Parte 7 LOS Nuevos Medios DE Expresión PDF

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Resumen del manual oficial con imágenes de todo el contenido e info extra....

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PARTE 7: LOS NUEVOS MEDIOS DE EXPRESIÓN

  TEMA 13: ARTE SIGLOS XX Y XXI  Actualmente, los artistas han superado las antiguas clasificaciones impuestas por el sistema de las Bellas Artes y las Academias. Hay convicción por el arte, se han superado las barreras que separaban géneros y ha triunfado el conceptualismo como base de cualquier actividad artística. Las vanguardias del XX comienzan un proceso de demolición y superación de los conceptos tradicionales e históricos del arte, así como sus formas de expresión y materialización, que hacen que hoy sea muy difícil categorizar muchas propuestas. Ahora vicios ante la supremacía de la estetización y la imagen icónica del arte, devaluando otros valores como contexto y, a veces, culturales.  Hay que superar las antiguas delimitaciones y dejar entrar nuevas formas de categorizar y entender la nueva realidad artística. Han pasado apenas cien años desde que Picasso incorporó un trozo de rejilla a una silla y un trozo de periodico a sus primeros collages cubistas y pocos menos desde que Duchamp expuso el famosos urinario. Dos gestos que cuestionan el significado tradicional del arte y la belleza, con una clara superación de los estilos que la Historia del Arte había fijado en las décadas anteriores.  La historia del Arte crea una exitosa categorización en el tránsito del XIX al XX que a día de hoy es difícil derribar. Tras la revoluciones de los sesenta, políticas, culturales, sociales, sexuales y artísticas, este cambio de paradigma tuvo una segunda implosión. Parecía imposible una vuelta atrás hasta que llegó la crisis del 2007 y deja al mundo en un lugar desconocido. Los valores de belleza y emoción estética alabados anteriormente y glorificados por historiadores, crítica y museos nacionales, en la actualidad, tras los procesos de incertidumbre que vicios, mostrará heridas y un cambio.  En esta última parte del libro nos acercamos al arte desde una perspectiva general y poco sistemática, buscando la comprensión global de la transformación del fondo y forma del arte del siglo XX. Algo así como un glosario básico con ideas que sirvan de andamios o atlas, como los que le gustaban a Aby Warburg, este de 1924-1929,, para entender de forma genérica el panorama del arte en el siglo XX y XXI.  

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  1. Nuevos materiales y formatos en la escultura y artes plásticas  Collage  Aparece en las vanguardias históricas de principios del XX. Picasso, en 1912, presenta su obra Naturaleza  muerta con silla de rejilla, incorporando un pequeño trozo de objeto de la vida real en la ilusión artística. Picasso ya había hecho pruebas al incorporar los hallazgos del cubismo pictórico a sus esculturas, rompiendo con el naturalismo y la tradición académica, como hicieron los postimpresionistas con el color.  Ahora podemos decir que los siguientes collage de Picasso y de los artistas vanguardistas, principalmente y en primer lugar los cubistas, con solo un pequeño gesto en el que el objeto incorporado sustituye a su figura pictórica, sin modificar el significado de la obra. Esto supone una reinauguración de un género clásico, naturalezas muertas, en clave moderna. Décadas después, artistas como George Segal con su Still  Life with fruit, bottle and knife de 1983, reinterpreta el collage y las naturalezas muertas, dando a las piezas más amplitud semánticas. 

  Picasso da un paso más allá con el collage llevándolo al terreno de la escultura, como observamos en su serie Guitarras iniciada en 1912. Ya no utilizan los materiales llamados nobles, iniciando una etapa de redefinición de lo bello y la experiencia estética, etapa que está influida por las máscaras africanas que tanto valoraban los artistas de vanguardia y tanto influyen en la obra de Picasso que da pie al cubismo. Este nuevo arte objeto, como la Niña  jugando a la comba de 1950, del que aún no entendemos su significado, no se considera arte conceptual, que se entenderá mejor ya tras los años sesenta, y está creado como un collage, con materiales pobres y baratos, chapas metálicas, cuerdas y alambres, lejos de los usados tradicionalmente. Se reivindica el valor de otros materiales, rompiendo los cánones anteriores y sentando bases para el arte del futuro. La marginación que vive la vanguardia permite su experimentación, lejos de los círculos del poder.

