrid y se doctoró en 1965. Amplió posteriormente sus estudios en EEUU con una beca de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. A su regreso, en 1949 comenzó a trabajar en la Escuela de Arquitectura de Madrid, a la que estuvo ligado hasta su jubilación en 1985, primero como profesor de proyectos arquitectónicos, después como catedrático y director de la misma. Desde 1983 centró su actividad en el trabajo de estudio. Entre sus obras destacan edificios tan emblemáticos como el de las Torres Blancas (1969) o el del Banco de Bilbao (1972-78) en el Paseo de la Castellana, ambos en Madrid Basílica de Aránzazu (1950-1954), iglesia que construirá en Gipuzkoa junto con Luis Laorga y que será de Bloque 10. Los Años 60- 70

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gran importancia no sólo por el trabajo arquitectónico -las líneas generales son bastante habituales, no hay una gran renovación aunque la lectura sí es contemporáneasino porque en la misma diferentes artistas vascos -Jorge Oteiza, Eduardo Chillida o Nestor Basterretxeacolaborarán, haciendo una apuesta por la plástica contemporánea. Edificio Torres Blancas Una de las construcciones más imponentes del arquitecto Sáenz de Oiza fue el edificio de las Torres Blancas de Madrid, una de las obras maestras del organicismo extremo español. Torre del Banco de Bilbao La antigua sede del Banco de Bilbao en el distrito financiero Azca de Madrid es expresión de la conversión orgánica de la arquitectura hacía los rasgos de la modernidad.

Basílica de Aranzazú

Torres Blancas de Madrid

Torre del Banco de Bilbao

En los 80 su trabajo sufre el influjo de la posmodernidad quedará en el aspecto externo, en cierto detalles decorativos, pero en la planta, en los materiales, en la organización o en las formas no tendrá gran influencia. En cierto modo esta nueva tendencia le posibilitará ser todavía más expresivo, cuidar más el lado estético. Los ejemplos de esta nueva fase son el Museo de Arte Contemporáneo que construyó en 1985 en Las Palmas de Gran Canaria, el conjunto de viviendas que levantó en 1986 al lado de la autopista M-30, los pabellones que en 1987 IFEMA de Madrid, Torre Triana en Sevilla y por último, la obra más significativa y también más polémica, el auditorio de Santander construido en 1989. Sáenz de Oiza en estos trabajos combinará el racionalismo, el funcionalismo, en menor medida el organicismo y la posmodernidad.

Viviendas de la M-30 Edificio torre de Triana

Miguel Fisac Disconforme con la arquitectura de su tiempo, logró un estilo de gran personalidad, en el cual incorporaba originales soluciones estructurales con hormigón Bloque 10. Los Años 60- 70

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pretensado y sus características vigas-hueso. Desde sus inicios, en que va rechazando el racionalismo de sus maestros al percibir que en ellos la plástica arquitectónica no responde a las exigencias técnicas y a la necesidad humana, se vio influido por la obra del arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright, el neoempirismo del arquitecto Erik Gunnar Asplund y el organicismo nórdico, experimentado en su viaje en 1949 a Suecia. Se interesa también por la arquitectura popular, en la que la realidad del paisaje, de las características humanas, históricas y geográficas del lugar se funden con el valor plástico o incluso técnico. Recibió el encargo del Consejo Superior de Investigaciones Científicas para ordenar la zona sur de la Colonia Los Chopos en Madrid. Remodeló el antiguo auditorio de la Residencia de Estudiantes para construir la nueva capilla del CSIC. La decena de años en los que trabaja en torno a las nuevas edificaciones de este organismo supone la transición que modela su lenguaje desde un sobrio clasicismo hasta asimilar la influencia del organicismo.

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LA PINTURA EN LOS AÑOS 60-70 Movimientos artísticos que dominan durante los 60-70

Claves artísticas de las corrientes expresionistas. El expresionismo abstracto surge en EE. UU. A principios de los años cuarenta y adquiere su máximo desarrollo a comienzos de los años cincuenta. La formación de este movimiento se debe en buena medida a los surrealistas. Al comienzo de la segunda guerra mundial, la casi totalidad del movimiento surrealista (surrealismo) se exilió en Nueva York. Entre los exiliados estaban algunos de los pintores surrealistas más importantes: Max Ernst, Roberto Matta, Salvador Dalí y André Masson. Estos pintores tuvieron como sede de sus actividades artísticas la galería neoyorkina “Art of This Century”. Esta galería fue abierta en 1942 por la coleccionista Peggy Guggenheim (que entonces estaba casada con Ernts) para que los artistas exiliados tuvieran un centro donde mostrar su obra. Esa presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció una gran influencia entre los pintores norteamericanos, especialmente entre los jóvenes artistas neoyorquinos, muchos de los cuales expondrían con el tiempo en la galería de Peggy Guggenheim (Pollock llegó a ser la estrella de esta galería). La teoría y práctica surrealistas liberó a esos artistas de los moralismos y dogmatismos artísticos imperantes en Norteamérica, y les hizo descubrir la estimulante libertad de la creación espontánea. Emerge así la vigorosa escuela de Nueva York, caracterizada por una pintura “subjetiva” de gran libertad expresiva, que si bien al principio contiene elementos figurativos (fase mítica), acabará por prescindir totalmente de ellos (fase gestual). El término de “expresionismo abstracto” se debe al crítico de arte del “The New Yorker”, Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo-plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952, el crítico Harold Rosenberg utiliza el término de “action painting” (pintura de acción) para definir mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas: la importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del contenido. Otras denominaciones que también recibe este movimiento son las de “abstracción pictórica” (painterly-abstract) y la de “nueva pintura americana” (new american painting), ambas debidas al crítico Clement Greenberg. Características

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Pueden señalarse como características formales de este estilo 

Preferencia por los grandes formatos.

