Movimientos DE Diseño Contemporaneos 1ªparte PDF

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PRINCIPALES CDEL SIGLO XXESQUEMA Cronología de Tendencias c 2.2. Art & C 2.2. Movimie 2.2. Jugend 2.2. Art Nou 2.2. Deutsch 2.2. Constru 2.2. The Stij 2.2. Bauhau 2.2. Art Decó1. Cronología da las EnseñanzCORRIENTES CULTURALES Y Ae los principales movimientos. culturales en la primera mitad del ...

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PRINCIPALES C CORRIENTES CULTURALES Y A ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX ESQUEMA 1. Cronología de e los principales movimientos. 2. Tendencias culturales en la primera mitad del Siglo XX 2.2.1. Art & C rafts (1850-1914) 2.2.2. Movimie ento estético (1870-1900) 2.2.3. Jugendstil(1880-1910) 2.2.4. Art Nouuveau (1870-1910) herWerkbund(1907-1935) 2.2.5. Deutsch 2.2.6. Constru uctivismo (1917-1931) 2.2.7. The Stijjl (1917-1931) us (1919-1933) 2.2.8. Bauhau 2.2.9.Art Decó ó (1920-1939)

1. Cronología de los principales movimientos

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2.1

Introducción al concepto de Diseño Contemporáneo: sus orígenes y evolución

A lo largo del siglo XX el diseño ha formado una parte importante de la cultura y de la vida cotidiana. Su alcance es amplio e incluye desde objetos tridimensionales (productos) hasta comunicaciones gráficas (carteles, anuncios, etc.) y sistemas integrados de la tecnología de la información en entornos urbanos. Definido como la concepción y la planificación de todos los productos elaborados por el hombre, el diseño se puede considerar un instrumento para mejorar la calidad de vida1. El diseño no puede entenderse sin los contextos sociales, políticos, económicos, culturales y tecnológicos que han permitido su nacimiento y realización. Los origines del diseño se remontan a la Revolución Industrial y a la aparición de la producción mecanizada. Antes los objetos se fabricaban artesanalmente y la concepción y realización de un objeto la llevaba a cabo un creador individual. Con los nuevos procesos de fabricación industrial y la división del trabajo el diseño se separó de la fabricación. Pero entonces el diseño se consideraba tan solo uno de los aspectos interrelacionados de la producción industrial (no tenía valor añadido), no poseía ninguna base intelectual, teórica o filosófica y apenas ejercía impacto o influencia sobre la sociedad o el proceso industrial. El concepto de diseño moderno surgió gracias a los diseñadores reformistas del XIX, en particular gracias a William Morris2 que intentó unir teoría y práctica, aunque su labor no tuvo resultados inmediatos, sus ideas ejercieron un impacto fundamental en el desarrollo del movimiento moderno. No se implanta el diseño moderno hasta principios del siglo XX cuando figuras como Walter Gropius integran la teoría del diseño y la práctica a través de los nuevos medios de producción industrial. En un intento de salvar la distancia entre el idealismo y la realidad comercialGropius y para dar respuesta a la emergente cultura tecnológica fundó en 1919 la Bauhaus para producir un trabajo que unificara preocupaciones intelectuales, prácticas, comerciales y estéticas a través de la actividad artística y el aprovechamiento de nuevas tecnologías. La Bauhaus favoreció nuevos modos de pensar sobre el diseño, sin embargo sólo desarrolló algunas de las ideas para integrar satisfactoriamente la teoría del diseño y el proceso industrial. Estos principios serían desarrollados posteriormente por dos instituciones muy significativas en la unificación de la teoría y práctica del diseño con la industria: Nueva Bauhaus de Chicago3 1

Cfr. CHARLOTTE & PETER FIELL, Design Siglo XX, Taschen, Colonia, 2005, pp 6-7. Fue impulsor del Art & Crafts, Morris perseguía la idea de producción artesanal contrario a la industrialización. Moholy-Nagy fue una figura fundamental en la Bauhaus de Chicago.

