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La historiografía del arte: principales corrientes y claves de lectura Mgter. María de las Nieves Agesta Lic. María Jorgelina Ivars (para uso interno de la cátedra)

El presente apunte de cátedra tiene por objetivo facilitar a los estudiantes de los seminarios Historia del Arte y la Cultura I y II el acceso y el análisis crítico de los textos específicos del área mediante la breve presentación de las principales corrientes de la historiografía del arte y de un conjunto básico de sugerencias de lectura, transferibles a otras áreas del conocimiento histórico. Al igual que las demás disciplinas históricas, la Historia del Arte construye sus propios relatos. Sustentados sobre distintas concepciones del arte y de la cultura, los historiadores del arte han definido en el transcurso de los años distintos métodos de aproximación a ese fenómeno que denominan “arte”. Estas aproximaciones intelectuales, estrechamente relacionadas a la subjetividad del investigador pero también a los “hábitos mentales” y a las “creencias” de su época, pueden sistematizarse en modelos o corrientes con metodologías, armazones conceptuales y problemáticas comunes. Preguntas como ¿qué es el arte?, ¿cuál es su relación con los procesos sociohistóricos?, ¿qué fuentes y los procedimientos resultan legítimos para acceder/construir la historia del arte?, ¿cuál es la función social del artista?, ¿cuál es el origen y la dinámica del la creación artística y del mundo del arte?, tendrán, probablemente, respuestas similares para cada uno de los enfoques historiográficos. El objetivo principal es, entonces, ofrecer una cartografía simple y sintética de algunos de los distintos modelos de análisis a fin analizar los presupuestos teóricos subyacentes en ellos y valorar críticamente las hipótesis propuestas por el/los autor/es a partir de las posibilidades que brinda cada perspectiva. Esta multiplicidad de enfoques nos permitirá relativizar el concepto de Verdad y enriquecer nuestra mirada para transformarnos en espectadores críticos y reflexivos *** En primera instancia se introducen teóricamente las distintas corrientes historiográficas, ejemplificándolas con fragmentos de textos de sus principales representantes. A continuación, se presenta un cuadro comparativo de los aportes y limitaciones de las corrientes abordadas. Finalmente, se adjunta una selección de fragmentos del libro del Dr. Armando Casillas Castañeda, Técnicas de lectura y redacción de textos, donde se ofrecen algunas claves para efectuar una lectura analítica y crítica.

1. El método biográfico La historia del arte (o para ser más precisos, de los artistas), entendida como relato o discurso, comienza en el siglo XVI con las Vidas de Giorgio Vasari, arquitecto y humanista, una de las personalidades más importantes de su época en el ámbito cultural. En 1550 apareció la primera edición de dicha obra bajo el título Vidas de los célebres arquitectos, pintores y escultores italianos, desde Cimabue a nuestro tiempo, escritas en lengua toscana por Giorgio Vasari, pintor aretino. Con una útil y necesaria introducción. Desde el punto de vista metodológico, Vasari empleó un criterio biográfico, que ya era utilizado por los humanistas. Pero su importancia reside, fundamentalmente, en que introdujo la categoría historiográfico-cultural de Renacimiento y, a partir de ella, estableció una periodización del desarrollo de Occidente que perdura en la actualidad. Asimismo, junto con la categoría de Renacimiento, inauguró la idea progresiva de la evolución cultural de los hombres al utilizar la teoría, ya conocida por los antiguos, de las tres edades: la infancia del (siglo XIV), la juventud (siglo XV) y la madurez (siglo XVI) que, según opinaba Vasari, había superado a la Antigüedad. Con ello, el autor trataba de legitimar históricamente su propio status artistico. La evolución precedente servía para consolidar la posición del artista en su época, así como su especial situación en el arte del siglo XVI. Arte como mímesis