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Objet trouvé  Objetos encontrados. D  escribe el a  rte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque no cumplen una función artística en lo cotidiano, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. El dadaísmo, movimiento precursor del surrealismo, agrupa a artistas que sienten que su obra se rige por unos principios similares: el azar, el juego y la provocación. Esta actitud nihilista no es contraria a la investigación o análisis. Estas bases intelectuales están ya presentes en la fundación del movimiento en el Cabaret Voltaire de Zurich en 1916 y su posible extinción, o transformación, se da, posiblemente, diez años después con la publicación en París del Primer manifiesto del surrealismo de André Breton. Se entiende que la técnica de la obra está subordinada al mensaje y no a las tradiciones académicas, por esto el dadaísmo recurre a la pintura. Estos objetos encontrados simbolizan muy bien el espíritu del movimiento y su afán por superar y transgredir las normas creativas y sociales.

Regalo, de Man Ray. 1921. Es una plancha antigua con clavos pegados en su base. Cualquier cosa que se intente planchar se va a rasgar. Es una obra dada y surrealista que sale de la lógica y lo convencional. Representa una liberación. / Cabeza mecánica, el espíritu de nuestro tiempo. Raoul Hausmann. 1920. Una crítica muy explícita. Los humanos estamos vacíos y tenemos clavados en la cabeza lo que nos enseñan a martillazos. Una crítica a un mundo mecanizado. El dadaísmo de este artista tiene mucho de social, .

Merzbild Kijkduin de Kurt Schwitters.1923. Convierte en elementos artísticos restos encontrados en la playa, rompiendo convenciones artísticas / Parada amorosa de Francis Picabia 1917. Representa máquinas reales generando mecanismos imposibles.

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Ready made La aportación de Marcel Duchamp no tiene parangón en las vanguardias, su capacidad creativa se ha entendido incluso mejor con trabajos surgido después de los 60. Tiene capacidad de ir más allá, sobrepasando los límites del arte, lo que le convierte en un referente para los artistas rupturistas de la modernidad y postmodernidad. Su década genial, de 1910 a 1920, nos deja una serie de piezas escultóricas basadas en objetos cotidianos encontrados, mutilados o ensamblados, que cuestionan la base de lo que durante siglos se consideró arte. Estas piezas, objetos que cambian de significado por la gracia del artista, son los que inauguran el género de los ready-made, transformando su primera utilidad en una obra de arte por un efecto de descontextualización, una técnica básica hoy, especialmente en piezas conceptuales. Es el propio artista el que selecciona un objeto y lo eleva a categoría del arte. La Rueda de bicicleta , de 1912, es una rueda expuesta en un taburete de cocina que incorpora el movimiento en su obra en la misma rueda, algo más aleatorio pero efectivo si lo comparamos con las indagaciones de movimiento del lienzo que harían los futuristas italianos. En el Portabotellas, de 1914,  hay una exaltación de la belleza del objeto industrial. Sin duda, la obra de Duchamp más relevante, pocas veces superada en la primera mitad del XX, fue Fuente  en 1917, un urinario reconvertido con su firma, un pseudónimo, pieza de exposición rechazada por algunos de sus amigos de la vanguardia. Su obra, junto a la de Picasso, configuran un punto de inflexión del arte con una línea de no retorno. Se juega con esa idea de que es el creador el que dota de gracia artística a su obra, como Piero Manzoni con su “mierda de artista” o “huevos de artista”, una performance que realizó en 1960 sobre la Consumición del arte. El artista ofrecía huevos duros firmados que se consumían en el lugar.

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Móviles La escultura también vive una renovación con las vanguardias con la incorporación por parte de los artistas de objetos, movimiento y una nueva capacidad dialéctica que va más allá de la tradición. Los móviles de Alexander Calder son ejemplo de esto, con cierta conexión con el surrealismo y la abstracción crea esculturas que tienen la capacidad de alterar su visión según el momento del día y el espacio en el que se instalen (esto se conoce como intervenciones y se explota muchísimo). La conexión de Calder con el surrealismo se hizo patente cuando, junto a Joan Miró, Calder expuso su Fuente de Mercurio en el Pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937, con el Gobierno de la República y frente al Guernica de Picasso.

Empennage, 1953.

Ensamblaje o assemblage

En pleno apogeo del expresionismo abstracto norteamericano, los ensamblajes eran la herencia tridimensional del collage. En 1961, se organiza la muestra The Art of Assemblage en el MoMA mostrando el trabajo de artistas europeos como George Braque, Jean Dubuffet, Duchamp, Picasso, Man Ray y Kurt Schwitters, junto a americanos como Robert Rauschenberg. El MoMA define al ensamblaje como el arte de realizar creaciones a partir de materiales naturales, objetos o fragmentos provistos de calidad artística que, al ser incorporados al proceso artístico, se convierten en obras de arte. Son objetos que no fueron diseñados con fines estéticos y que los artistas redescubren, incorporándolos a sus obras y transformándolos. Podemos incluir en este momento la compleja pieza de Marcel Duchamp, El gran vidrio, s e inicia en 1913 y se rehace o completa en las décadas siguientes. Está formada por un virio en el que el artista añade cosas durante el paso de los años: pintura al óleo, hilos de plomo, papel, el propio polvo que se posó con el paso de os años e incluso la rotura al azar de la pieza conforman una obra que habla del sexo y

