Pintura y Artes suntuarias GÓTICO PDF

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Profesora: Teijeira...

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SIGLO XII-XIII Durante el siglo XIII hay dos corrientes de pintura predominantes en Europa:

PINTURA Foco franco-anglosajón ●

En el caso francés va a depender, sobretodo, de la escuela de París que va a realizar importantes pinturas sobre tabla, sobre muebles ● En el caso inglés tendrán suma importancia las miniaturas Esta primera tendencia se caracteriza por ser una pintura muy plana con poco volumen (las figuras no son más que simples siluetas sobre un fondo plano), con figuras frontales y estereotipadas (con rostros similares > no hay intención de retrato pero sí se intentan diferenciar las distintas tipologías humanas con atuendos o características faciales como la barba y la expresión), fondos sin paisajes y monocromos. En esta pintura tienen importancia la caras y las manos (muy alargadas, dedos curvados > importancia de los gestos). Por ejemplo el obispo con ese gesto imparte autoridad. Colores planos con poca profundidad (se simulan plegados con colores más oscuros), muy tipificados y vivos. Pintura muy convencional con las figuras notablemente delineadas con una gruesa negra marcando las siluetas y contornos pero que intenta poco a poco conseguir una expresión, cierto movimiento y naturalismo En el caso español son muy famosas las pinturas de la Capilla de San Martín de la Catedral de Salamanca realizadas en 1262 (se sabe por las inscripciones) y atribuidas a Antón

Sánchez de Segovia (se le atribuye el encargo no la obra artísticamente). El autor artístico se ha identificado como Peter of Spain. Figuras y fondos planos y simples, masas de un solo color, figuras silueteadas en negro, con algunos juegos de claroscuros en los plegados, los mechones del cabello o rasgos faciales. Por influencias centroeuropeas las figuras tienen actitudes y posiciones muy relacionadas con la escultura cortesana y aristocrática de carácter más animado y dinámico para reducir el excesivo convencionalismo de la planitud. París tuvo una escuela de pintura muy importante sobretodo en el ámbito del miniatura, además la primera Universidad se encontraba también allí. Por ello se desarrolló enormemente la industria del libro

Pinturas de Sta Clara de Toro de finales del XIII. Fondos y colores planos, trabajo con colores más oscuros para conseguir cierto volumen, figuras desproporcionadas Las pinturas suelen estar enmarcadas y contener una inscripción a modo de explanatio

Las pinturas de la conquista de Mallorca procedentes de un palacio de Barcelona Estas escenas, de carácter narrativo, mostraban la conquista de Mallorca a los musulmanes, en sus diferentes fases y batallas, con el campamento regio con el monarca y sus caballeros. Aquí empiezan a aparecer los paisajes para situar las escenas. Aún así siguen apareciendo convencionalismos como la falta de perspectiva, los colores planos, desproporción, jerarquía de tamaño. En la parte superior de la pintura se encuentra en inscripciones en caligrafía cúfica, musulmana, vinculadas a identificar al enemigo musulmán (apropiarse de los símbolos del enemigo recalca la victoria sobre éstos)

Lo que más se ha conservado es el arte religioso pero no significa que fuese el que más se hiciera ni el más importante. También se desarrolla una pintura de calidad, en dimensiones desconocidas por la escasez de piezas conservadas, la pintura profana de los edificios civiles como castillos y palacios de monarquía y nobleza o lugares de poder civil públicos como los ayuntamientos. Es una pintura más espontánea y menos rígida que la religiosa

Foco italiano Con diferentes características. La pintura románica italiana se relaciona con el mundo bizantino por las influencias, cercanía geográfica y las relaciones comerciales y políticas entre las dos zonas. Esa influencia se sigue manteniendo en este primer siglo del gótico con pintores realmente importantes como Cimabue, de carácter religioso que pintan obras como Vírgenes entronizadas con el niño y crucificados, muy típicos de este tipo de pintura. Tiene clarísimas referencias bizantinas en las formas: la postura del crucificado, la expresión más buscada de los rostros, la presencia de la Virgen con los fondos dorados, propios de la iconografía bizantina, pero buscando mayor naturalidad, mayor relación entre el niño y la madre, la gran delicadeza de los rostros.

