Charlotte Cotton RIASSUNTO PDF

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RIASSUNTO DEL LIBRO DELLA COTTON...

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L A F O TO TOG GRAFIA COME ARTE CONTEMPORANEA - Fotografia concettuale anni 60 e 70 del Novecento - fotografie frutto di una strategia o di un evento creato dai fotografi con l'unico scopo di formarne un'immagine. Molti dei lavori di cui si parla nel capitolo hanno connessioni con la body art e con la performance. L'arte concettuale, non esprime apprezzamento per un esercizio virtuosistico della pratica fotografica, non distingue le personalità chiave definendole 'maestri', ma anzi minimizza l'importanza dell'abilità e dell'autorialità. - Aspetto decisamente e < dequalificato>. Lo stile fotogiornalistico del XX secolo , fu spesso adottato per dare l'impressione che l'immagine fotogiornalistica non sia premeditata, ma piuttosto una risposta scattante agli eventi- allo stesso tempo l'immagine ammetteva le forme

spontanee che la performance poteva assumere. L'arte dunque è investita da due ruoli- Artistico e di documento. L'arte concettuale usava la fotografia come mezzo per veicolare azioni o idee artistiche effimere, che sostituissero l'oggetto d'arte in galleria. PREMESSE DELL'ARTE CONCETTUALEIniziano con Marcel Duchamp, definito il padre dell'arte concettuale. Nel 1917, Duchamp presentò all'Armony Show a New York un orinatorio prodotto in serie, e affermava che qualsiasi cosa poteva essere arte, qualsiasi cosa l'artista ritenesse tale. Non modificò quasi per niente l'orinatorio, semplicemente lo posizionò in orizzontale e lo autografò con la firma inventata - Oggi dell'originale FONTANA di Duchamp rimangono le foto di Alfred Stieglitz - La natura cruda e provocatoria della Fontana è affermata nelle fotografie di Stieglitz. SOPHIE CALLE- mescola la strategia

artistica con la vita quotidiana e crea una delle opere più convincenti della fotografia in chiave concettuale, ovvero Suite Vénitienne.(1980) L'opera ebbe inizio a Parigi, quando Sophie si imbattè per due volte casualmente in uno sconosciuto- Al secondo incontro ebbe una breve conversazione con l'uomo, conosciuto come Henry B. e venne a sapere che era in procinto di fare un viaggio a Venezia. Così la Calle lo seguì nel suo viaggio , a sua insaputo, con lo scopo di documentare il viaggio - In un'opera dell'anno successivo, L'hotel, Sophie venne assunta come cameriera in un hotel a Venezia, e durante le pulizie nelle stanze fotografò gli oggetti personali dei loro abitanti di passaggio, aprendo valigie, ispezionando la biancheria, prendendo appunti. La sua è un opera che fonde realtà e finzione, caratterizzato dal voyeurismo tipico

della fotografia e dalla performance. In seguito la Calle , collaborò con lo scrittore Paul Auster - Nel suo romanzo Leviatano, Auster creò il personaggio di Maria, ispirato a Sophie. La Calle intrecciò il personaggio romanzesco con quello artistico, e chiese ad Auster di far fare a Maria alcune attività che in seguito lei replicò. Nasce cosi la sua opera Le Régime chromatique , dove documenta i cibi di cui si nutrì per una settimana, tutti di un unico colore. -Dunque la performance gioca un ruolo super importante anche negli anni ottanta e novanta del Novecento- In un clima politico in cui l'arte d'avanguardia era illegale, la teatralità di un'arte basata sulla performance che non dipendeva da istituzioni artistiche, era uno sfogo e un modo di esprimersi per molti

artisti. Sopratutto in Cina, divenne un modo per contestare la politica cinese ( ribellandosi alla subordinazione culturale dell'io che c'era in Cina). Il gruppo artisti più noti di questo periodo è L'East Village di Pechino, che iniziò la propria attività nel 1993. Le perfomance del gruppo contestavano i violenti cambiamenti della cultura cinese - Le rappresentazioni avvenivano in abitazioni o luoghi fuori mano davanti ad un pubblico ridotto. -performance estreme di Zhang Huan, Ma Liuming, Rong- Rong- Il corpo umano è messo alla prova fino al suo limite estremo. La fotografia era sempre parte della performance . Ma è stato RongRong che ha assicurato il suo posto nella storia dell'arte, documentando i coraggiosi e stravaganti artisti della performance, in particolare il celebre

