La Memoria Emotiva - - BASICO PDF

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La Memoria Emotiva - - BASICO - New Students Only...

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LA MEMORIA EMOTIVA

(PORKONSTANTIN STRANISLAVSKY)

Cuando interpretas un personaje debes buscar en vos mismo algo que te motive para poder representarlo, si tienes que llorar recordar algún pasaje de tu vida que te haya hecho llorar. Opera por sustitución induciendo al actor a bucear en sus recuerdos para encontrar alguno similar al del personaje sustituyendo las situaciones emotivas de éste por las del propio actor. Esto conlleva algunas limitaciones la primera de las cuales es circunscribir al actor solamente al horizonte de su propia experiencia emocional vedándole la posibilidad de investigar en las situaciones emocionales que la situación dramática reclama. Además, estas situaciones suelen tener poco que ver con experiencias realmente vividas por el actor (asesinatos, incesto, suicidio, etc.) sin contar con las dificultades añadidas si se trata de autores clásicos. ¿Cómo hace el actor para encontrar en sus recuerdos alguna experiencia que le permita componer un duende o algún otro personaje de “Sueño de una noche de verano”? La memoria emotiva es una técnica introspectiva donde el actor se repliega a su interioridad para encontrar el estado emocional necesario para la escena o el personaje que está creando. Ello implica predeterminar el estado emocional del actor/personaje. “En esta escena debo estar triste o feliz o enfadado” Y por lo tanto la acción es el resultado de un estado emocional preconcebido cuando, en realidad, aún no se ha transitado la experiencia para llegar creíblemente a ese estado emocional. Todo este proceso produce el desprendimiento del actor del “aquí y ahora” que es fundamental a fin de dar origen a las conductas imprevisibles del personaje e investigar sobre las mismas.

Konstantín Serguéievich Stanislavski, (1863-1938), Fue el primer pedagogo teatral que se ocupó de la memoria emocional o emotiva, actor, director y autor ruso, nacido en Moscú, fue quien desarticuló el estilo de actuación grandilocuente que imperaba en su época. A una noción completamente idealista sobre la actuación, vinculada a conceptos escasamente objetivos como el talento, la intuición, el genio o la inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitiría encontrar al actor estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos. Stanislavski parte de la premisa de que el actor nunca debe dejar de ser el mismo en escena "Nunca se pierdan a sí mismos en escena. Actúen siempre dentro de su personalidad propia, como artistas. No pueden nunca escaparse sí mismos. El momento en que se pierden, marca el dejar de vivir verdaderamente su papel para caer en la actuación falsa y exagerada" El actor debe ponerse en el lugar de la persona que interpreta y actuar del modo que esa persona lo haría.

Subtexto El subtexto es lo que se lee entre líneas; la información que le proporcionamos al lector sin dársela abiertamente. El subtexto es uno de los ingredientes principales de un buen diálogo. El subtexto nos cuenta lo que ni narrador ni personajes nos cuentan directamente. Permite al lector zambullirse en la escena mucho más profundamente. Y además le permite hacerlo de una forma sensorial y emocional. Gracias al subtexto lectores y personajes pueden experimentar lo mismo. Con el subtexto conseguimos crear ambientes que reflejen estados de ánimo, por ejemplo. Si el narrador consigue transmitir lo que siente el personaje a través de sus descripciones (sin decir lo que siente) conseguirá que el lector sienta lo mismo. El subtexto es una forma excelente de crear tensión y enganche, El subtexto logrará despertar el interés del lector cuando detecte que un personaje va más allá de lo que dice o lo que dicen de él. Cuando descubra que tiene secretos y que él los entiende, se morirá de ganas de saber cómo sigue su historia, y conseguir que el lector siga pasando páginas sin poder parar de leer. El subtexto es la realidad más íntima. La que los personajes no se atreven a reconocer en voz alta. A veces la que ellos mismos no conocen. El subtexto habla de los pensamientos más profundos de un personaje.