2

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(1937) y HochshulefürGestaltung (Ulm, 1953). Estas instituciones realizaron significativas aportaciones a las nuevas ideas sobre la unificación de la teoría y la práctica del diseño en relación con los nuevos métodos industriales de producción. En el siglo XX, los productos, estilos, teorías y filosofías sobre diseño se han vuelto cada vez más dispares debido la complejidad del diseño. En el diseño para la producción industrial la relación entre concepción, planificación y fabricación se ha ido complicando a causa de actividades en las que participan profesionales como fabricantes, investigadores, especialistas en materiales, ingeniero y técnicos de producción. Los objetos de diseño que surgen de este proceso no son el producto de diseñadores individuales sino de un equipo de personas, en el que todos tienen sus propias ideas y actitudes sobre como deben ser las cosas. La pluralidad histórica del diseño en el siglo XX se debe a la variedad de modelos de consumo, de gustos, de tendencias, a los diferentes imperativos morales y comerciales de inventores/diseñadores/fabricantes y al progreso tecnológico de cada país. El diseño no se puede desentender de los contextos sociales, políticos, culturales y tecnológicos que han propiciado su concepción y realización. La economía ha ejercido un impacto significativo en el predominio de objetos que otorgan mayor importancia a la estilística y otras al diseño. La estilística se interesa por el tratamiento de la superficie y la apariencia y el diseño por la resolución de problemas (busca la esencia). En penuria económica prima el diseño (funcionalismo) y en periodos de prosperidad el estilo (antirracionalismo). Cada vez más el interés de las empresas por crear productos competitivos ha favorecido la evolución y variedad del diseño así como las carreras profesionales de los diseñadores. Muchos diseñadores prefieren trabajar fuera de las limitaciones del proceso industrial y realizan trabajos en el ámbito de la expresividad propia. El diseño no es solo un proceso ligado a la producción mecanizada sino un medio para transmitir ideas persuasivas, actitudes y valores sobre como deberían ser las cosas según los objetivos individuales, corporativos o nacionales. ModernMovement Movimiento moderno El movimiento moderno en el diseño nació de una ideología progresista y social a mediados del siglo XIX y de la cruzada moral de algunos reformistas del diseño como Pugin, Ruskin y William Morris que vieron que el estilo victoriano era producto de una sociedad corrompida por la codicia, la decadencia, la opresión y procuraron reformarla a través de un nuevo enfoque del diseño.

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Morris renunció a la producción industrial a favor de la artesanía, pero fue uno de los primeros en trasladar la teoría a la práctica con la producción de objetos cotidianos concebidos, diseñados y fabricados de modo holístico. Sus ideas reformistas: la supremacía de la utilidad, la simplicidad y la adecuación frente a la calidad, la responsabilidad moral de los diseñadores y fabricantes a la hora de producir objetos de calidad, y la teoría de que el diseño podía y debía usarse como herramienta democrática para lograr un cambio social marcaron el desarrollo del movimiento moderno. Se fundaron gremios y talleres artesanales en Inglaterra, Alemania y Estados Unidos que eran más receptivos con la producción industrial. Con el tiempo fue ganando adeptos la idea de que las máquinas eran un medio para llegar a un fin y que para que la reforma llegara a todas partes debía adoptarse el proceso industrial. La fundación del DeutscherWerbund en 1907 se considera el momento en que la ideología reformista quedó vinculada a la producción industrial. Los miembros de este movimiento desarrollaron un nuevo enfoque del diseño muy racional que eliminaba la ornamentación y enfatizaba el funcionalismo. Con la erradicación de la decoración externa superflua, los elementos ganaban en sencillez y se lograba una mayor estandarización y eficacia en cuanto a producción y materiales. El ahorro beneficiaba al usuario y al fabricante porque aumentaba la calidad de la construcción y de los materiales. La purificación estética aportó un lenguaje ajeno a la moda. La publicación de Adolf Loos, “Ornamento y delito” de 1908 vinculaba los excesos decorativos a la degradación de la sociedad mientras que la publicación del Werkbund Forma sin ornamento ilustraba y expresaba las virtudes de los diseños sencillos y racionales para la producción industrial. Esta purga de la ornamentación fue promovida por De Stijl mientras que el constructivismo y el futurismo celebraban el triunfo de las máquinas y del arte de la producción. Tras la devastación de la II GM algunos diseñadores como Gropius reconocieron el imperativo moral de la modernidad. Fue director de la Bauhaus, fundada en 1919 para aportar unidad a las artes y poner en práctica los ideales reformistas de los precursores del movimiento moderno. La Bauhaus, institución de diseño más importante del siglo XX, tuvo un impacto enorme en la evolución del movimiento moderno gracias a su apuesta por el funcionalismo, los métodos industriales de producción y los materiales de última innovación como el metal tubular.

