Resumen teoria historia y critica PDF

Preview

Summary

LO ESPECÍFICO DEL DISEÑO - REINALDO LEIROLo que distingue al diseño y la arquitectura, del arte y la ingeniería, son los fines de la actividad, no los procedimientos técnicos. El diseño como ciencia de lo artificial. Herbert Simon propone considerar al universo de objetos construido por el hombre co...

Description

LO ESPECÍFICO DEL DISEÑO - REINALDO LEIRO Lo que distingue al diseño y la arquitectura, del arte y la ingeniería, son los fines de la actividad, no los procedimientos técnicos. El diseño como ciencia de lo artificial. Herbert Simon propone considerar al universo de objetos construido por el hombre como un sistema programado y cuyo propósito es alcanzar metas y objetivos de adecuación al entorno en el que el sistema opera. A esto llama "sistema artificial“. El proceso de interface con el que Simon define al diseño consta de tres instancias: - contexto interno del objeto mismo - contexto externo con el que interactúa el artefacto - un propósito referido a los resultados de dicha interacción La condición propia del diseño Si se analizan las fronteras del diseño, vemos que hay muchos temas y objetivos compartidos con la ingeniería, el arte y las ciencia sociales. El diseño también interactúa con áreas como la sociología, la historia, la ética, la psicología perceptiva, etc. Se distinguen tres polos interactivos: técnica, usabilidad y significación. Estas tres cosas conforman el territorio específico del proyecto y define las fronteras. - con la Ingenieria: relaciona tecnica y usabilidad. - con las Ciencias sociales: entre usabilidad y significación. - con las Artes: tecnica y significación. En el triángulo se ven las tres patas y podemos decir que lo que busca el diseño es innovar con sentido.

DEVALLE, VERÓNICA. Visualidades sin fin resumen https://semiologiafiorini.files.wordpress.com/2013/04/arfuch-devalle_visualidades-sinfin.pdf

Zygmunt Bauman: Modernidad liquida Desarrolló el concepto de Modernidad Líquida, en referencia a la sociedad actual en la que vivimos. Modernidad Líquida es una categoría sociológica que sirve para definir el estado actual de nuestra sociedad. Bauman la define como una figura de cambio constante y transitoriedad, atada a factores educativos, culturales y económicos. La metáfora de la liquidez intenta demostrar la inconsistencia de las relaciones humanas en diferentes ámbitos, como en lo afectivo y en lo laboral. La sociedad líquida está en cambio constante. Ésto genera una angustia existencial. Nos parece que no hay sentido cuando se trata de construir nuevas cosas, ya que el tiempo y la modernidad van a impulsar su desintegración. No sabemos cómo va a estar la economía mañana, si estallará una crisis, si mantendremos nuestro trabajo, etc. Por qué “liquido”? Los líquidos y los gases tienen la cualidad de la fluidez; sufren continuos cambios y no conservan con facilidad su forma. En este sentido, las “cosas líquidas” no se atan de ninguna forma al espacio ni al tiempo, son libres de fluir por donde quieran, pero siempre de manera momentánea. La liquidez es una clara representación de nuestra realidad actual. En la vida todas las cosas fluyen, se desplazan, se desbordan, etc, siempre por un periodo de tiempo limitado y sin ocupar un espacio concreto y definido. Tomando lo “liquido”, Bauman hace una alegoría a la naturaleza. Los conflictos que la liquidez muestra en el mundo laboral Las personas ya no ingresan a un trabajo sabiendo cuándo se retirarán, sino que eso depende de las reglas del mercado y por tanto, es incierto. Antes una persona comenzaba a trabajar en una compañía y permanecía allí hasta retirarse: el mercado actual exige renovación y cambios desde la propia empresa, pero también desde las necesidades profesionales. Hay que estar capacitado para cumplir diferentes funciones y movilizarse para enfrentarse a nuevos desafíos. Un empleo ya no es suficiente para crear una carrera profesional, es necesario experimentar distintas labores en diferentes puestos y compañías para poder aprender más y destacarse por sobre los demás. Los cambios constantes y las exigencias cada vez más limitantes del mercado laboral atemorizan a los trabajadores, que no pueden seguir el ritmo vertiginoso de la Modernidad Líquida. La identidad del hombre y el problema de las relaciones La búsqueda de la identidad es otra problemática de la Modernidad Líquida. El trabajo de construirse a sí mismo como sujeto lleva mucho tiempo y gira en torno a determinadas tradiciones y creencias, que funcionan como un eje central en la vida. La identidad se construye en cimientos débiles, que causan fragilidad y desarraigo en las