“De la misma manera que los pintores y artesanos son deudores de la naturaleza, la cual les sirve de modelo continuamente, también lo son de Giotto. Ya, que después de muchos años de guerras y la ruina que conlleva, perdiéndose las buenas maneras de la pintura y el dibujo. Él solamente, aunque había nacido entre artesanos ineptos, resucitó de forma celestial lo que estaba perdido, a lo que hoy llamamos buena forma. Siendo el milagro más grande seguro en esa edad inepta y larga, el que tuviera Giotto fuerza para aprender de sí mismo el dibujo, del cual poco o nada de conocimiento tenía los hombres en aquellos tiempos, solo y por medio de Concepción su buen arte, vuelto de todos mientras vivió. evolutiva …habiendo alcanzado Giotto la edad de 10 años, Bondone le confió guardar un rebaño de del arte ovejas, que cada día llevaba a pastar a un lugar. Como tenía una inclinación innata de su naturaleza para pintar, a menudo por las losas, y en la tierra y arena, pintaba de continuo por placer cosas del natural, o lo que le venia en fantasía. Y siendo que un día Cimabue, celebradísimo pintor, viajando para algunas cosas a Florencia, donde era muy apreciado, encontrado en las afueras de Vespignano a Giotto, mientras que pastaban las ovejas, él había había tomado una piedra plana y había limpiado la losa y, con un pequeño guijarro con punta, retrataba una oveja al natural, sin que nadie le enseñara la manera, solo de su propia naturaleza. Quedándose Cimabue, maravillado, le dijo que quería llevarle con él a enseñarlo. El niño le contestó que si su padre consentía, él también, por lo que pidió a Bondone con insistencia, que tolerase que marchara con él a Florencia, donde en poco tiempo el niño tomó la manera de Cimabue, pero aún más queriendo imitar la naturaleza, superó la torpe manera griega, (comunmente bizantino) y resucitó el arte moderno y la buena pintura, e introdujo el retrato al natural de las personas, que hacía muchos centenares de años que no era utilizado.” “Giotto”, Las vidas de los mas excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos, edición Torrentina 1550.

En la actualidad esta tendencia historiográfica se encuentra vigente en, por ejemplo, las ediciones de Planeta o Salvat sobre Maestros de la pintura o la Pinacoteca de los genios. 2. La historia del arte como historia de un ideal Dos siglos más tarde, en el marco de la Ilustración, se produce un cambio importante en la historiografía del arte. En 1764, Johann Winckelmann, quien a diferencia de Vasari no fue un artista practicante, publicó su Historia del Arte en la Antigüedad, obra en la que presentó una descripción sistemática y periodizada, aún vigente, de la sucesión histórica de los estilos en la escultura griega. A partir de allí podemos hablar de una historia del arte (y no de los artistas) como disciplina autónoma.

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Si bien posee un concepto orgánico del arte que distingue su origen, desarrollo, transformación y decadencia, Winckelmann no utiliza el método biográfico sino que introduce un procedimiento a la vez descriptivo e interpretativo, según los cánones del clasicismo predominantes en la Europa de su momento. Su obra –escrita en el momento de las excavaciones arqueológicas de Pompeya y Herculano y del descubrimiento de Grecia por los viajeros ingleses- tiene, además, un rigor y un cientificismo nuevos con respecto al pasado. Vale destacar, sin embargo, que el autor escribió sobre arte griego sin haber estado jamás en Grecia, teniendo a la vista copias romanas.

