ACT 1 - ¿Qué nos aporta la Bauhaus, cien años después? PDF

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Resumen de todos los recurso solicitados para realizar la actividad 1 de la asignatura. Sobre los cambios que se producen en la concepción del diseño desde el movimiento Arts and Crafts a la Bauhaus, dedicando especial atención a las aportaciones de la Bauhaus en el establecimiento de las bases d...

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HISTORIA DEL DISEÑO Artículo sobre la concepción del diseño del Arts and Crafts a la Bauhaus

Conociendo el diseño desde su origen El diseño desde el movimiento Art & Crafts hasta la Bauhaus DECLIVE DE PRODUCCIÓN ARTESANAL Durante el primer cuarto del siglo XX, con la Revolución Industrial, la producción artesana y las creaciones artísticas tuvieron un sentimiento de declive frente al desarrollo de la producción mecanizada. Se anteponen ciertas profesiones artesanales tales como los metalúrgicos, alfareros, tejedores u orfebres frente a los artistas que solo se les consideraban útiles a la hora de dibujar pero para nada más, según la obra publicada en 1852 de Gottfried Semper (1803-1879) Wissenschaft, Industrie und Kunst: Vorschlàge zur Anregung nationalen Kunst gefilhls , creando así un distanciamiento entre ambos gremios. Semper tuvo varios oponentes, ideológicamente hablando, John Ruskin (1819-1900) y William Morris (1834-1896) afirmando que para producir algo de calidad habría que alejarse de la fabricación masiva y de las máquinas y volver, de nuevo, a la creación artesanal, manual y genuina. (Pelta, 2015, p.8). Las ideas de Ruskin y Morris tuvieron gran influencia el en movimiento Arts & Crafts, cuyo auge fue hacia 1880 en Gran Bretaña con artistas destacados como el diseñador Charles R. Ashbee (1863-1942). Ashbee creía en la recuperación de lo artesanal para devolver la esencia de la vida, cosa que había sido arrebatada por el uso de maquinaria industrial. (Pelta, 2015, p.8). Frente al debate de crear objetos de forma masiva abarataba el coste de dicho objeto, el movimiento Arts & Crafts defendía que siempre era mejor crearlo a pequeña escala para tener un mayor control sobre su calidad y producción, dando valor a su creador. (Pelta, 2015, p.10). Henry van de Velde (1863-1957), uno de los influyentes del Art Nouveau, creyó fervientemente en la idea de revitalizar la artesanía sin obviar el uso de la tecnología para conseguir integrarla en la sociedad. Tanto Ashbee como Van de Velde fueron grandes influencias a la hora de introducir la maquinaria en la producción artesanal, pese a la gran oposición social de la época. (Pelta, 2015, p.11).

LA MÁQUINA, HERRAMIENTA PARA LA ARTESANÍA A principios del siglo XX, los artesanos empezaron a ver la máquina como una herramienta útil para crear arte y artesanía, economizando esfuerzos para su fabricación y poder tener más tiempo a la hora de diseñar e idear nuevas obras y productos. Con el uso de esa "herramienta" pudieron crear productos de calidad y más asequibles para la clase obrera, quedándose aquellos productos realizados 100% a mano como objetos de lujo, puesto que el coste era significativamente más elevado, y por lo tanto, su precio de venta también. (Pelta, 2015, p.13). A raíz de esta filosofía, crearon la marca "alemana" a la hora de exportar dichos productos asequibles, haciendo propaganda comercial sobre la calidad de las creaciones, afirmando que: «la gente verá en nuestro mueble que está preparado con materiales alemanes, creado por artistas alemanes y que es la expresión de emociones y sentimientos alemanes» (HESKETT, J., German Design  1870-1918, Nueva York, Taplinger Publishing Company, 1986, p. 45.). Y así crear una identidad de marca propia. (Pelta, 2015, p.14). En 1914, la Deutsche Werkbund (Alianza para la Obra de los artistas, arquitectos, comerciantes y fabricantes) organizó la exposición de Colonia (Alemania) la cual fue muy significativa en cuanto al debate que se creó frente a la tesis de Hermann Muthesius (1861-1927) en la que defendía la mecanización y la estandarización, idea que se oponían figuras como Henry van de Velde y Walter Gropius (1883-1969) entre otros artistas y arquitectos. Curiosamente, Gropius cambió de opinión tras la creación del movimiento Bauhaus. (Pelta, 2015, p.16, 17).