Zhang Huan, le cui azioni rinnegate hanno attirato l'attenzione del mondo artistico globale, grazie alla distribuzione clandestina delle sue pubblicazioni co-edite da Ai Weiwei.Quando si è trasferito a Pechino, una persona con una macchina fotografica molto probabilmente lavorava per un giornale o una rivista statale, ma la fotografia non era considerata una forma d'arte. RongRong era lì nell'East Village, nel 1993, quando Zhang Huan, la cui formazione nella pittura social-realista iniziò all'età di quattordici anni, realizzò la sua prima opera d'arte performativa, inserendo una gamba di manichino recuperata dalla spazzatura tra le sue gambe mentre era sdraiato su un pezzo di tela sul pavimento del suo studio: una versione vivente di una bambola di Hans Bellmer. Secondo una voce del diario non datata (che

accompagna l'immagine nel libro), l'azione è stata un'idea di RongRong. Zhang aveva realizzato sculture da parti di bambole recuperate; quando RongRong gli ha chiesto di sedersi per un ritratto, ha suggerito all'artista di spogliarsi e trasformarsi in una delle sue opere. In pochi mesi, RongRong stava girando quella che è probabilmente l'opera più famosa di Zhang, un'esibizione incendiaria per la quale si è coperto di miele e salsa di pesce e si è seduto per ore in una latrina pubblica mentre le mosche coprivano il suo corpo.Il pezzo si concludeva con l'artista che camminava solennemente in uno stagno dietro la latrina, fino a scomparire. Intitolato "12 metri quadrati", il pezzo è stato dedicato ad Ai Weiwei, il cui padre, un tempo famoso poeta, fu relegato a pulire i bagni dopo la Rivoluzione Culturale.

- Altre opere di Zhang Huan- To Raise the Water Level in a Fishpond , 1997 (Per aumentare il livello dell'acqua in uno stagno di pesce)- Questa performance di gruppo fu messa in atto da Huan per essere fotografata, facendo così della fotografia il risultato finale del gesto artisticoL'opera vuole trascendere il significato di un detto cinese, secondo il quale un singolo individuo non poteva influenzare l'ambiente circostante, dimostrando come una comunità riunita per una causa comune possa fare la differenza. Poi abbiamo l'artista ucraino Kulik che segue una pratica parallela, inscendando potreste animaliste nel tentativo di suggerire che noi siamo l'alterego degli animali e viceversaElemento provocatore nell'opera di Kulik che si comporta come un cane feroce che attacca la polizia e i

raprresentanti del potere. Fu influenzato da artisti di inclinazione concettuale, specialmente all'artista tedesco Beyus con l'opera I Like America and America likes me - Beyus si fa rinchiudere in una galleria insieme ad un coyote e la loro coabitazione fu fotografata. (potresta alla guerra in Vietnam) . Kulik dunque si rifà a Beyus con l'opera I bite America And America Bites me( Io mordo L'America e L'America mi morde) - Family of the Future, sempre di Kulik- Troviamo l'artista nudo come un cane che esegue comportamenti in parte umani e in parte animali- Le fotografie in bianco e nero furono stampate ed esposte in una stanza arredata con mobili più piccoli , in modo che per guardarle bisogna stare a quattro zampe come un cane. - Melanie Manchot- Gesture of

Demarcation - L'artista ha il volto inespressivo e immobile mentre una seconda figura le tira la pelle elastica del collo ( Sembra casuale ma l'inquadratura e la scena sono state scelte con cura) Lo 'studio' della corporalità viene effettuato analogamente da Jeanne Dunning , le cui fotografie mostrano una massa effettiva sul busto di una donna - questa massa allude al disagio e alla vulnerabilità del corpo umano - Corpo umano visto come incontrollabile e irrazionale. Questo concetto lo troviamo anche nell'opera dell'artista giappo Tatsumi Orimoto il quale nasconde il proprio volto sotto una maschera scultorea di pane e poi mette in atto normali attività quotidiane. - Personaggio fumettistico che non causa spavento ma viene ignorato dalle persone. - Lo scopo di questi interventi assurdi

