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Revolución industrial:

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Velocidad de la percepción visual: instantaneidad Encuadre enfatiza el espacio cúbico Definición de lo real y lo exhibible Masificación y democratización del consumo y la circulación

Reformulación del estatuto del arte y exploración sobre el lenguaje

Este proceso que se conoce como Revolución Industrial y da origen a está sociedad industrial, que esta transformando la forma la organización social, las formas económicas y la forma de producción simbólica. Dentro de todos estos procesos empezaba a aparecer es el que tiene que ver con la progresiva distancia de las formas arquitectónicas respecto a las formas del pasado. Una de las características para entender el Neoclasicismo como el movimiento Romántico, como los primeros pasas de la arquitectura industrial y buena parte de cómo se transforma esta sociedad moderna tiene que ver con la reproducción de todo un lenguaje historicista de la antigüedad, pensado como una forma de construir una imagen de poder, de construir una visión de la burguesía que está asentándose, construyendo su poder político y entonces apela a toda una forma ornamental como manera de vincularse a las clases altas a ese pasado aristocrático. Al final del siglo XIX empiezan a aparecer otras propuestas más pequeñas pero muy similar porque empieza a pensar otra forma de pensar, la Escuela de Chicago y Modernismos. Alejándose a los lenguajes pasado la Escuela de Chicago se va a centrar en tipologías destinadas al trabajo a las oficinas al comercio, aprovechando al máximo el tamaño del terreno, apela a la producción industrial y a los materiales para construir edificios despojados de lo ornamental; los rascacielos, la otra opción europea consistía en formas que en principio apelaban a lo orgánico, lo vegetal, (las plantas y las flores) como formas de alejarse del pasado. Hacían uso de los materiales industriales, pero no de manera seriada. El objetivo final de estas construcciones durante el modernismo era generar obras que primaban el diseño uniforme, total y unitario pero único, cada espacio de la casa pensado de manera integral, entonces dentro de la casa todo estaba en relación con el diseño, pero todas las cosas tenían que tener el mismo estilo, se ponía énfasis en lo manual. Se piensan como las primeras formas que empiezan a reflexionar como el lenguaje propio de la arquitectura, empezar a pensar a la arquitectura como propio problema del espacio.

¿Cuáles son los elementos propios de la arquitectura si la arquitectura no trata de vincular, de expresar el poder de las clases burguesas, no se trata de representar el poder de la Iglesia? ¿Cuál es el motivo de la Arquitectura? Sin embargo, no es solamente la arquitectura Que va a empezar a pregunta hacia fines del siglo XIX. Ese desarrollo de la arquitectura forma parte de un proceso de 50 años que se da durante toda la mitad del siglo XIX y en el que participan todas las formas de las artes. En la Revolución Industrial se había desarrollado todo un desarrollo tecnológico, se habpia aumentado la productividad, la producción económica, toda una transformación social y cultural que se desencadenaba a partir de estas formas económicas y que era la consolidación de grandes ciudades industriales. Transformación que incide y afecta las formas del ver, las formas como sociedad, participes de esta sociedad miramos, pensar que las obras de arte, pictóricas, escultura y arquitecturas son parte de un gran sistema de imágenes que circulan. Otras imágenes son las que aparecen en prensa; la imagen rotativa genera imágenes rápidamente a su vez facilitado por la difusión de las imágenes del grabado, circulación de prensa y de imágenes. Experiencia de la visualidad cotidiana: ser parte de una cultura que solo conoció el mundo miran desde el caballo y de pronto a mirar encima del tren, esto implicó una revolución en la forma de ver, porque había que ver a una velocidad en la que no era posible distinguir, porque la forma en que se vía tradicionalmente era más lenta más detallada, podía ver con mayor cantidad de tiempo. A partir de aquí se produce la instantaneidad perceptiva, tiene que ver, por un lado, la incidencia de la locomotora a gran velocidad; no podían ver, sumado a la proliferación de las imágenes en la prensa y sumado netamente propio de la Revolución Industrial es la invención de la fotografía, va a terminar de alguna forma haciendo cada más evidente, que detrás de cualquier imagen hay un proceso de construcción. La fotografía es una invención que deriva de la Revolución Industrial, porque no es que se da a partir de la experimentación de los artistas, no es una técnica que surge de una motivación artística y de la experimentación de los materiales artísticos, sino que surge de la experimentación de la física y de la química, de la revelación aparte y de la interacción química. Pero lo cierto es que la fotografía empieza a ser, empieza a transformar las formas, en las que una imagen funciona. En principio, porque cualquier que tiene una cámara puede sacar una foto, pero no cualquiera que tenga un pincel puede pintar un cuadro. ¿Todos somos fotógrafos? La fotografía instala la idea inicialmente de que es el registro de la verdad porque tiene una relación directa con el que está fotografiado. La fotografía lo que estaba generando era la imagen perfectamente mimética; perfecta. Había logrado la reproducción exacta de la realidad. De hecho, buena parte del desarrollo primario de la fotografía triunfa sobre el grabado y la pintura. La fotografía periodística es la primera en desarrollarse, registra lo real, al registrarlo puede producirlo en la prensa. Estará retira de las artes, la aleja. Al principio usan la misma forma de composición que la pintura para que parezcan artísticas.