personas. Esto se da por la fugacidad de los valores actuales. Las relaciones humanas han sido el ámbito más afectado por la Modernidad Líquida: los roles sociales y las instituciones han cambiado bajo el lema de uniones más libres y sin ataduras. Ej: El matrimonio como institución es un riesgo que pocas personas se animan a tomar, porque ya nadie quiere comprometerse a largo plazo. El egoísmo reinante no permite generar verdaderos lazos, por el miedo a perder libertad. “La vida líquida es una sucesión de nuevos comienzos con breves e indoloros finales”. La idea del “use y tire” que nos ha otorgado el consumismo se desplaza a las relaciones, donde no hay tiempo para reciclar, ni seguir usando cosas obsoletas. El miedo a profundizar por perder poder de elección ata a las personas, quienes cada día se encuentran más solas. En la vida líquida según Bauman, la sociedad se basa en el individualismo y se ha convertido en algo temporal e inestable que carece de aspectos sólidos. Todo lo que tenemos es cambiante y con fecha de caducidad, en comparación con las estructuras fijas del pasado. “El consumismo no gira en torno a la satisfacción de deseos, sino a la incitación del deseo de deseos siempre nuevos”

DANTO, Arthur. Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia - CAP 1 Libro completo: https://www.academia.edu/30699807/Danto_Arthur_C._Despu %C3%A9s_del_fin_del_arte._El_arte_contempor%C3%A1neo_y_el_linde_de_la_historia Resumen del libro: https://sites.google.com/site/contemporaryartcriticism/home/escritos-sobre-arte/apuntes-sobre-despues-delfin-del-arte

“Llevar la realidad al arte, cuando en un principio la realidad era aquello que el arte debía representar, cambió la forma de entender el arte.” Después del fin del arte Relacionando con el video de Tomas Mandonado Danto nos menciona la muerte del arte del que todos conocemos o estamos acostumbrados a ver, pero esto no significa que no hay mas arte, si no al contrario, que el arte se volvió una interdiciplina y que actualmente pode - mos encontrar arte en cualquier lado, ya que va mutando constantemente o como diría Zygmund Bauman, el arte se convirtió en una modernidad líquida. Antes podría - mos decir que ver una obra de arte solo podría ser a través de algún museo, no había otro medio para contemplarla, ademas de que el arte eran pinturas de alguna realidad, sentimiento o cosa dependiendo de cada artista. Eran cuadros enmarcados en galería que actualmente pode - mos seguir viéndolo, pero el arte comenzó a cambiar y a adaptarse a las nuevas eras y a encontrar nuevos “usua - rios”, nuevas formas de crear arte. Posiblemente una obra de arte no sea lo que ves en un museo en exhibición, si no una obra que vez en la calle, denominada Art street, tal vez no es una pintura enmarcada, si no un objeto que fue pensado para determinado uso o simplemente es una escultura, no como una escultura que podemos ver como por ejemplo el David de Miguel Ángel, si un objeto como el urinario de Dutchamp en el Dadá.