Interés por la antigüedad

Concepción evolutiva y progresiva del arte

“La historia del arte en la antigüedad, que doy al público, no constituye una simple exposición cronológica de los cambios que el arte ha experimentado. Tomo la palabra historia en el sentido más Historia del arte amplio que tal término tiene en la lengua griega, ya que mi propósito es ofrecer el compendio de una como sistematización de arte. Y esto es lo que he intentado al tratar del arte en los pueblos de la disciplina antigüedad. Después de hablar del origen del arte en los distintos pueblos que lo han cultivado, trataré en particular del arte de los egipcios y de los etruscos, y a continuación estudiaré de manera especial el arte de los griegos, lo cual constituye el tema principal de toda la obra, y finalmente, pasaré a la Relación arte/ historia del arte en su sentido más estricto, es decir, la historia de las vicisitudes que el arte ha sociedad experimentado con relación a las diferentes circunstancias de los tiempos, principalmente entre los griegos y los romanos. Concepción Mas como principal objetivo de toda la obra me he propuesto tratar de la esencia misma del arte. idealista De acuerdo con tal plan, la historia de los artistas ocupa en la obra escaso lugar, y sería inútil buscar datos históricos, como los que llenan tantas compilaciones, aunque en la segunda parte cito los monumentos artísticos que mejor puedan servir para aclarar los temas tratados. El objeto de una historia del arte razonada consiste, sobre todo, en remontarse hasta los orígenes, seguir sus progresos y variaciones hasta su perfección; marcar su decadencia y caída hasta su desaparición y dar a conocer los diferentes estilos y características del arte de los distintos pueblos, épocas y artistas, demostrando todas las afirmaciones, en la medida de lo posible, por medio de los monumentos de la antigüedades que han llegado hasta nosotros.” “Nos enseñan los más antiguos historiadores que las primeras figuras dibujadas no presentaban sino el contorno y la silueta del hombre y no su aspecto y semejanza. De la simplicidad de las formas se pasó al estudio de las proporciones, estudio que dio la exactitud. Tras aquello fue adquiriendo más audacia, elevándose hasta lo grande, y así el arte llegó poco a poco a lo sublime y alcanzó entre los griegos el más alto grado de la belleza. Después de haber combinado todos los elementos, de haber buscado todas las formas posibles de ornamentación, se cató en lo superfluo, desde entonces se perdió de vista la grandeza del arte, llegando así a su extrema decadencia. […] En este libro se tratará del arte en general; después, de las diferentes materias empleadas en la creación de las obras de arte, y, por último, de la influencia del clima en relación con el arte.”

Mito helénico

Determina ción ambiental

Winckelmann, Johann, Historia del arte en la antigüedad. Observaciones sobre la pintura de los antiguos (selección) [1762], Madrid, Orbis-Hyspamerica, 1985, p. 35 y pp.49-50.

3. La historia del arte como historia de la cultura En el siglo XIX y en el marco del positivismo hegemónico en el discurso científico, Jacob Burckhardt (1818-1897), mediante obras como Cicerone (1855) y La Cultura del Renacimiento en Italia, planteó una renovación sustancial. Se apartó de las teorías positivistas de Taine y sus seguidores. Influido por Hegel, Burckhardt formulaba el zeitgeist o “espíritu de la época” – en este caso del Renacimiento italiano – poniendo en relación hechos artísticos con culturales. Es decir, para el suizo, la inserción de la obra de arte en un determinado contexto no quiere decir que éste tenga que ser el exclusivamente material. Por otra parte, y tal como señala José E. Burucúa, las características que Burckhardt asignó en ese libro a las sociedades y a las experiencias vividas por los hombres en Italia entre los siglos XIV y XVI – nacimiento del individualismo, “descubrimiento del hombre y del mundo”, laicización de la vida social – continúan presentes en nuestra percepción del Renacimiento como antesala del mundo moderno. Una de las críticas que se le ha formulado a su obra es la ignorancia de los problemas de la técnica, las instituciones, la economía, los oficios o la vida de la clase trabajadora.