MINIATURA Biblia de San Luis Hay multitud de obras producidas en el entorno europeo por una parte en torno al foco parisino y francés, tanto libros manuscritos para las universidades, y libros religiosos hechos en los scriptoria  de catedrales y monasterios. Las Biblias de San Luis del XIII (la hoja de la imagen se conserva en la Catedral de Toledo separada del resto del libro) son famosas por ser ejemplares de máxima riqueza: fondos de oro y colores ricos como el azul de ultramar (hecho con lapislázuli). Fueron encargadas directamente por San Luis o por su madre Blanca de Castilla, representados arriba (a la derecha e izquierda respectivamente), quien fue una mujer que tuvo una presencia importante en la corte francesa por ser

regente durante gran parte de su vida y porque su hijo se apoyó muchísimo en ella. Ahí se la ve guiando a su hijo en el gobierno de la nación. En la parte inferior el religioso con su libro está indicando al escribano y miniaturista como componer el libro e ilustrarlo (aunque hay un artista o varios también como autores o están detrás a quién encarga la obra y a quién indica cómo debe hacerse para adecuarse a la ortodoxia religiosa). Desde el punto de vista formal recuerda a las pinturas de tendencia franco-inglesa pero con una calidad excepcional en el trabajo de las telas, el detalle de los rostros, el pelo, las posturas de los personajes más vivas y dinámicas, etc..

Golden Haggadah El arte judío se realizó simultáneamente al musulmán y al cristiano pero se conoce menos por, entre otras cosas, ser un pueblo que se movió mucho (se llevaban sus obras consigo) y sus obras más permanentes, como las sinagogas, han tendido a desaparecer con la desaparición y expulsión de los judíos de los países europeos. Las obras que hacen fueron muy importantes en época gótica como los libros ilustrados denominados los Haggadot (plural) o Haggadah (singular) que cuentan la Pascua judía con carácter didáctico: explican los episodios de esta fiesta y rememoran el momento en que Dios sacó a los israelitas de Egipto (el pueblo elegido). La Golden Haggadah, de procedencia española, es de las más conocidas y de gran riqueza con fondos de oro que determinan la situación de estas escenas en un marco atemporal y hagiográfico,tienen una referencia sagrada pero no específicamente geográfica, han sido trabajados con formas romboidales de carácter decorativo y figuras que siendo planas intentan detallar más los rasgos formales pretendiendo mostrar de manera gráfica una representación más naturalista como el modelado, el claroscuro y las tonalidades de los colores pero dentro de la planitud y de silueteado general que caracteriza a la pintura del siglo XII. Algunas de las escenas al desarrollarse en exteriores se muestra el tímido intento de paisaje para indicar donde transcurre la escena (ocurre en el campo > se encuentran animales, rocas, árboles, pastores)

Cantigas En España la miniatura del Xlll tendrá una gran importancia y calidad porque el Rey Alfonso X, entre otros monarcas, dio una gran importancia al saber. De las muchas obras que escribió y cuya ilustración promovió las Cantigas, en el que recopila una serie de milagros, leyendas y tradiciones previas sobre la Virgen, son las más destacables. Cada una de ellas está acompañada

por viñetas con el texto correspondiente. Volvemos encontrar personajes planos, silueteados y una representación detallada con una composición compleja de mayor número de personajes y fondo rico en interiores (para localizar las escenas) o paisajes convencionales pero más desarrollados y más detallados que indican cómo eran los altares de las iglesias, como se construían y la vida en general del siglo XIII español.

OBRAS SUNTUARIAS De creciente importancia, complejidad y riqueza en una época cuyo arte estaba vinculado a las cortes regias y nobiliarias, donde se apreciaba un ceremonial complejo en el que la riqueza, magnificencia y suntuosidad eran importantes. Sobre todo en las catedrales las liturgias ceremoniales se revestían de suntuosidad que muchos se han conservado. Es el ejemplo de la vidriera, elemento muy típico del gótico e instrumento que permite conseguir la luz de papel tan esencial en el desarrollo de la arquitectura. De ahí que su producción sea abundante y una de las tipologías suntuarias más importantes. Al ser un objeto tan frágil se conservan un número muy limitado de vidrieras del XIII, de las catedrales góticas se conservan pocas más o menos completas.

Vidriera de chartres La más importante por su calidad y por estar más o menos completa además conserva originales y fue una de las primeras catedrales en adquirir decoración vítrea. Por una parte están las de carácter más ornamental con motivos vegetales y geométricos, y una figurativa en la que se recogen temas religiosos pero no únicamente. En muchos casos muestran la participación de laicos ligados al poder urbano (algunas de éstas son donadas y pagadas por diferentes gremios de la ciudad). Estos gremios exhibían su importancia y poder en las catedrales para defender su poder y privilegios. El de herreros donó la que se representaba el descenso, relacionado con su actividad. Esta escena mostraba es desenclavo de Cristo

Vidriera de la Cacería, León Es el conjunto que se conserva más completo de las Catedrales españolas del XIII aunque algunos fragmentos pertenecen a distintos momentos. Se trata de un mosaico de vidrios de diferentes colores, vivos, cortados y unidos para formar diferentes figuras o escenas, motivos vegetales, figuras como los caballeros.