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Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.

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Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.

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Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.

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Concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

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El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

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Ausencia de toda relación con lo objetivo.

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Rechazo de todo convencionalismo estético.

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Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

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Ejecución totalmente espontánea.

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Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

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Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

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Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

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Empleo de manchas y líneas con ritmo.

Fases En este movimiento es posible diferenciar dos fases: La llamada fase "mítica" o de formación del movimiento (influenciada por el surrealismo), que abarca desde principios de los cuarenta hasta después de la segunda guerra mundial, y la fase gestual, a partir de 1947 (año en el que Pollock realiza sus primeras pinturas de goteo), en la que el movimiento queda plenamente configurado. 1.

Fase mítica Imaginería extraída del subconsciente: de los mitos y símbolos que conforman los arquetipos universales de la experiencia humana y que se encuentran en el inconsciente individual (De Kooning, Pollock, Rothko).

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Police Gazette, Kooning

Uno, Pollok

Naturaleza muerta, Rothko

Estilo abstracto biomórfico: composiciones con formas que semejan estructuras de plantas y animales, formas protozoicas o amiboideas creadas espontáneamente (Gorky); así como garabatos y símbolos primitivos o cósmicos: círculos, discos, etc (Gottlieb).

El hígado es la cresta del gallo, Gorky

Notaciones, Gottlieb

Contenido surreal, simbólico y sexual. Ausencia de profundidad y tridimensionalidad. Predominio de la armonía tonal. 2.

Fase gestual Abandono del lenguaje figurativo. Utilización de nuevos métodos de ejecución: pintura de goteo (dripping). Expresión del estado psíquico del artista en el momento de realizar la pintura. Utilización de telas de grandes dimensiones. Gran libertad en el color (al principio preferencia por el blanco y el negro, más adelante por los colores brillantes y vivos para traducir estados de ánimo intensos). Variedad de configuraciones estructurales, entre ellas destacan:

Composiciones de campo extendido (all-over field) Toda la superficie del lienzo cubierta uniformemente mediante una maraña de líneas y cordones de pintura chorreada o goteada que transmiten la sensación de extenderse indefinidamente más allá de los bordes del cuadro (Pollock). Composiciones de campo de color (colour field): Grandes superficies planas combinadas de color sin elementos sígnicos ni gestuales, creando atmósferas y gran sensación de espacio (Rothko, Newman, Reinhardt, Still ). Composiciones gestuales: Marañas ondulantes y rítmicas de trazos, empastes, manchas y chorreos sobre fondos dominantes (Tobey, Mitchel). Composiciones sígnicas: A base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monócromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafías orientales (Kline, Tobey) https://youtu.be/gWUSh10Cgjo

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http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-sala/sala-guggenheim-expresionismo-abstracto/3957160/

EXPRESIONISMO FIGURATIVO, DESDE EL EXPRESIONISMO ALEMN HASTA LA OBRA DE FRANCIS BACON Y DE LUCIAN FREUD. El expresionismo figurativo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y germánico reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y colores. Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

Kandinsky pinta con gruesos trazos y una gran variedad de colores pero siempre fuertes

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Kandinsky Comenzó como pintor figurativo y terminó siendo abstracto. Ruso de nacimiento se trasladó a Alemania y sus paisajes urbanos plenos de colores fulgurantes y de pinceladas vigorosas. Lo importante no son los detalles sino el concepto general, de ahí que las figuras no aparezcan más que como conjuntos de manchas de color. Resulta muy representativa esta explosión cromática en el mundo germánico, muy dado al extremismo y a la visión exagerada de la realidad.

Improvisación XXVII

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E. Kirchner (1880-1938) .-Sus formas son angulosas, inspiradas en el cubismo y sus líneas gruesas y rectas. .-Sus temas son paisajes urbanos y chicas mirando escaparates o moviéndose por las calles. Por tanto, el movimiento y la luz, reflejadas en los colores ácidos son los motores de la obra de Kirchner. .-La fiereza de los colores y su excentricidad marcan mucho los personajes. Los trazos son vigorosos y la luz es muy intensa. .-En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en 1938

Cinco mujeres en la calle

Erich Hecker (1883-1976) Como otros miembros del grupo Die Brücke admiró muchísimo la obra de Edvard Munch, y pretendía tender un «puente» entre la pintura alemana neorromántica y la moderna pintura expresionista. Los cuatro miembros fundadores usaron mucho la técnica de grabado en xilografía al ser un medio barato y rápido de producir arte al alcance de todos. En 1937 el partido nazi declaró que su obra era degenerada; le prohibió mostrar su obra en público, y más de 700 cuadros suyos fueron confiscados de los museos de la nación. Para el año 1944 todos sus bloques de grabado en madera y las planchas de sus láminas habían sido destruidas.

Francis Bacon (Dublín, 1909 - Madrid, 1992) Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés. Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacon pasó su juventud en su Irlanda natal. En 1925 se establece luego en Londres, donde trabaja como decorador. Se interesa en seguida por la pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en Berlín y París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann), queda impresionado por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se considera la formación autodidacta de Bacon. Tres estudios de figura en la base de una crucifixión, de 1944, aparecen las claves a las que responde su pintura en las décadas siguientes. Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror

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que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.

Francis Bacon 'Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion'

Papa Inocencio X de Velázquez

Lucian Freud Después de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos. A partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, ...