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La eficacia funcionalista de los interiores, el mobiliario, los objetos de metal, la cerámica y los gráficos de la Bauhaus condujeron a un vocabulario coherente del diseño que se convirtió en sinónimo de modernidad. El término alemán Sachlinckeit describía ese nuevo enfoque racional del diseño. Sin embargo en 1927 en la exposición celebrada en Stuttgart se observó la consagración del estilo internacional de modernidad caracterizado por el minimalismo, el industrialismo y el uso de formas rectas. Le Corbusier jugó un papel calve en la promoción de esta estética basada en las máquinas, aunque sus diseños eran menos utilitarios que los de la Bauhaus. El movimiento moderno parecía haber perdido sus vínculos morales hasta que fue adoptado por los diseñadores escandinavos Alvar Aalto que lideraron una forma humanizadora de modernidad mediante el diseño orgánico. Esta obra fue bien acogida en Inglaterra y en EEUU e inspiró a las nuevas generaciones del movimiento como Charles y Ray Eames, a la hora de perpetuar un enfoque holístico y orgánico del diseño. Funcionalismo Se caracteriza por dar más importancia a la arquitectura y al diseño que al estilo y por tratar de afrontar los problemas prácticos de forma lógica y eficaz. Los orígenes del funcionalismo se remontan a las teorías del arquitecto romano del siglo I a.C. Vitruvius, que se basaban a su vez en la tradición helenística. Desde entonces el enfoque clásico o funcional en la arquitectura ha resurgido en numerosas ocasiones a lo largo de la historia: durante el Renacimiento, en los siglos XV y XVI, en el siglo XVIII, de la mano de los arquitectos neoclásicos, y en el siglo XIX gracias a la personalidad de Semper y Viollet-le-Duc. Morris y Pugin abogaron por un enfoque funcional del diseño, lo que condujo a la fabricación de productos utilitarios pero quién formuló la teoría del funcionalismo fue Sullivan que acuño la expresión “la forma sigue a la función” en 1896. Estos precursores del funcionalismo promovieron una metodología que tuviera en cuenta la cultura, el entorno específico de la región en que se creaba cada edificio. Sin embargo durante la primera mitad del siglo XX, los diseñadores del movimiento moderno combinaron el funcionalismo con racionalismo en busca de soluciones más universales que nacionales. La Bauhaus se basaba en eso y diseñadores como Van derRohe y Le Corbusier experimentaron con materiales como el acero, el cristal, o los metales tubulares con el fin de crear muebles y edificios funcionales. Sin embargo, muchos no sólo se decantaron por el uso de nuevos materiales sino por su moderna estética basada en las máquinas. En la década de los treinta la estética funcionalista gozaba de gran aceptación y presagiaba el estilo internacional. En los 70 se cuestionó la moralidad del funcionalismo por los grupos antidiseño, lo que provocó el surgimiento del posmodernismo.