NUEVOS PENSAMIENTOS TRAS LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL Algunos movimientos surgidos de la Revolución Soviética, como Dadaísmo, Constructivismo y Neoplasticismo implantaron ideologías sobre el trabajo artístico colectivo, eliminado todo tipo de ornamentos ya que pertenecía al individualismo burgués y defendiendo la neutralidad del diseñador, lo que condujo a una estandarización y seriación de los productos para mejorar su calidad y precio. (Pelta, 2015, p.21).

LA INFLUENCIA DE EUROPA EN EL DISEÑO GRÁFICO FINALES DEL S. XIX PRINCIPIOS DEL S. XX Desde la Revolución Industrial, en el siglo XIX, el diseño gráfico cayó decadencia en cuanto a calidad, sobre todo el editorial, hasta la última década del siglo que es cuando empezó a resurgir como un arte propio. (Satué, 2012, p.113). El diseño gráfico aplicado a la cartelería había logrado que las calles se convirtieran en auténticas galerías de arte, en el que el Modernismo (con influencias del medievalismo) era

palpable, sobre todo en Francia e Inglaterra con figuras como Eugene Viollet-le-Duc (1814-1879) y John Ruskin. (Satué, 2012, p.114). William Morris, uno de los fundadores del movimiento Art & Crafts, fue una figura carismática y un gran referente en el diseño gráfico, tal y como cita Satué en su libro El Diseño Gráfico (2012): "La permanente atención que Morris dedicó al diseño gráfico, en especial al diseño tipográfico y al aspecto visual del libro como objeto, se deduce pronto de las colaboraciones editoriales que en este campo realizaba al entrar en contacto con los editores de sus poemas o textos de acción política. [...] y en 1885 (en plena militancia socialista) edita y sufraga una publicación periódica, The Commonwealth  (la cual mantuvo a lo largo de diez años), para la que, además de frecuentes e inflamados manifiestos, diseña cabeceras y el propio carnet de miembro de la Liga Socialista." (Satué, 2012, p.115). Pionero en la técnica de la fotografía para ampliar la caligrafía de manuscritos medievales e incunables del siglo XV para estudiar a fondo sus formas y así inspirarse para crear nuevas tipografías, tales como la Tory , Golden  y Chaucer . Ésta técnica ha sido muy usada por los diseñadores del siglo XX. (Satué, 2012, p.118, 119). Morris, sin ser un gran diseñador gráfico, ni industrial, ni arquitecto, fue un personaje muy influyente en Movimiento Moderno, tal y como define Satué: "William Morris desempeñó un papel fundamental que configuró el ya inminente estilo modernista inglés con su intransigente actitud frente a los convencionalismos de la época." (Satué, 2012, p.121). Al fundar el movimiento Art & Crafts tuvo grandes impulsores, tales como Walter Crane  872-1898), James McNeill Whistler (1834-1903), Arthur (1845-1915), Aubrey Vincent Beardsley (1 Heygate Mackmurdo (1851-1942) y Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). (Satué, 2012, p.121). Mackmurdo crea la sociedad Century Guild en 1882 y aplica el diseño gráfico creando tendencia en el Modernismo prolongandose por Europa hasta 1925. Mackintosh, bajo su influencia como arquitecto, usa el diseño gráfico al cartelismo, generando un estilo rectilíneo muy característico del estilo modernista. Otros grandes influyentes de la época fueron los componentes de la empresa de diseño Beggarstaff Brothers (William Nicholson (1872-1949) y James Pryde (1866-1941)), los cuales realizaron carteles modernos, reduciendo el uso del ornamento, forma y color creando composiciones muy características y reconocibles. (Satué, 2012, p.123). En Francia denominan al Modernismo, Art Nouveau, que intenta insertarse en la cultura burguesa. Encontramos este estilo artístico en todos los campos: en la arquitectura, mobiliario, joyería, escultura y como no, en el diseño de libros y carteles. Algunos artistas más destacados de la época fueron Jules Chéret (1836-1932), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edouard