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las relaciones. Por eso también se llama La casada desnudada por sus solteros. Destaca de aquella exposición que, entre todos los consagrados, aparece el joven Robert Rauschenberg, que posteriormente se relaciona con la formación del Pop Art. sus ensamblados son piezas próximas a los trabajos de Schwitters, usando objetos, pintura, dibujos, collages y fotografías, mezclando objetos reales con el mundo ficticio. Su obra acerca el trabajo del artista al espacio del espectador, parece que se inserta en la realidad. Su obra, junto a la de Jasper Johns, surge en mitad de la crisis del expresionismo abstracto de finales de los 50, cuando lo que se suponía como personal e irrepetible se convierte en reconocible y repetitivo.

El gran vidrio de Marcel Duchamp, 1913-1936. Museo de Arte de Filadelfia / Monogram de Robert Rauschenberg, 1955-59.

Manifiesto artístico Aunque existen antes de la época de vanguardias, ésta va ligada a los manifiestos artísticos, declaraciones públicas de intenciones de grupos artísticos que se convierten en programas e incluso medios de expresión, mostrando que las vanguardias van más allá de la reformulación artística y se basan en premisas teóricas y culturales y, a veces, políticas y sociales. El manifiesto tiene un doble objetivo:definir el paradigma a seguir por el grupo definiendo los valores estéticos que se persiguen y criticar los aspectos artísticos o vitales que vayan en contra de este paradigma. En muchas ocasiones, por su diseño, los propios manifiestos son considerados piezas artísticas que representan la teoría expuesta. Los principales manifiestos se suceden en el primer cuarto del XX y tienen como característica común que abarcan más allá de las artes plásticas y que, por lo general, tienen que ver con otras formas de expresión, en especial la literatura, como ocurre con el Manifiesto Futurista, el primero, de 1908, liderado por el italiano Filippo Tommaso Marinetti, publicado en Le Figaro en 1909. Está basado en su elogio al movimiento, la exaltación de la lucha y la violencia, destacando la belleza de las nuevas creaciones de la vida moderna: automóviles, máquinas, luz eléctrica….

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El cubismo estuvo manifiesto, aunque más cercano al literario, de la mano del poeta Guillerme Apolinaire en 1913, que defiende una poesía cubista, de uniones sin argumentos y sin historia. El Manifiesto del Dadaísmo, redactado por Tristan Tzara y fundado en Zurich en 1916, habla de la destrucción de todas las convenciones respecto al arte, creando el antiarte o la rebelión contra el orden establecido, algo que pondrá en cuestión al propio movimiento. Al Dadaísmo le continua el Surrealismo, nacido en Francia en 1924 de la mano de los poetas André Bretón y Louis Aragon, entre otros. Bretón publica su manifiesto y se convierte en el líder de un grupo que cree que la creación es producto del mundo onírico, de los sueños, seguidores de las teorías de Sigmund Freud sobre el subconsciente. 2. La naturaleza y la ciudad pasan al marco del artista  Movimiento moderno  Como las artes plásticas, la arquitectura vive un proceso de transformación tanto en las formas, con los nuevos materiales como hierro, vidrio y hormigón; como el propio concepto de arquitectura. Es importante la nueva imbricación de la arquitectura en el campo más amplio del urbanismo, las ciudades del siglo XX.  Si comparamos la arquitectura con las artes visuales y, a excepción de la Bauhaus  , solo hubo un gran movimiento a principios del siglo, el que se define como Movimiento Moderno, nombre que surge de la exposición de arquitectura contemporánea desarrollada en el MoMA en 1932, bajo el título Estilo Internacional, comisariada por Philip Johnson. Como ocurre con las vanguardias artísticas, las formas tienen un valor secundario frente a la proclamación de los ideales teóricos. Los principios de la modernidad los recoge Le Corbusier en 1926 en su famoso manifiesto L  os cinco