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Historia del arte como historia de la cultura

“Entendemos que nuestra misión consiste en ofrecer la historia del modo de pensar y de las concepciones del pueblo griego, tratando de destacar las fuerzas vivas, instructivas y destructoras que operan en la vida griega. No narrativamente, pero sí históricamente, sobre todo porque su historia Manifestación es parte de la historia universal, tendremos que ocuparnos de los griegos en sus características del espíritu esenciales […] Todo nuestro estudio tiene que concentrarse ahí, en la historia del espíritu griego. El detalle, el acontecimiento si se quiere, será traído a cuento como testimonio de aquello general que tratamos de captar, y no por razón de sí mismo, porque las realidades que nosotros buscamos son manera de pensar, que también son, a su modo, hechos.” “Fuente es todo lo que se conserva de la antigüedad clásica, y no sólo el mundo literario, sino también, y muy especialmente la arquitectura y las artes plásticas; y, dentro de la literatura, no sólo el historiador, el poeta o el filósofo, el recopilador y comentarista posterior que, muy a menudo, recoge testimonios antiquísimos.”

“[la historia de la cultura] se dirige al interior de la humanidad pretérita, y nos dice CÓMO ERA, QUERÍA, PENSABA, CONTEMPLABA Y DE QUÉ ERA CAPAZ. Como lo que le interesa es algo Énfasis en la constante, al final este algo constante se destaca como más considerable e instructiva que un hecho; permanencia porque los hechos no son más que manifestaciones aisladas de la correspondiente facultad interna.” “la libre elección de emplazamiento y la edificación de un santuario exento del suelo, condiciones de toda estructura superior, sólo podrían llegar con un cambio en la idea de los dioses.”

Concepto de arte

Cambio artístico por cambio en la cultura

Jacob Burckhardt, Historia de la cultura griega, Barcelona, Ibarra, 1953, t. 1., pp. 9, 17-18, 11 y 56.

4. Metodologías formalistas También a mediados del siglo XIX va a surgir en Austria un grupo de historiadores del arte que va a reaccionar contra las metodologías positivistas y la teoría hegeliana del arte, entonces en boga en los círculos filosóficos. El formalismo no rechaza la idea de que el arte sea una actividad espiritual, sino la suposición de que lo espiritual se defina como opuesto a lo sensible. Tratarán de mostrar cómo el contenido específico del arte surge en relación a una forma y por ella. Es en este punto donde la recuperación de la estética formalista de Kant cobra sentido como base de una explicación de lo artístico como actividad autónoma y de la experiencia estética como experiencia de lo formal en los objetos artísticos. El formalismo busca para la historia del arte como disciplina científica un objeto propio, cuya evolución dependa, por tanto, de su propio concepto. Dicha concepción permite reconocer la obra con independencia de la función social que cumple, sea religiosa o de otro tipo, y también de la experiencia que provoque, sea emotiva, ética o cognitiva, placentera o no. Su objeto de estudio es el desarrollo de la forma, considerada como lo específicamente artístico, en sus diferentes manifestaciones. Los representantes más conspicuos del formalismo en las artes plásticas son Aloïs Riegl (18581905) y Heinrich Wölfflin (1864 –1945), creadores de la Escuela de Viena o escuela de la pura visualidad. Eje en la visualida d

“Finalmente habrá de hacerse una Historia del Arte en la que pueda descubrirse paso a paso el desenvolvimiento de la visualidad moderna, una Historia del Arte que no hable sólo de éstos y los otros artistas, sino que ponga de manifiesto, en series sin laguna, cómo ha brotado un estilo pictórico de uno lineal, un estilo tectónico de uno atectónico, etc.”

“Hay que ir afinando cada vez más en esto de la relación del todo y de las partes, tratando de puntualizarla no sólo en la forma del dibujo, sino en la distribución de la luz y del color, para poder llegar a definir los tipos estilísticos individuales. […] Escuelas nacionales y No por esto de descompone la trayectoria de la evolución artística en meros puntos aislados […] Esto estilos quiere decir que junto al estilo personal aparece el de escuela, país y raza.” individuales

Historia de los estilos

“…hemos aclarado los fines o propósitos de una historia del Arte que enfoca en primera línea el estilo como expresión: como expresión de una época y de una sentimentalidad nacional, así como expresión de un temperamento individual.”