Manet (1832-1883), Pierre Bonnard (1867-1947), Théophile-Alexandre Steinlen (1859-1923), Eugéne Grasset (1845-1917), Georges de Feure (1868-1943), Karl Schwabe (1866-1926) y Alphons Maria Mucha (1860-1939). Este último, al realizar el cartel de Gismonda  en 1894, sin darse cuenta crea un precedente en el diseño gráfico, un estilo que es repetido por varios diseñadores en toda Europa. (Satué, 2012, p.126). En Bélgica, una de las figuras más importantes fue Henry van de Velde, gran colaborador en la fundación del Werkbund lnstitut. En Holanda, fue el arquitecto Hendrik Petrus Berlage (1856-1934). Según afirma Satué: “Sus diseños de alfabetos y sus cubiertas de libros se enmarcan en un modernismo contenido, donde el rigor de la norma prevalece sobre el ornamento.” (Satué, 2012, p.130). En Italia, el Liberty, tal y como denominaban los italianos al Modernismo, fueron los cartelistas Adolfo Hohenstein (1854-1928), Leopoldo Metlicovitz (1868-1944), Aleardo Terzi (1870-1943), Achille Luziano Mauzan (1883-1952), Aleardo Villa (1865-1906) y como figuras destacadas: Marcello Dudovich (1878-1962) y Leonetto Cappiello (1875-1942), quienes tras su formación en la factoría Ricordi (Milán) aportaron los toques modernistas en los carteles de ópera. En España, aparece de manera temprana, pero muy poco extendida. Sus grandes figuras son los arquitectos Antoni Gaudí (1852-1926) y Lluís Domenech i Montaner (1849-1923) y los cartelista Ramón Casas (1866-1932) y Alexandre de Riquer (1856-1920). En Rusia, los más destacados fueron Ivan Yákovlevich Bilibin (1876-1942) y Wassily Kandinsky (1866-1944). En Austria, el Modernismo es un movimiento de gran importancia, convirtiéndose, para los diseñadores gráficos en un gran precedente puesto que realizaron un exhaustivo estudio sobre la imagen publicitaria creando gran cantidad de tipografías, ilustraciones y gráficos comerciales. Algunas figuras más destacadas fueron los arquitectos Otto Wagner (1841-1918), Joseph Maria Olbrich (1867-1908) y Josef Hoffmann (1870-1956), los pintores Gustav Klimt (1862-1918) y Koloman Moser (1868-1918), y los gráficos Berthold Loffler (1874-1960), Otto Barth (1876-1916) y L. Fischer. (Satué, 2012, p.132). En Estados Unidos, William H. Bradley (1868-1962) fue uno de los primeros cartelistas, su particularidad fue integrar las letras en la imagen. Otra figura fue Maxfield Parrish, con composiciones “basadas en un uso acentuado del color para establecer con él planos alternativos de luz y sombra” (Satué, 2012, p.135). Pero, sin duda, el más destacado fue Edward Penfield (1866-1925), ilustrador y director artístico del Harper's Magazine , con grandes influencias del Modernismo europeo. (Satué, 2012, p.135). En Alemania, el diseño ayudó a impulsar la publicidad y a las publicaciones, la más destacada fue “Jugend”, la cual dió nombre al movimiento modernista Jugendstil (Satué, 2012, p.136). A

partir de 1908 los diseñadores consiguen llevar el cartel al mismo nivel que el arte y se convierte en un medio de comunicación de masas. (Satué, 2012, p.145). BAUHAUS Fue fundada en 1919 por Walter Gropius en la ciudad de Weimar, Alemania. Estableció un canon creativo universal queriendo modernizar la vida de cualquier ciudadano con la intención de mejorar su estilo de vida. Según las plabras de Gropius que dice en su Manifiesto de la Bauhaus : «Los objetos producidos según modelos suministrados por la Bauhaus tendrán un precio bajo, porque se utilizarán todos los métodos modernos, económicos, de la estandarización [...] y por la venta en grandes cantidades. [...] La Bauhaus lucha, contra los sucedáneos desacreditadores, contra el trabajo de nivel mediocre y contra el diletantismo en el campo de las artes aplicadas, por un nuevo trabajo de calidad.» (Gropius, 1926, p. 260). El pensamiento pedagógico de sus maestros fue la educación por medio del arte, la acción, el trabajo. (Fusco, 2005, p. 167). Todas las artes como el diseño, la arquitectura, la danza… todo se aplicó, estudió y experimentó en la Bauhaus. Muchas de sus producciones realizadas en Weimar tuvieron una gran influencia Neoplasticista: muebles y objetos de metal. (Fusco, 2005, p. 170). Y en esta época, los pintores fueron los encargados del taller textil, creando tapices, manteles, telas... en la que trabajaron, principalmente, las mujeres. (Fusco, 2005, p. 176). Toda su producción no estaba pensada para venderse al público sino que eran prototipos para su futura fabricación en la industria, para luego sí estar a la venta al público. Pero tuvieron varias dificultades a la hora de fabricar dichos prototipos, no disponían de todas las máquinas ni del material necesario, ni tampoco de financiación externa, la venta de algunos prototipos no fue suficiente para subsanar el déficit de la escuela. (Fusco, 2005, p. 180, 181). Algunas de las iniciativas tomadas como reclamo comercial fueron la organización de exposiciones. La más reconocida de ese momento fue la de 1923, que incluía conferencias, conciertos, espectáculos teatrales y una convención del Werkbund. Todo ello ayudó a la escuela a darse a conocer a las empresas productoras. (Fusco, 2005, p. 184). En la Segunda Guerra Mundial, con la llegada de los Nazis, la escuela tuvo que cerrar. Los maestros y alumnos tuvieron que exiliar no sin dejar huella allá donde se instalaron. En 1925, la Bauhaus se traslada a Dessau donde se realizan pequeños y grandes proyectos con una multitud de empresas pudiendo así, obtener más fondos para la escuela, creando más talleres y pudiendo recompensar el trabajo de los estudiantes. Contactando con la industria y su producción en serie creando una síntesis entre el arte y la tecnología. También se desarrolló