BODEGÓN: Género típico de la pintura académica, retrata la naturaleza muerta, quería apelar a los métodos compositivo de las artes.

FOTOMONTAJE: Reijander, desnudos casi clásicos. Si bien se relaciona con un objeto real también implica asumir una perspectiva de hecho lo que se dice es que de alguna manera hace más visible el sistema porque se había instalado la perspectiva en el renacimiento porque yo no puedo sacar una fotografía que abarque todo, me voy a tener que parar de algún lado a mirar para poder sacar la foto. Esto en última instancia lo que va a terminar haciendo es por un lado a hacer surgir toda una serie de códigos que le son propios a la fotografía. Pensar ¿Cuál es el sistema de encuadre de la fotografía? ¿Qué pasa con la fotografía cuando se hace desde un solo punto de vista? Incluso esto va afectar decididamente en el desarrolló de otra de las artes que va a surgir agarrada de la fotografía, es el cine, con el lenguaje propio de la fotografía. Lo importante también es que esta propia conciencia de los códigos de percepción y de cómo es que se arma una foto, pero a su vez

este trabajo sobre la mimesis, la idea de que ya no va a ver una forma de hacer un retrato más real que una foto la pintura nunca va a poder ser real que una fotografía, más verás ¿entonces para qué sirve la pintura? Sí todo él desarrolló del renacimiento se habían obsesionado prácticamente, la realidad, lo más fiel y naturalista posible de la realidad ocultar lo más posible el carácter de construir pictórico de la pintura. Si el barroco se había desvanitado de la representación realista de las pasiones, de las emociones, de los cuerpos.

Proceso de 50 años, que se desarrollan una serie de restricciones que se preguntan qué es sólo propio de las artes de, en que terreno las artes trabajan y no trabaja nadie más. En este camino de 50 años que se va a la consolidación de las artes; el arte completamente autónomo, autónomo de lo político, de lo social, de la representación de la naturaleza. Esto no pasa de un día para el otro.

Gran proceso, sucesión de ismos, movimientos. Transformación de la que participan todos, éste pasó de ser las artes ligadas a la representación mimética del afuera a las artes llevarán trabajan directamente con los materiales que son propios del arte, composición de la materia, del espacio, de lenguaje. Cuando hablamos entonces de esta revisión del estamento del arte, está reformulación del objetivo de la pintura que se producen a partir de la fotografía. Volverse en el arte autónomo. Lo primero que se desarma se cuestiona y se rompe es la idea del tema.