Díptico de Soisson, 1270, marfil En esta época se empieza a desarrollar el trabajo del marfil muy Importante y de buena calidad ligado a talleres franceses, principalmente, aunque también se encuentren en el resto de Europa. Se trabaja de manera similar a la madera pero al ser un material lujoso se suele utilizar en piezas de pequeño tamaño y entornos muy ricos. Pueden ser religiosos como este, parecido a un pequeño retablo que puede cerrarse a modo de libro siendo un objeto transportable de devoción privada (a partir del XIII la liturgia personal adquiere suma importancia). Las escenas se colocan es frisos, para aprovechar el espacio, simulando las portadas de las catedrales

Espejo (parte trasera) Hay una enorme producción de piezas profanas, sobre todo piezas de tocador, que se han conservado, representando acontecimientos como la conquista del Castillo de Amor, tema literario de amor cortés, populares en las cortes que se leían o contaban y ayudan a extender el ideal caballeresco y platónico del amor por la dama de forma gráfica: la conquista de la dama es el Castillo y hay una lucha entre los caballeros por su conquista. Es de una calidad importante pero menos delicado o detallado que el religioso el cual se trabaja con mayor empeño pero la profana es más viva, espontánea y dinámica al salir de un ámbito solemne y digno.

Relicario de Chasse de Nivelles La orfebrería ha sido enormemente importante pero que ha sufrido a lo largo del tiempo y se ha conservado una parte muy pequeña de lo que se hizo en oro o plata, piedras preciosas o esmaltes. Al ser de estos materiales tan ricos y lujosos han sufrido en las guerras, desastres o épocas de carestía económica que se fundían o vendían. El relicario contenía los restos de Santa Gertrudis en una abadía belga destruida durante la Segunda Guerra Mundial. Los relicarios son piezas fundamentales de la orfebrería gótica y en ocasiones se representan como pequeñas iglesias, como una catedral de una sola nave: la portada principal con cristo crucificado, las del transepto y los apóstoles en el lugar de las arquerías. Es un arte muy refinado y delicado hecho por orfebres de muy buena calidad. Se trabaja con filigrana, granos e hilos metálicos muy finos en formas micro arquitectónicas y nos indican por dónde iban las aspiraciones arquitectónicas que no podían hacerse en piedra, son campos de experimentación arquitectónica. Los relicarios parlantes se iban haciendo más pequeños para adaptarse a la parte del cuerpo que recogían pero no necesariamente, muchas veces se trata de prestigiar las reliquias. Estaban adaptadas al hueso que se conservaba

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SIGLO XIV PINTURA ITALIANA La Maestà de Duccio di Buoninsegna (1308-11) La producción pictórica italiana es muy diferente de la centroeuropea (Francia, Inglaterra y Flandes) y es la más importante del siglo. Va a haber grandes artistas que no se mueven sólo por Italia y que son llamados por los personajes extranjeros más poderosos del momento (toma de conciencia de los artistas de su arte). Duccio realiza esta Virgen con el niño en Majestad realizada como retablo, aunque no se en Italia no se utiliza este término sino palla , como pieza principal de la decoración del altar mayor de la Catedral de Siena. Se desmontó con posterioridad y no se conserva entera pero hay reconstrucciones. En la parte trasera se encuentran escenas de la vida de Cristo, fundamentalmente de la Pasión. La virgen theotokos es un tema de tradición bizantina cuya influencia se refleja también en la técnica: el fondo dorado, la jerarquía de tamaño de la Virgen, la Virgen como trono del niño, la comunicación madre e hijo no es tan fluída o espontánea y está rodeada de santos y ángeles que sí se alejan de esta tradición bizantina al ser más realistas e individualizados. Es la obra más importante de esta catedral y cuando se terminó la obra y se sacó del taller se llevó hasta la catedral en procesión.

Majestad de Simone Martini (1344) Escuela sienesa (uno de los grandes focos de pintura italiana en el siglo XIV) Artista de la misma escuela sienesa y de gran calidad que va a trabajar para los Papas en Avignon (donde muere). Hace esta otra Maestà para el Palacio público

de Siena, otro de los focos de poder de la ciudad junto con la catedral, lugar desde donde se administraba y gestionaba el poder de la urbe. Pese a ser coetánea a la anterior presentan varias diferencias como la Virgen sentada en un trono rodeada de santos y ángeles individualizados, pérdida de los fondos dorados celestiales, se pasa de la influencia bizantina a un arte muy distinto parecido al gótico internacional que reproduce modelos propios del mundo cortesano, que utiliza colores delicados, tenues, sin apenas contraste y no tan llamativos de influencia bizantina y cuyo trabajo de las telas, las joyas y el nimbo es minucioso y detallista. También el trabajo de la calidad de la piel se aleja de los tonos verdosos del pasado y el trabajo del cabello y de las manos de aspecto delicado refuerza la diferencia entre la pintura de influencia bizantina a la pintur de estilo internacional más vanguardista, caracterizada por el lujo, no sólo del oro sino del trabajo.