Modernidad vs arte contemporáneo Danto en el texto menciona el pasaje que hubo del arte moderno al arte contemporáneo, el quiebre que produjo el fin del arte como lo conocemos. El arte moderno, según Danto, esta relacionado con Van Gogh y Gaugin, en donde cada tendencia que surgía en ese periodo estaba ligado a los manifiestos que explicaban como funcionaba el estilo artístico, dando por sentado que ese estilo era el correcto y lo otros no tenían valor. Ahora bien, con esto no menciona que el arte moderno era algo negativo, si no al contrario, el arte moderno estaba restringido de alguna manera, era ese estilo único que se usaba y todos, de diferentes formas, lo adoptaban para generar sus obras. El fin de la modernidad lleva consigo el fin de los manifiestos, en un momento en el que la sociedad se encontraba ante un nuevo nivel de conciencia que les abría a la verdad. Clasificar algo como obra de arte o no es algo que antes se regía por los manifiestos, pero para Danto esto solo era una distinción entre el arte y el pseudoarte. Danto se da cuenta de que todo es arte y hace gran referencia al pop art, en especial a Andy Warhol, que hace desaparecer toda la narrativa. Actualmente en el arte, todo vale. No hay nada que diga cómo ha de ser el arte o cómo ha de hacerse. Prueba de esto son los museos, que recogen en ellos cantidad de obras de muy diferentes tipos. Podrían tratarse de collages a gran escala. Para Danto nos encontramos en una época a la que él llama posthistórica, pues hemos llegado a un punto en el que la fase de desarrollo ha concluido. La narrativa del arte era dada por los avances tecnológicos y nos encontramos en un momento en el que, el avance es tal, que el artista tiende a recurrir a antiguos métodos de trabajo y técnicas, mezcladas con nuevas técnicas y tecnologías, dando por comiendo al arte contemporáneo “Desde el principio lo que despertó mi interés por la Caja Brillo no sólo fue qué la convertía en arte, sino cómo era posible que, siendo una obra de arte, los objetos exactamente iguales a ella, esto es el conjunto de envases diseñados para contener esponjas Brillo, no lo fueran.” El arte y el no arte La pregunta que actualmente pensamos es ¿Qué es el arte? o ¿Hasta dónde llega el arte? Definir el arte es como definir el diseño gráfico, es algo que va mutando a través de los años, a veces puede ser por lo que pasa en una sociedad en ese momento o simplemente por el mercado, lo que podemos estar seguros es que lo que conocemos como arte no lo es más, va mas allá de eso. Danto menciona las cajas brillo de Warhol de 1964, en como, un objeto cotidiano como una caja que encontrar en cualquier lado, toma o adopta una forma de arte, algo que podías comprar y llevar a tu casa, pero el problema esta en que sería una réplica y no la verdadera obra de arte, lo que produciría un poco lo que menciona Benjamin, sobre la pérdida del aura de la obra, cuando dejas de conectarte con el original y perder la esencia de la obra misma por ser una réplica. Actualmente podemos ver obras como por ejemplo de Manet y encontrarla en un estampado de alguna remera o en algún bolso y sigue siendo la misma obra puesta en otro objeto. Ahora bien, como sabemos cuando algo es arte y cuando algo no lo es, ya que actualmente cualquier cosa puede ser arte, para Danto, la diferencia radica en que muestran que, la esencia del arte estaba en su concepto y no en alguna otra propiedad manifiesta del objeto artístico. Una vez considerado artístico un objeto, explica Danto, se percibe y se analiza según la relación entre lo que se presenta y la manera en como se presenta. Dicha reflexión, surge a Danto, luego de enfrentarse a las brillo box de Warhol, por que con esta pieza, queda claro que una obra de arte no debe ser de una manera en especial, puede parecer una caja de jabón o una lata de sopa. El problema ahora es explicar filosóficamente por qué son obras de arte, cuál es la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando no hay entre ellas una diferencia reconocible. “Que algo pudiera ser arte sin ser bello es una de las grandes aportaciones del siglo XX”