Realismo: Primer movimiento de romper con cualquier tema que fuese significativo para el poder de sacralizar completamente el tema, porque se va central una serie de cuestiones muy cotidianas con el objetivo de retratar las con la mirada científica, el realismo se hace cargo de la mirada fotográfica va a tratar de retratar la realidad de la misma manera que la retrata la fotografía. Pero lo que va retratar se va correr de los temas clásicos, porque con lo que se va a quedar, por un lado, con el pueblo con lo popular nos ya con el pasado mítico que representaba el Romanticismo, convive con el artista en el sentido cotidiano y sobre todo con un registro no representación de los trabajadores. Todo esto lo hace con una mirada descriptiva, casi una representación objetiva, en los términos de la ciencia. El tema tiene que ser lo que lo rodea lo cotidiano, como los trabajadores. Es entendido como el costado artístico del desarrolló del socialismo del siglo de XIX. Esto es posible porque a esto se suma la idea de que el artista debe comprometerse con la transformación social.

Durante la segunda mitad del siglo XIX, se va desarrollar los grandes sistemas del pensamiento filosófico que están propiciando el desarrollador de las formas políticas alternativas al capitalismo, al liberalismo más clásico. A partir del desarrolló del materialismo histórico y de la forma de comprensión del desarrolló de la historia de Max Ernst, Max va a propiciar el desarrollo de una transformación política de una sociedad capitalista a una comunista. Pensar en la Inglaterra industrializada del siglo XX, en esos espacios que están atravesados por el hacinamiento de las personas, por los obreros que viven en malas condiciones, por una gran desigualdad social, en ese contexto es en el que surge toda esta idea acerca de transformar la sociedad en una sociedad en la que en la producción se distribuya de una manera más equitativa. Es la base de toda la ideología socialista del siglo XIX. Se concretan partidos políticos que sea la comunidad se hicieron intentos de transformar mediante movimiento revolucionario la sociedad, uno de esos se da precisamente a en París, en la Francia que viven los realistas, inserto en esta sociedad se está transformando uno esto artistas concretos es Gustave Courbet que va participar en la comuna de parís que fue una de insurgencia que instaló un sistema socialista en parís durante al menos 3 meses. No todos intentaron derrocar que el capitalismo esta vez fue una de las maneras, la otra viene de la mano de estigmatizar a los trabajadores, de hacer de los trabajadores de los efectos del trabajo sobre los cuerpos el tema central de las obras. Gustave Courbet, Picapedreros, 1849, Óleo sobre lienzo165 x 238 cm. Destruida durante la II Guerra Mundial • Compromiso político del artista con el presente y el “pueblo”; vinculación al socialismo • No están embellecidas, ni idealizadas • Están tal cual las observa

F. M. Brown, Work, 1865. Óleo sobre tela, } 137 cm × 198 cm. Manchester Art Galleries

• Destellos de color • Superposición de las figuras • Esta tematizando el trabajo urbano: reformas de la ciudad, el trabajo sobre la ciudad como se genera esta ciudad en la luz, la ciudad de la burguesía, lo va a rodear con figuras de distintos sectores sociales. • La desocupación que se ha producido por el campo a la ciudad, la situación de lucha de las familias que al migrar todavía no pueden insertarse en la sociedad pasan a formar parte de la pobreza. • Lo desamparados no descendientes los vulnerables, los que han quedado solos, sin derechos. • Intelectuales: amigos de él • Arte de denuncia: denunciar situación de vida. • Artista comprometido con la emancipación social

Achille d’Orsi, Proximus tuus, 1880, Galería de arte moderno de Roma. Bronce, 35x43.5cm. ITALIA: • Arte de denuncia • Cansado • Valoración ética del trabajador como héroe ignorado o mártir de la injusticia

Ilya Repin, Los sirgadores del Volga, 1873. Óleo, 131 x 281 cm., Museo Estatal de San Petesburgo RUSIA: • Realismo pictórico • Trabajadores atados con sogas • Descriptiva: funciona como una denuncia. • Anti-academia: sociedad de artistas ambulantes • Arte como elemento de educación popular