Anunciación Probablemente la obra más importante de Simone Martini. Similar a la anterior, delicada en las figuras, posiciones, texturas y trabajo de las telas e incluso del dinamismo de las alas y del manto flotante del ángel y la posición de la Virgen reflejando temor pero de forma delicada y minuciosa.

Virgen de Tobed, Jaume Serra El arte de Simone Martini se extenderá no sólo por el mundo francés sino también en el Reino de Aragón, donde aparecen pintores como Jaume Serra. De estilo delicado, cuidado en el trabajo, sinuosidad de las posturas y las figuras de la escuela sienesa. Las diferencias radican en el trabajo de la piel nacarada, transparente y rosada y en los rasgos finos del cuello alargado. La posición de las manos no es tan delicada y la postura del niño, con piernas rígidas, o la forma de

amamantarse denota un conocimiento anatómico bastante pobre. Las figuras pequeñas de la parte inferior mantienen un tamaño jerárquico y representan al rey Enrique II de Castilla, su mujer e hijos con las armas de Castilla y León. Es una representación religiosa con donantes, es decir, con voluntad de retrato no muy fiel pero, al menos, intentada. Los reyes se incluyen en escenas religiosas para acentuar su poder monárquico.

Cappella Scrovegni, Giotto da Bondone (1267-1337) Es uno de los artistas más importantes, que desarrolla su actividad en la primera mitad del siglo XIV que trabajará también como arquitecto, aunque su fama como pintor es la que más ha precedido. Es considerado como uno de los mejores pagados y más admirados de la época y se han conservado numerosas obras suyas. La más importante son los frescos de esta Cappella Scrovegni construida como capilla funeraria y como medio de expiar el pecado que él mismo y su padre cometieron al dedicarse a la usura (eran banqueros). Para intentar salvar su alma crea esta gran capilla que no es excesivamente grande pero está cuidada en su sencilla construcción y con el trabajo de pintura desde el suelo hasta la cubierta (el zócalo de la parte inferior simula mármol, es pintado). Son frescos ilusionistas una técnica que Giotto dominaba. Trabaja con materiales lujosos y caros como el oro y el azul de ultramar en la bóveda, a modo de representación del cielo. Las escenas de tema religioso desarrollan un estilo muy personal que anuncian las novedades que se van a producir en Europa posteriormente. En el llanto sobre Cristo muerto hay una preocupación por la representación de las diferentes emociones del alma humana. la expresividad. Giotto no sólo representa emociones sino la variedad de sentimientos que un mismo hecho produce en las figuras de diferente forma y en distintos niveles, tanto en las que rodean a Cristo como en los ángeles (esta característica se desarrollará en el siglo siguiente)

Otra preocupación del artista es, a diferencia de la pintura que se ha visto hasta el momento, crear unas figuras tridimensionales con volumen en un plano bidimensional y que representaran realmente la profundidad. Lo intenta conseguir mediante figuras monumentales y robustas que se cubren con mantos y vestiduras muy cubrientes y dinámicas cuyos plegados acentúan la sensación de volúmen. El paisaje no es muy naturalista pero sí marca la profundidad en el espacio. La roca marca una línea diagonal que marca profundidad y focaliza la atención en el llanto por la muerte de Cristo. En el caso del beso de Judas son los palos que portan los personajes del fondo los que marcan una serie de líneas que incitan a llevar la mirada a esta escena y marcan la profundidad y amplían el espacio. Es un recurso que utilizará Velázquez en las lanzas. La composición es compleja con muchos personajes y elementos para acentuar el volumen y profundidad en un espacio más o menos realista. Los colores son finos, tenues y delicados para remarcar la fina pintura.

Basílica de Asís Aunque no está documentado y no hace todos los frescos se aprecia e identifica el estilo de Giotto en algunas escenas junto a otros artistas de un taller. Se reconocen sus paneles por el intento de profundizar en el retrato fisonómico y psicológico y por representar un espacio más o menos realista (el trono en diagonal del papa y los nervios de las bóvedas marcan la profundidad espacial). Usa las arquitecturas para marcar la búsqueda de la perspectiva. Adelanta la perspectiva renacentista a través de las líneas que marcan sus arquitecturas colocando los elementos en diagonal. Es una perspectiva muy pobre pero ya existe esta intención.

Monasterio de Pedralbes, Barcelona, Ferrer Bassa En el ámbito hispano, especialmente en el mundo catalán y levantino por la cercanía geográfica

y la importancia de la Corona de Aragón en el siglo XIV, Giotto influye y conoce a numerosos pintores españoles como Ferrer Bassa quien trabaja con las premisas del arte giotesco. Las figuras voluptuosas y rotundas con paños envolventes y el uso de las arquitecturas con el mobiliario en posiciones oblicuas para remarcar la profundidad espacial son herencia de Giotto pero no...