è quello di rompere con la quotidianità e la normalità . - Orimoto usa il pane anche nei suoi doppi ritratti con la madre , malata di Alzheimer , per marcare la futura modificata realtà della donna. -Erwin Wurn- Secondo Wurn l'opera d'arte corrisponde all'idea e che la manifestazione fisica di essa da parte dell'artista è più un invito agli altri a partecipare alla performance- Wurn nelle One Minute Sculpture , mette in atto una serie di scene che non necessitano di particolari abilità come indossare tutti i propri vestiti in una volta o mettersi in testa un secchio etc. - Un'altra artista che tenta di andare oltre, attraverso il fotoconcettualismo , la superficie della realtà è la britannica Gillian Wearing . Per realizzare la sua opera - Signs that say what you want them to say and

not sign that say what someone else wants you to say- ferma le persone per strada , chiedendogli di scrivere qualcosa su un foglio, e in seguito le fotografa - Lascia ai soggetti la possibilità di autodeterminarsi , di esprimere i propri stati d'animo etc. L'opera STRANGER, dell'artista giapponese Shizuka Yokomizo tratta diciannove ritratti di figure isolate fotografate di notte dalle finestre del pianterreno delle loro case . L'artista invia una lettera agli abitanti chiedendo loro di posizionarsi davanti alle finestre delle loro case ad una certa ora , con le tende aperte . Le finestre si comportano come degli specchi in quanto anticipano agli abitanti il momento in cui verranno fotografati. -L'artista olandese Hellen van Meene , fotografa invece giovani donne- Le pose di queste donne sono

goffe ma non si capisce se è spontaneo o archestrato. - questo perche la Meene voleva rendere il tutto ambiguo e coniugare una sensibilità consapevole di ciò che vuole fotografare e di ciò che ha preparato al fatto che fotografa anche , spontaneamente, ciò che a lei si rivela- Reazioni della signola persona ritratta. -Importanza delle didascalie per spiegare meglio la foto- Lo vediamo nelle foto di Ni Haifeng, il quale dipinge il suo busto con i motivi della porcellana cinese del 18' secolo disegnata dai mercanti. Inoltre le iscrizioni scritte sul suo corpo ricordano i cartellini dei musei , evocative del linguaggio dei collezionisti - Identica importanza attribuita a testi e immagini la troviamo nell'opera di Kenneth Lum a dimostrazione che l'immagine da sola

non basta. In Don't be silly, you are not ugly, Lum utilizza le parole rivolte da una giovane donna caucasica alla sua amica , per mettere in evidenza il concetto di bellezza e razza e l'approccio che questo concetto ha nelle nostre vite quotidiane. - Roy Villevoye, a differenza di questi artisti, rappresenta le differenze culturali in maniera puramente visiva, quando collabora con la comunità Asmati , facendo riferimento alla storia coloniale olandese. Serie ' Present( 3 asmati Men, 3 t-shirt, 3 present) -L'artista americana Nina Katchadourian altera il mondo naturale,ad esempio nella serie Mended SpiderWeb (Ragnatele Separate) , in cui rammena le ragnatele separate con dei fili colorati che poi però alla sera vengo distrutti nuovamente dai ragni -

Replica sarcastica e femminilizzata ai coinvolgimenti con la natura ben più grandi della Land Art. Allo stesso modo Delvoye connette l'ordinario al grandioso , mescolando diversi carattere tipografici urbani usati per le iscrizioni sui monumenti al linguaggio dei biglietti informali che si lasciano a casa sul tavolo ( iscriveva messaggi sulle montagne su vasta scala)- Combinazione di linguaggio eloquente e linguaggio comune. - In Get off your hors and drink your milk ( scendi da cavallo e bevi il tuo latte) , Sarah Lucas, mette insieme il linguaggio popolare fumettistico con quello della performance e l'uso della griglia - il corpo ha una volgarità esplicita e divertente allo stesso tempo. La Von Hausswolff fotografa invece un lavandino con biancheria