Gustave Courbet, El estudio del pintor, alegoría real determinante de una fase de siete años de mi vida artística, óleo sobre tela, 1855. 359 × 598 cm. Museo d’Orsay, Paris • Posición del artista: independencia, individualidad, rechazo a la tradición. • Centro lo pictórico el artista, la libertad y creatividad del artista. • Pensamiento socialista del lado derecho • Genera rechazo; provocar • Gran tamaño para representarse y representar a sus amígos

Courbet se está haciendo cargo de la fotografía de la forma que mira la fotografía, comienza pintada de la manera que observa la fotografía.

Recorte fotográfico: Retrata la parte y no el todo, no hace foco en la cara. El cuerpo desnudo no tiene legitimidad, ante se relacionaba con lo mitológico Venus o Afrodita. Mirada vinculada a las prácticas sociales del propio pintor mes una mirada cualquiera no es una perspectiva ni encuadre cualquiera. El tema de la objetividad le funciona también de manera de generar devoción. La distancia con la academia y la tradición, tuviese una veta provocativa, de escándalo. Buscar el escándalo. La idea del desnudo es y no es la importancia del tema, porque lo que importa es la

formada en la que el desnudo se presenta, lo que les innovación es poner el foco de mujeres de carne y hueso en mujeres que podría encontrarme en situaciones que son privadas pero que se hacen en público. La imagen es compleja, el punto de vista que elige hace que sea inevitable representar y ver la genitalidad de la mujer. Está en un espacio natural, público. Plano rebatido eleva la línea horizonte aplana la profundidad de alguna forma mientras que la mujer en un escorzo, el espacio se aplana. Elegía estos temas ultra provocativo para ir más allá del escándalo. “La mejora de las comunicaciones [por difusión de la locomotora] permitía, en efecto, un acceso fácil y rápido a lugares alejados de las ciudades y de las concentraciones industriales, en “plena naturaleza”: la contemplación directa de paisajes umbrosos y selváticos era ahora posible para un mayor número de gentes…” Ramirez, J. A., Medios de masas e Historia del arte, Cátedra, 1992, p. 52.

Desnudo femenino como provocación o excusa Gustave Courbet, Mujer con medias blancas, 1846, óleo sobre tela, 65x81 cm. Barnes Foundation, Philadelphia

Ingres, La gran odalisca- 1814. Óleo sobre lienzo 91 x 162 cm. Museo del Louvre

Exploración con la proporción La mujer con espalda muy larga en relación al canon académico reglado. Pone al cuerpo femenino en formas imposibles. Forma autónoma del cuerpo que la compone.

Edouard Manet, 1832 – 1883. Almuerzo sobre la hierba, 1863. Óleo sobre lienzo 208 x 264,5 cm Museo de Orsay. París

• Mujer luminosa en términos del color. • La obra es un gran escándalo, busca provocar • Retrata a una prostituta • Exploración compositiva • Incluye una naturaleza muerta, plano rebatido, vista desde arriba • Juega con el espacio y la perspectiva

"El señor Manet tendrá talento el día en que aprenda dibujo y perspectiva; tendrá gusto el día en que renuncie a los temas que escoge con miras al escándalo... No podemos considerar como una obra perfectamente casta el sentar en el bosque, rodeada de estudiantes con boina y gabán, una joven vestida solamente con la sombra de las hojas... El señor Manet quiere alcanzar la celebridad asombrando a los burgueses.» Ernst Chesneau (crítico)

Edouard Manet, 1832 – 1883. El pífano, 1866. Óleo sobre lienzo 160 x 98 cm Museo de Orsay. París • Acá comienza el arte contemporáneo • Deja de hacerse cargo de la tridimensionalidad • Deja de hacerse cargo de la perspectiva • El espacio pictórico es pintura