el diseño gráfico en el ámbito publicitario muy influenciado por el Neoplasticismo y el Dadaísmo. Es ésta época, la escuela, empieza a abandonar casi por completo lo artesanal para volcarse en la producción industrial. (Fusco, 2005, p. 171, 182). En 1928, el suizo Hannes Meyer se hace cargo de la Bauhaus durante 2 años, orientando la escuela más hacia las ideologías de la industria. Su lema era “atender las necesidades de la gente antes que la demanda de lujo”. Ludwig Mies van der Rohe es quien se encarga de la dirección de 1930 a 1933 trasladando la Bauhaus a Berlín. Diseña edificios que irán destinados a trabajadores, creando espacios relativamente pequeños, totalmente funcionales sin dejar de ser atractivos. Tras el cierre de la escuela, el profesor Ernst Neufert redactó un manual básico de arquitectura, en él aparece todas las estandarizaciones necesarias para realizar una buena construcción. Hoy en día se sigue consultando rigurosamente antes de construir cualquier cosa. Pero no todos los objetos fabricados por los diseñadores de la Bauhaus son asequibles a todos los públicos. Antes de la producción en serie, se realizaron diversos objetos exclusivos que hoy en día han adquirido mucho valor. A finales de los años 20, Alfred Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), logró hacer triunfar la Bauhaus en Estados Unidos. Arquitectónicamente hablando, todo el diseño de la vivienda está pensado en el confort del que la va a ocupar, ubicando las áreas más funcionales al norte y los dormitorios al sur, para aprovechar al máximo la luz solar, y por supuesto, el diseño de los muebles está acorde a dicho concepto, a la funcionalidad sin renunciar al confort. Innovan en la creación de piezas prefabricadas que pueden producirse en serie, para ahorrar costes. El diseño es mucho más que simplemente dar forma a los objetos, debe ser la soluciones a los problemas planteados teniendo en cuenta los materiales y su producción. Merce Cunningham fue quien revolucionó el arte de la danza, creando obras sin ningún tipo de trama, lo más importante era, simplemente, el movimiento.

IKEA Y BRAUN CLARO EJEMPLO DE LA BAUHAUS Utilizan una herramienta llamada “Diseño democrático”, tiene 5 normas: la forma que tiene que ser coherente con la función (siendo este concepto muy relacionado con la Bauhaus); la calidad, debe ser buena para tener un buen uso del producto; sostenibilidad  y a precio 

reducido. Estas normas fueron establecidas por el fundador de Ikea, Ingvar Kamprad (1926 – 2018) y están muy relacionadas con la Bauhaus. La casa Braun ha trabajado para crear diseños atemporales en objetos cotidianos. En la época de los 60 y 70 diseñaron una gran cantidad de objetos que hoy en día son una influencia para otras empresas similares, tales como Apple.

CONCLUSIÓN ¿Por qué identificamos sin dificultad un diseño Bauhaus en la actualidad? La escuela Bauhaus apareció en un época muy significativa en la historia de nuestra sociedad y marcó un antes y un después en cuanto al diseño de gran cantidad de facetas artísticas, desde la arquitectura, diseño de objetos cotidiano, a la danza, teatro… Aportó la pureza de las líneas, con diseños limpios, sin elementos recargados y sobre todo muy funcionales, adaptando su forma a su función. Actualmente, la influencia de la Bauhaus es infinita, la tipografía que vemos en anuncios publicitarios, nuevas construcciones, espectáculos de danza contemporánea, diseño de muebles, electrodomésticos, ropa… por todas partes se sigue notando su presencia.

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