CAPITULO 1: MODERNO, POSMODERNO Y CONTEMPORÁNEO El sistema dantiano se puede analizar bajo dos aspectos: uno historicista, centrado en la naturaleza histórica del arte y otro esencialista, que se refiere a la artisticidad de los objetos. Ambos, determinados por un cambio perceptual de la humanidad. Atendiendo el aspecto historicista, Danto comienza por: “...diferenciar el arte contemporáneo del arte moderno en general y tratar de concebir el posmodernismo como un enclave estilístico dentro del primero.”* El arte moderno, para Danto, se caracteriza por el asenso a un nuevo nivel de conciencia, respecto del arte tradicional. Lo moderno –en palabras del autor- pareció haber sido un estilo que floreció aproximadamente entre 1880 y 1960. Pero qué, más allá de una noción temporal, moderno no solamente significa “lo más reciente”, sino se concibe como una noción de estrategia, estilo y acción. El arte contemporáneo -sugiere Danto- también, aparece con una nueva conciencia, donde se han creado obras que serían inteligibles décadas atrás e incluso han rebasado los límites antes establecidos en las artes. La contemporaneidad a diferencia de la modernidad, comenzó sin hacer un alegato contra el arte del pasado, ya que éste, no es algo de lo cual haya que liberarse, aunque sea absolutamente diferente del arte moderno en general. A partir de los 60´s se continuó produciendo un arte bajo el imperativo del “modernismo”, pero que no correspondía con su discurso; aunque tampoco se podría considerar contemporáneo, excepto en el sentido temporal del término. Entonces se recurrió al término “posmoderno” pero que por excluir parte del arte contemporáneo, no satisfacía una concepción adecuada de nuestro momento histórico. Es por ello qué, Danto, considerando el cambio en las condiciones de producción de las artes visuales, propone el término de “arte post-histórico”; que contempla al arte contemporáneo en su totalidad, quedando “posmoderno” como un sector identificable dentro de éste. Una vez establecida la diferencia entre los términos de moderno, posmoderno y contemporáneo, Danto se concentra en explicar la transición histórica del modernismo al arte posthistórico, y discutir la aparición de la conciencia de la contemporaneidad. Para ello, Danto parte de su idea sobre “el fin del arte”, que se refiere al fin de todos los relatos legitimadores del mismo, porque en el arte contemporáneo no hay ningún criterio a priori acerca de como deba verse el arte, por ser demasiado pluralista en intenciones y acciones como para ser encerrado en una única dimensión. A partir del “fin del arte”: ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica del arte que pueda arrojar luz sobre lo que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: “que todo es posible”. He aquí un punto importante: que el problema para Danto sería pues filosófico, para llegar a una posible definición de lo artístico en la actualidad. Cree que es posible encontrar, e intuir, un aire de familia en todos los objetos que se consideran artísticos, pues dice que algunos objetos son obras de arte y pueden ser apreciados como tales. Aunque, advierte que para que exista el arte ni siquiera es necesario la presencia de un objeto. Y si bien hay objetos en las galerías pueden parecerse a cualquier cosa. Lo que supondría que existen propiedades en los objetos gracias a las cuales podríamos reconocerlos como artísticos, es decir que sería posible intuir