arrotolata, che è un allusione al corpo sessualizzato - Noi vediamo il soggetto reale, il lavandino, e quello concettuale, il sesso. - Van Gogh's Back, di Mona Hautum Saltiamo mentalmente dalle spirali di peli sulla schiena bagnata di un uomo ai cieli stellati della pittura di Van Gogh. - Ball Photography , di David Spero, che raffigurano le ambientazioni modeste in cui ha sistemato delle palle di gomma colorate che assicurano punteggiature comiche ma splendide degli spazi, trasformando l'ordinario in piani celesti fatti in casa. TIM DAVIS, invece, raffigura le finestre oscurate delle case americane durante la notte che riflettono le luci dei fast food- La ripetizione delle foto in serie diventa una teoria, quella della

contaminazione dello spirito commerciale della nostra vita privata. Olga Chernysheva accoppia , nella serie Fishermen, plants , fotografie di piante con quelle di pescatori russi avvolti in pezzi di stoffa che sono riconoscibili a malapena. In Perth Amboy, l'artista statunitense Rachel Harrison osserva una forma strana di gestualità umana, fotografando la finestra di una casa del New Jersey dove si supponeva fosse apparsa la madonna. Harrison fotografa i visitatori che poggiano le mani sulla casa nel tentativo di comprendere il fenomeno attraverso il tatto.- Gestu ripetuto incomprensibile ai nostri occhi se non sappiamo la storia. Infine abbiamo il lavoro di Philip DiCorcia , la serie HEADS. Philip istalla dei flash su un'impalcatura edilizia sopra le teste dei pedoni di

una via di New York. Le persone sono inconsapevoli di essere fotografate accettazione da parte del fotografo della spontaneità dell'immagine CAPITOLO 2- C'ERA UNA VOLTA ARTISTI JEFF WALL TABLEAU VIVANT - NARRAZIONE CHE SI SVOLGE IN UN UNICA INQUADRATURA -la fotografia tableau vivant ha come precedente l'arte pre-fotografica e la pittura figurativa del XVIII secololegame tra pittura figurativa e fotografia contemporanea che non è solo un revival - Messa in scena Uno dei principali protagonisti della fotografia di messa in scena è sicuramente JEFF WALL. Ha sviluppato la sua attività artistica alla fine degli anni Settanta. Wall descrive

la sua fotografia come divisa in due aeree- La prima incentrata sull'artificio fotografico,usando l'elaborazione digitale, la seconda invece è la messa in scena di un evento che sembra casuale.Passerby - fotografia in bianco e nero in cui si vede una figura che si volta allontanandosi dalla macchina fotografica - Il muro genera una tensione tra l'aspetto di un momento fotografico rubato e il reale processo dietro la sua realizzazione che prevede la costruzione anticipata della scena. INSOMNIA- Realizzato invece con accorgimenti compositivi simili a quelli della pittura rinascimentale - la scena è ambientata in cucina , dove si trova un uomo disteso per terra- in una stato di irrequietezza appunto di insonnia . La composizione della scena ci fa sospettare che sia

costruita ad hoc. Wall, nelle gallerie espone le sue opere in light box, che, per le loro caratteristiche di spazio e luce danno alle sue fotografie una grande presenza fisica. Poi abbiamo la serie Holliwood di Philip-Lorca-LoCorcia - una serie di ritratti di uomini che Dicorcia ha incontrato ad Holliwood in Santa Monica Boulevard. A questi uomini, Philip chiede di posare per lui e ogni fotografia indica il nome, l'età e il luogo di nascita del soggetto, oltre al motivo per cui si trova in quel luogoDall'analisi delle foto sembra che questi soggetti si trovino in un periodo sfortunato e spinti a essere pagati per l'uso in fotografia dei loro corpi. HEAD ANDERSON;21 YEARS HOLD; HOUSTON, TEXAS ; troviamo un uomo, nudo dalla vita in su,

raffigurato attraverso la vetrina di una tavola calda - Fotografia ambientata al crepuscolo- luce usata nei tableau vivant, diversa dall'illuminazione piatta della ritrattatistica fotografica. Tuttavia è sbagliata l'idea che la serie di diCorcia sia cinematografica - La fotografia tableau vivant non cerca di scimmiottare i film - La fotografia tableau vivant è una miscela tra realtà e finzione. THERESA HUBBARD - E ALEXANDER BIRCHLER (SI LEGGE BERCHLER) fotografie simboliche ma ambigue Costruiscono set , recitano accanto al loro cast di attori selezionati . - In un Untitled posizionano la macchina fotografica come se congiungesse muri e pavimenti creando curiosità e paura di cosa ci sia dietro l'inquadratura - Fusione temporale possibile solo nella fotografia Tableau