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2.2. Tendencias culturales en la primera mitad del Siglo XX 2.2.1. Arts & Crafts (1850-1914) Los diseñadores de mediados del siglo XIX horrorizados por las consecuencias medioambientales y sociales de la industrialización y por la multiplicidad de productos industriales muy decorados y de baja calidad, lideraron una cruzada defendiendo un enfoque más simple del diseño y de la industria, desconfiaban de la producción industrial, a la cual achacaban de convertir a los buenos artesanos en “esclavos del sueldo” todo ello favoreció la recuperación de la artesanía tradicional a través del diseño y la ejecución de objetos de gran calidad que además de útiles eran bonitos. Este movimiento estuvo influido en una primera fasepor la Hermandad Prerrafaelista (Rossetti (1828-82), Burne-Jones (1833-98) y Brown (1821-93)) y por el estilo Gótico tardío practicado por el arquitecto George Edmund Street. También fueron muy influyentes las ideas reformistas de August Pugin y Jonh Ruskin mientras que Morris4fue uno de los primeros en llevar a la práctica sus teorías con la creación en 1861 de Morris, Marshall & Faulker & Co (Morris & Co) Los productos de esta institución no se fabricaban con métodos de producción mecanizados sino que abogaban por la simplicidad (más artesanal) inherente a lo vernáculo y la honestidad de la artesanía. En una sociedad cada vez más capitalista, Morris fue un socialista comprometido que poseía una visión utópica en la que la artesanía ofrecía la salvación moral de trabajadores y consumidores. Pretendía promover la democracia y la cohesión social a través de la artesanía. Lo que más le preocupaba era la compartimentación del proceso industrial, porque en su opinión, la división del trabajo minaba el bienestar social de los trabajadores y debilitaba el arte en general. Morris solo aceptaba la mecanización si ofrecía objetos de calidad y reducía la carga de los trabajadores en vez de incrementar su productividad. La paradoja era que los artículos artesanales de Morris eran más caros de producir y sólo podían ser adquiridos por los miembros más ricos de la sociedad. Inspirándose en la defensa que Morris y Ruskin hacían de la moralidad en el diseño y en su creencia en la importancia social de la artesanía y la colectividad, los diseñadores de la segunda fase del Art & Crafts, Lethaby, Arthur Mackmurdo y Ashbee fundaron organizaciones como The Century Guild (1882), St George´s Art Society (1883) y el Gremio de Artistas (1884) para producir diseños de objeto reformista. El término “Arts&Crafts” no se acuñó hasta 1888 cuando los miembros del Gremio de Artistas formaron la Arts&Crafts Exhibition Society. Algunos diseñadores llegaron a la conclusión de que sería imposible realizar productos asequibles y bien diseñados sin la mecanización.

William Morris, fundador del Art & Crafts

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Ashebee fundó el Gremio de Artesanos en 1888, un gremio que fue incluso más lejos al acusar a Morris de “ludismo intelectual” por su preocupación por el pasado y por rechazar frontalmente a la producción industrial. Fue precisamente Ashbee quién se acercó al ideal rural del movimiento al trasladar el Gremio de Artesanos a Chipping Campden en 1902. En ese momento se establecieron relaciones con los Costwolds a través de Gimson y Barnsley que trabajaban en Pinbury en la década de los 90. A partir de 1910, Rusell diseñó muebles en Broadway al estilo Arts&Crafts aunque en 1926 su producción se mecanizó en un intento de reconciliar la calidad y accesibilidad. Russell supervisó la producción de mobiliario utilitario por lo que la ética subyacente en el movimiento fue fundamental para el desarrollo del programa subvencionado por el Estado. Russell

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Ashbee

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Las empresas Liberty & Co y Heal & Sons fueron esenciales en la promoción del movimiento puesto que habían creado estudios de diseño y comercializaban muebles y objetos de metal. La segunda fase del movimiento (denominada Nuevo Arte) puede considerarse el equivalente británico al estilo Art Nouveau continental y fue muy popular hasta el inicio de la I Guerra Mundial. Las virtudes de simplicidad, utilidad y adecuación que promovió el movimiento y su propuesta de que el diseño podía ser usado como instrumento democrático para el cambio social

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tuvieron una gran influencia en los pioneros del movimiento moderno. A lo largo del siglo XX, el lenguaje Arts&Crafts ha sobrevivido en la obra de los diseñadores vinculados al Craft Revival.