cierta semejanza entre ellos, que permitiría agruparlos en una misma clase. CAPITULO 2: TRES DÉCADAS DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE En éste capítulo, Danto continúa defendiendo su tesis sobre “el fin del arte” publicado en 1984, fecha que asocia con acontecimientos históricos, que de alguna manera modificaron y esclarecieron la situación de una nueva perspectiva histórica. Danto visualiza “el fin del arte” en 1964, pero lo percibe hasta 1984, pues como dice el autor: las fuentes no estuvieron al alcance de quienes lo vieron suceder, además, el fin del arte nunca se expresó como un juicio crítico sino como un juicio histórico objetivo. Con “el fin del arte”, Danto enuncia que se había alcanzado el fin de una era en occidente de seis siglos (comprendidos entre 1400 y 1964). Y con él, terminan sus manifiestos y sus relatos legitimadores; produciendo un cierre en el desarrollo histórico del arte. A partir de éste momento cualquier tipo de arte que se hiciera estaría marcado por el acceso a la conciencia de la verdadera naturaleza del arte. Consecuentemente, proseguía la reflexión de: qué clase de arte es. Luego, se podría hablar del espíritu en el cual fue hecho. Danto, razona en el arte que se ha producido después del fin del arte, a partir de los últimos años de la década del sesenta. Dejando de lado, por fin, la era de los manifiestos o modernidad y la filosofía que los legitimo. El autor enfatiza que la premisa subyacente en los manifiestos del arte es filosóficamente indefendible, ya que lo justifican como verdadero y único, como si cada movimiento hubiera hecho un descubrimiento filosófico de lo qué es esencial en el arte. No puede haber ahora, ninguna forma de arte históricamente prefijada. Los relatos históricoartísticos para Danto, son falsos. Falsos, desde sus mismos fundamentos filosóficos. Ya que, “una definición filosófica del arte debe capturar todo, sin excluir nada”. Aunque reconoce que dichos manifiestos pugnaron por un entendimiento filosófico del mismo arte, y precisamente en eso consiste su riqueza: en su especulación filosófica. Danto, tiene bien claro que, el arte no debe ser de una sola manera: En el arte después del fin del arte, ningún arte es más verdadero que otro, ni esta enfrentado históricamente contra algún otro tipo de arte. Así -afirma Danto- , el arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores, pero no de una manera gratuita: A partir de ese momento –plantea Danto- le corresponde ocuparse a la filosofía, ya que, el arte desde sus propios medios no podría llegar a un desarrollo mayor de su propio concepto. Lo que no sería de extrañar, puesto que en la historia del arte occidental, el concepto de lo artístico ha sido siempre proporcionado por la filosofía. Dicha reflexión, surge a Danto, luego de enfrentarse a las brillo box de Warhol, por que con esta pieza, queda claro que una obra de arte no debe ser de una manera en especial, puede parecer una caja de jabón o una lata de sopa. El problema ahora es explicar filosóficamente por qué son obras de arte, cuál es la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando no hay entre ellas una diferencia reconocible. Las Brillo box de Warhol, como los Ready-made de Duchamp, son obras que no poseen propiedades diferentes de las cosas normales y corrientes; de hecho, son cosas normales y corrientes. La importancia radica en que muestran que, la esencia del arte estaba en su concepto y no en alguna otra propiedad manifiesta del objeto artístico. Una vez considerado artístico un objeto -explica Danto- se percibe y se analiza según la relación entre lo que se presenta y la manera en como se presenta. La conversión del arte en concepto (su desartistificación) es el paso previo a su verdadera autonomía.

Tomas Maldonado - entrevista Tomás Maldonado menciona en la entrevista de 2011 que le hicieron en Madrid, que en su momento, pensaban en el efecto que tenían las cosas diversas que hacían, sobre otros ámbitos como la relación socio-cultural, filosofía, política, en cambio ahora el arte es pensado en función del mercado, para su usabilidad, en la función que iba a cumplir. A su vez mencionan que ellos en el campo del diseño industrial, lo que querían lograr era algo innovador, que no estuvieran en el mercado, si no lograr crear algo mas allá de lo que ya estaba pensado. Menciona que la innovación del arte contemporáneo es la pluralidad de tendencias y de orientaciones, como por ejemplo, ahora vemos films en donde se encuentran escenas de paisajes que nos remitan alguna vanguardia o a años anteriores y un poco eso es lo que menciona Danto con el arte contemporáneo, que se convirtió en una especie de collage en donde muchas cosas pueden estar en una obra y denominarla arte, en donde tenemos tanta libertad en generar arte para transmitir un mensaje en concreto. Si bien Tomas Maldonado, se orientaba al diseño industrial y a la creación de objetos para su uso, tiene relación con el arte, ya que muchas de sus piezas son consideradas una obra de arte, en la cual actualmente podemos tomar como referencia para generar otra.

Dieter Rams, Retórica de la neutralidad. Dieter Rams es un diseñador industrial alemán y académico retirado asociado con la empresa de productos de consumo Braun y la escuela funcionalista de diseño industrial. Su enfoque di...