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puntos de una nueva arquitectura, donde describe la arquitectura moderna y que recoge los valores de los arquitectos protagonistas de este primer período de arquitectura moderna: el propio Le Corbusier, Mies van der Rohe o Frank LLoyd Wright.  Estos principios también se trasladan al urbanismo en forma de la llamada Carta de Atenas de 1933, manifiesto de la ciudad moderna y consagrada el funcionalismo y la zonificación urbana y que surge de los CIAM,impulsados y animados por Le Corbusier desde su fundación en 1928. Los CIAM reúnen a los principales arquitectos que apostaban por la modernidad en el periodo de entreguerras y que dio lugar a algunas de las principales propuestas teóricas y de investigación de la arquitectura y la ciudad que son hoy un referente. Estructura DOM-INO de Le Corbusier. 1915. Situacionismo Surge en Francia, liderado por Guy Debord, un movimiento que critica el desarrollo capitalista y liberal de la ciudad moderna. Debord era un outsider, en un grupo más bien nihilista. En 1957 funda la Internacional Situacionista, y escribe, una década después, su importante trabajo La sociedad del espectáculo , donde recupera principios marxistas criticando la sociedad del consumo que abrazaba el estilo de vida americano.Finalmente el camino de la arquitectura y el urbanismo llevío a la humanidad a la creación de gigantes megápolis en pocas décadas, con edificios colosales y rascacielos.

Mapa de una psicogeografía de la Internacional Situacionista. Representación de la vida en la ciudad con actitud inconformista con la experiencia urbana. Se ponen en valor conceptos como el paseo, lo cotidiano, el vagabundeo, sorpresa, juego y lo espontáneo frente al deambular de los laberintos urbanos.

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La producción del espacio Una obra de carácter científico escrita en 1974 por el filósofo y sociólogo Henri Lefebvre y hoy rescatada para entender el devenir de la ciudad y el urbanismo actual. Como debord, trabaja desde un análisis crítico del pensamiento marxista los problemas de la ciudad contemporánea, presentando a la ciudad como el corazón de la insurrección estética contra lo cotidiano, pretendiendo reconciliar el espacio mental de los filósofos con el espacio real donde vivimos. Land art En los 60, la revolución del arte es imparable. Los espacios tradicionales de representación se quedan demasiado pequeños para el vasto campo en el que ha entrado el arte contemporáneo. En un corto espacio de tiempo entra al discurso del artista, de manera física y literal, la naturaleza y el propio cuerpo humano. En el caso de la naturaleza, son los artistas del movimiento conocido como Land Art (que no se sentían cómodos con esta etiqueta) quienes usan el espacio natural como materia de la propia obra, alterando y modificando el paisaje, llegando a producir obras monumentales. Son intervenciones difíciles de ver para el público y es, generalmente, el artista el que documenta el proceso. La mayoría de aportaciones del Land At proviene de Estados Unidos, como Spiral Jetty en el Gran Lago Salado de Utah de Robert Smithson, en 1970; o los Campos de relámpagos de Walter de María en el desierto de Nuevo México. Hay que contextualizar estas piezas dentro del despertar de la conciencia ecológica y de la huida de la megaciudad contaminante. Conllevan una admiración y respeto por la naturaleza, buscando casi experiencias de lo sublime. Los Observatorios de Robert Morris parecen construcciones neolíticas vinculadas a lo cósmico, o las intervenciones de Richard Long tras una serie de viajes a pie, con huellas efímeras, que se adaptan a la naturaleza. Justo lo contrario tenemos la creación de una obra realizada durante décadas por Christo y Jean Claude, con The Floating Piers, un gran muelle recubierto de tela naranja que permite recorrer un lago italiano, el Ieso, como si fuese un camino sobre el agua. Arte y ecología Décadas después del Land Art, se piensa sobre el impacto ético y estético de estas intervenciones en la naturaleza, imponiendo una vez más la cultura humana. Algunas de las creaciones de Land Art serían hoy polémicas, como ocurrió con el proyecto de Chillida de vaciar el interior de la montaña canaria de Tindaya. Las intervenciones actuales que trabajan en la naturaleza tienen un carácter mayoritariamente reivindicativo y ecológico, más que abrir la tierra se busca mostrar las heridas hechas por el hombre para crear una toma de conciencia. En el 2008, la artista española Lara Almarcegui fue invitada para participar en la Exposición Universal de Zaragoza con una intervención cercana al espacio del evento. Hizo una no intervención, lo que tiene una lectura crítica, provocando en el espectador una toma de conciencia del entorno.

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Paisaje cultural Es el resultado de la interacción en el tiempo de las personas y el medio natural, cuya expresión es un territorio percibido y valorado por sus cualidades culturales, producto de un proceso y soporte de la identidad de una comunidad. El paisaje cultural es una realidad dinámica y compleja. Dinámico porque es el resultado de los procesos que se producen a lo largo de tiempo en un territorio y complejo porque lo integran componentes materiales y culturales, materiales e inmateriales, tangibles e intangibles. Su complejidad exige que haya mecanismos apropiados para la identificación, protección y gestión del territorio con instrumentos legales promovidos por las administraciones. En el año 2000 se firma en Florencia el convenio Europeo de Paisaje, poco antes, en el 1992, la UNESCO a través de su Convención del Patrimonio Mundial establece el primer instrumento legal para proteger e...