Vivant che unisce passato, presente e futuro. SOLILOQUY - dell'artista britannica SAM TAYLOR WOOD,mostra un uomo accasciato su un divano , il braccio destor che pende privo di vita sul pavimento- Riferimento pittorico al dipinto vittoriano LA MORTE DI CHATTERTON , di HENRY WALLIS - Il quadro mostra un poeta diciassettenne caduto in disgrazia morto suicida nel 1770 - Chatterton rappresentava, nella sua epoca , il personaggio idealizzato dell'artista giovane e imcompreso - Taylor Wood rifà un tableau vivant riprendendolo da un periodo della storia dell'arte. Anche la serie dell'artista britannico TOM HUNTER- THOUGHTS OF LIFE AND DEATH , presenta rielaborazione contemporanee di quadri di età vittoriana - THE WAY HOME , ad esempio è un rimando diretto

all'OPHELIA di JOHN EVERETT MILLAIS (rivisitazione dell'amleto di shakespeare) - L'impulso conemporaneo per l'opera di Hunter fu l'annegamento di una giovane donna che soccombe all'acqua tornando a casa da una festa . In questo periodo inoltre si usano macchine fotografiche più grandi riferimento alle forme della fotografia storica. Ad esempio Mat Collishaw in IDEAL BOYS ritrae immagini di ragazzini seminudi sono messi in posa all'interno di ambientazioni contemporanee ma nella maniera pseudo arcaica della fine del 19 secolo - tecnica usata LENTICOLARE, come si usa nelle cartoline per generare una sensazione esagerata della terza dimensione. - L'artsita nigeriano SHONIBARE , realizza invece Diary of a Victorian Dandy che ritrae cinque momenti

della vita quotidiana di un dandy riferimento esplicito a La carriera di un libertino, dipinto di William Hogarth, sul furfante TOM ROCKWELL- Hogarth raffigura 7 episodi della vita dissoluta di Tom. I quadri di Hogarth sono una satira sulla condizione della società di allora . Altri autori usano invece la tecnica del tableau vivant per ricreare scene oniriche - come in Red Room, in cui non è chiaro il luogo in cui si svolge la scena - di SARAH DOBAI - il dramma psicologico è evidente ma è lasciato aperto - La posa delle due figure stese sul divano è complessa - la scomodità della posizione e i due volti coperti rendono la scena ambigua e l'incontro pieno di tensione. SHARON LOCKART- Tira fuori la geometria delle pose delle giocatrici

di pallacanestro isolandone i gesti come in Group4 - AYAKA SANO, la Lockart isola la posa da danzatrice della ragazza così che l'azione della ragazza diventa debole e sembra una posizione interamente voluta dalla fotografa. - Un'altro espediente della fotografia di tableau è quello di creare una sensazione di incertezza e ansia rappresentando le figure con il volto dalla parte opposta dalla nostra quindi voltate da dietro. Come appunto nella serie di Frances Kearney - Five People Thinghink the same thing- In cui sono rappresentati 5 individui impegnati in attività domestiche . I pensieri non sono rilevati . Anche Hannah Starkey fotografa da dietro i suoi personaggisi ha così una drammatizzazione della fotografia. Poi abbiamo le foto di Justine Kurland

- Le scene delle sue fotografie sono i parco giochi per giovani donne dall'aspetto di ninfe - Accenno allo stile di vita degli anni Sessanta del Novecento con l'idea di ritorno alla natura. Sarah Jones- The Guest Room- Si vede una ragazza distesa su un letto Poichè indicato che la ragazza non si trova nella propria stanza il letto diviene il tema della foto - il suo simbolismo è trattato molte volte nella storia dell'arte (come nell'OLYMPIA di Manet). -Bratkov in Italian School , fotografa i bambini in un riformatorio inserendoli in un contesto religioso- questo era l'accordo per ottenere il permesso di fotografarli - Qui riprende i ragazzi in rappresentazioni bibliche. Ne...