Charles Voysey

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William de Morgan

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Arts&CraftsMovement Muchos diseñadores norteamericanos se inspiraron en los ideales del movimiento Art&Crafts británico y en su manifestación práctica de que el estilo nacional podía propagarse a través de la adopción de formas vernáculas tradicionales. La defensa de Williman Morris y Charles R. Ashbee de las comunidades artísticas rurales ganó adeptos en diseñadores americanos como Gustav Stickley, Charles P. Limbert y Elbert G. Hubbard que buscaban distanciarse de la creciente industrialización del país. En 1898 Gustav Stickley visitó Europa, donde conoció a Charles R. Ashbee y Charles Voysey, entre otros. A su regreso, fundó su estudio en Syracuse (Nueva York) y desde 1901 empezó a publicar en la influyente revista TheCraftsman. Mientras su mobiliario rústico se centraba en las formas vernáculas de la época de los pioneros, defendía la honestidad y la simplicidad en el diseño y pensaba que la “decadencia era el resultado natural del refinamiento excesivo”. Los diseños de Arts&Crafts americano eran en general menos complicados de producir y estaban menos decorados que sus equivalentes británicos, ya que lo que atraía a los diseñadores estadounidenses eran los aspectos sociales y democráticos del movimiento más que su preocupación por la artesanía:

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El arquitecto Price se sentía tan próximo a la novela de Morris que en 1901 fundó la comunidad Rose Valley en Moylanintentando llevar a la práctica el ideal de Art&Crafts a una comunidad rural socialmente cohesionada en la que sus miembros buscaban la “felicidad a través del trabajo” y pretendían abolir la injusticia social. Las libertades sociales ofrecidas por el movimiento también atraían a muchas mujeres, ya que defendía la emancipación a través de la igualdad de sexos y la educación de la mujer. Sin embargo estas comunidades tuvieron una vida corta a causa de las dificultades inherentes al intentar reconciliar la artesanía de alta calidad con la asequibilidad. Destaca la comunidad de Roycrofters, fundada por Hubbard por su éxito comercial. En 1906 estos talleres tenían más de 400 artesanos y un hostal para turistas y consumidores potenciales. En California los arquitectos y diseñadores partidarios del movimiento se inspiraron en la herencia hispano-mejicana, en el arte japonés y en el estilo de las misiones. Henry Greene combinaban ambos estilos en sus proyectos residenciales para clase alta. Frank Lloyd Wright el arquitecto y diseñador más notable del estilo Arts&Crafts, sintetizaba las influencias orientales y occidentales. Sus edificios se fundían en el entorno natural gracias a la combinación de un estilo arquitectónico inspirado en la Escuela de Prairie y su gran maestría en la utilización de materiales naturales. El pionero diseño orgánico de Wright hizo de puente entre el movimiento Arts&Crafts y el movimiento moderno, e influyó a los diseñadores posteriores tanto en América como en Europa.

2.2.2. Movimiento estético (1870-1900) Aesthetic Movement El movimiento estético derivó de un movimiento anterior en Gran Bretaña que combinaba el interés por los estilos góticos y Reina Ana: que adoptaban influencias orientales para crear un estilo híbrido anglo-oriental. Inspirándose en los grabados japoneses así como en los objetos orientales y de Oriente Medio importados por compañías como Liberty & Co., los diseñadores del movimiento estético, como E.W. Godwin y Christofer Dresser, p...