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Concepto

“Un examen más atento nos enseña pronto que el Arte no ha retrocedido por esto a un punto en que del tiempo y ya estuvo antes; únicamente la imagen de un movimiento en espiral es lo que se acercaría al hecho la historia real.” Enrique Wölfflin, Conceptos fundamentales en la Historia del Arte [1915], Madrid, Calpe, 1924, pp. I, 7, 13, 314

5. El método iconológico Esta metodología en el estudio de la historia del arte se desarrolla en Alemania, durante el periodo de entreguerras, paralelamente al formalismo y de la mano de Aby Warburg (1866 – 1929), quien en 1920 funda un Instituto en Hamburgo sobre la base de la fabulosa colección de su biblioteca que en 1944 fue incorporado a la Universidad de Londres y allí continúa su trabajo en nuestros días. Como antecedentes de esta nueva metodología en el estudio de la historia del arte se reconocen la obra de los historiadores Emile Mâle (1862 – 1954) y Jacob Burckhardt así como Alois Riegl y Max Dvôrak. Asimismo, la Iconología se basa en algunos aspectos de la fenomenología de Husserl, de las doctrinas de Heidegger y, fundamentalmente, del neokantismo de Ernst Cassirer. Esta corriente metodológica, en contraposición a la Escuela de Viena, se centra en el contenido de la obra de arte, es decir, en el “qué dice”, aunque sin por ello desdeñar el “cómo lo dice”. Por otro lado, se aboca al estudio de la transmisión de los temas del arte antiguo a través de la Edad Media y su resignificación en el Renacimiento. Su principal aporte ha consistido en el hallazgo de indicios que permitan armar una cadena de relaciones fundadas y eslabones verificables entre textos, imágenes, ceremonias, prácticas sociales y culturales para llegar a una cabal comprensión de las obras de arte. Algunos de los principales representantes de los estudios iconológicos fueron Aby Warbug (que se ocupó fundamentalmente de la revitalización y presencia del pensamiento mágico en las culturas italiana y nórdica del Renacimiento), Erwin Panofsky (quien formula el método iconológico), Fritz Saxl (dedicado a los estudios de manuscritos astrológicos y mitológicos), Ernst Gombrich (que se ocupó también de cuestiones de psicología de la percepción estética) y, más recientemente, Carlo Ginzburg (que desde la microhistoria hizo suyos los planteos teóricometodológicos de la iconología warburguiana) En Argentina, uno de los introductores de los estudios iconológicos fue Héctor Ciocchini quien trabajó muchos años en el Instituto Warburg y que fue uno de los fundadores de nuestro Departamento de Humanidades en la UNS.

Unidad palabraimagen

Critica a “ Las fuerzas motrices de un arte viviente del retrato no han de buscarse exclusivamente en el artista; es necesario tener presente que entre retratista y la persona retratada se establece un contacto íntimo historia de los que, en toda época de un gusto más bien afinado, hace nacer entre ambos una esfera de relaciones artistas. recíprocas, de freno o de impulso. El comitente de, de hecho, según que desee asemejarse al tipo Atención a las dominante normativo o, por el contrario, le parezca digno de representación lo propio y particular de su personalidad, establecer también él la tendencia del arte del retrato en el sentido de lo típico o bien relaciones sociales en el de lo individual. […] En centenares de documentos leídos y en millares de documentos no leídos aún sobreviven en el Archivo las voces de los difuntos, y la piedad del historiador tiene el poder de volver a conferir timbre a las voces inaudibles, si no desdeña la fatiga de reconstruir la unidad natural de la palabra y de la imagen.” Warburg, Aby, “Arte del retrato y burguesía florentina. Domenico Ghirlandaio en Santa Trinita. Los retratos de Lorenzo de Medici y de sus familiares”. En: AA.VV. Historia de las imágenes e historia de...