Edouard Manet, Retrato de Zola, 1868. Paris, Musée d’Orsay

• Destaca mediante el uso del color los elementos propios de las artes • El tema de la pintura es pintura

Edouard Manet. Olympia, 1863. Óleo sobre lienzo 190 x 130 cm Museo de Orsay. París. • Representación del desnudo; recrea Venus de Urbino (obra clásica del Manierismo) • Mirada descarada Olimpia • Juega con las manchas de color • Mismos valores tonales

Tiziano Venus de Urbino, 1538 Óleo sobre lienzo 168 x 119 cm Galería Uffizi, Florencia, Italia.

Impresionismo: La pintura es un proceso de trabajo sobre una materia, tiene que ver con surgimiento del Impresionismo. Hacia los años ´70 una serie de pintores franceses para generar una serie de obras, durante 10/12 años, se va a producir lo que muchos autores su lo entienden como el triunfo completo de la instantaneidad perceptiva. El impresionismo termina de instalar la velocidad al ver, porque lo que se hace cargo el impresionismo, ya es un tema por fuera del arte, a partir de ahora los temas son absolutamente anecdóticos; una excusa da lo mismo si es hubo un paisaje, una catedral, un lápiz porque lo que va importar es retratar el efecto de la luz. Registrar la forma de la luz, sobre todo la luz natural incide sobre los objetos. Entonces no queda más remedio que hacerse cargo de la velocidad incluso en términos de mecanismo de producción, porque cuando estoy pintando al aire libre (una de las grandes transformaciones del impresionismo) voy a pintar al sol, el reflejo del sol, la posesión de la tierra respecto al sol cambia entonces a lo cambia tengo que hacerlo rápido. Uno de los elementos fundamentales del impresionismo es irse a pintar al aire libre plain air o plenerismo, el pintor podía alejarse de tasar con la suda de la locomotora, porque existía medios de transporte barato para trasladarse a las ciudades y la innovación industrial en la producción de los pigmentos, aparecen los pigmentos puros en pomo, se vuelven portátiles. Trabajan con el color puro, sin dilución, casi empastándolo se genera rastros del material pegado. Trabajan con la óptica y con los colores primarios, a partir del uso de los colores que se contractan y parecen, de manera susto puesta van a apelar a un proceso que se llama recomposición retiniana, compositivamente los colores primarios y secundarios que yuxtaponiéndonos. • •

Se pintura directamente no hay dibujo Reyero: el triunfo de la visualidad

[Lo que se evidencia] es una nueva relación tiempo-percepción que la velocidad y la estabilidad del movimiento de la locomotora obligaban a alterar súbitamente: la distancia focal debía moverse ahora al mismo rítmo que la máquina, y la contemplación de los objetos vistos desde la ventanilla debía ser instantánea.” Ramirez, J. A., Medios de masas e Historia del arte, Cátedra, 1992, p. 52. Claude MONET, Impresión. Sol naciente. 1872. Óleo sobre lienzo 47 x 64 cm. Museo Marmotan=Monet, París

“… la preocupación que demostraron los impresionistas por la luz habría sido impensable de no ser porque los fotógrafos habían descubierto que era ella (tanto más que la línea o el color) la que determinaba la forma y la “impresión” de los objetos.”Ramirez, J. A., Medios de masas e Historia del arte, Cátedra, 1992, p. 89

Mezcla óptica

Centralidad de la luz

Pincelada yuxtapuesta Plein air Abocetamiento de la forma

Claude MONET Rue Saint-Denis en la fiesta del 30 de junio de 1878Óleo sobre lienzo 76 x 52 cm Museo de Bellas Artes de Rouen

MONET, La catedral de Rouen, 1893 Óleo sobre lienzo 91 x 63 cm Museo de Orsay, París

• Recorte fotográfico • Fascinación por el color • Plano contrapicado • Color como materia propia de la pintura, me olvide de las referencias externas. • Mostrar que la materia es materi...