Diferencias entre método Stanislavski y Strasberg Tres puntos básicos serán los que me sirvan para fundamentar mi comparación de ambos: RELAJACIÓN: Stanislavski La relajación es fundamental en la labor de un actor. Una tensión completa del cuerpo, únicamente es buena cuando la situación lo requiera. Así, esa pose deja de ser pose, y se convierte en acción, algo mucho más natural. Stanislavski defendía que si hay tensión, un actor no puede interpretar las delicadas emociones de un rol complicado. Strasberg Llegó a definir a la tensión como una “enfermedad” profesional, por lo que la atacó frontalmente. Utilizaba clases previas de relajación, que muchas veces sumían al actor en un estado de descanso tal, que no reaccionaba de manera correcta o natural en escena. Strasberg hablaba de una introspección en sí mismo como forma de llegar a ella. El actor debía zambullirse en su propio mundo. CONCENTRACIÓN: Stanislavski El actor no debe estar concentrado sólo cuando está en escena, debe subir al escenario concentrado con su entorno, debe formar parte de esa escenografía, y sentir que está en un sitio real, no en un escenario. Debe experimentar sensaciones a partir de lo que está viviendo en ese momento, y no de una experiencia previa. Strasberg Él hablaba de que el actor debe estar concentrado sólo cuando está en escena. Strasberg consideraba que el actor sólo debía prestar atención a su mundo interior, a sus experiencias previas, que en caso de pérdida de concentración, le harían regresar a escena. EMOCIÓN: Stanislavski Todo debe surgir como una reacción a lo que está sucediendo en una determinada situación. Además, no consideraba conveniente que se utilizaran meras emociones dela vida real, puesto que el teatro no es exactamente igual, es algo más complejo. El actor debe de sentir lo que está recitando. Strasberg Strasberg defendía el hecho de experimentar situaciones anteriores en la vida real, para luego interpretarlas a través de la experiencia, y no a través de la emoción. Stanislavski defendía el sentir de verdad lo que se estaba interpretando.

Construir un personaje según Stanislavski 1. Motivación Stanislavski pretendía que los actores estudiasen a fondo cada acción del personaje. Somos personas y cada cosa que hacemos tiene un porqué (aunque este a veces no parezca claro). ¿Por qué ha dicho esa frase? ¿Por qué se ríe el personaje ahí? Quizás no aparezca claro en el texto, pero como escritores tenemos que conocer la motivación que lleva al personaje a hacer cada cosa en cada momento. 2. Observación El creador del método analizaba minuciosamente el comportamiento humano. La conducta puede ser algo muy complejo ya que engloba desde acciones concretas, hasta preferencias generales, pasando por gustos, manías (comerse las uñas...), etc. Si como escritores analizamos cómo se comportan otras personas (o nosotros mismos) y buscamos la razón de ese comportamiento, seremos capaces de volcar ese conocimiento en nuestros escritos, creando personajes con una personalidad compleja y desarrollada. 3. Memoria emocional Stanislavski daba como consejo a los actores que estudiaban su sistema el uso de recuerdos y sentimientos propios para mejorar su actuación. Si eres actor y tienes que representar una escena en la que se ha muerto un ser querido, tienes que evocar esos sentimientos. ¿Cómo? Recordando la muerte de un ser querido propio. Si recuerdas la muerte de alguien a quien quieres, la frustración de no volver a verlo, de no poder hablarle de nuevo ni reír juntos ni tan siquiera pelear juntos... si consigues traer todo eso a tu memoria y revivirlo, será una actuación brillante y creíble. Estás sintiendo lo mismo que el personaje.

Método Stanford Melesner Sanford Meisner desarrolla su propia técnica interpretativa basada en el trabajo de Konstantin Stanislavski, cumpliendo así lo que el mismo creador había pedido: “Cread vuestro propio método. Haced algo que funcione para vosotros. Pero seguid rompiendo con la tradición. Os lo imploro”. Para Meisner la esencia es vivir con toda la verdad bajo circunstancias imaginarias. La atención está siempre en el compañero, en el otro actor. De esta manera te quitas presión y no te censuras. Cada uno trabaja desde su punto de vista, sin forzar, sin tensión y sin juzgarse a sí mismo. La “naturalidad” de la interpretación viene del escuchar de verdad y hablar de verdad en el momento. Esta técnica es una herramienta muy efectiva tanto para el trabajo en el escenario como para el trabajo delante de la cámara. Estar actuando de esta manera te permite olvidarte de ti mismo, dejarte en paz, permitir la manifestación de la intuición. La base de la técnica Meisner es el ejercicio de las repeticiones mecánicas. Estas repeticiones son como las escalas para un pianista. El propósito de las repeticiones no es leer comportamiento sino estar en comunión con otra persona y conectar a un nivel profundamente humano. El trabajo continuo con el proceso de asimilar que actuar es hacer, no es sentir. Por lo tanto se dedica tiempo a aprender a hacer y se introduce la noción de “actividad” o “tarea”. Un aspecto importante lo ocupa la imaginación. Esencial en la interpretación es crear unas circunstancias imaginarias basadas en un elemento de la verdad profundamente arraigado en ti, importante para ti.

Diferencia entre método de Meissner y Stanislavski Meisner toma un poco más de la memoria emotiva y trabaja más con la psicología, y Stanislasvski con el cuerpo y su disciplina. Meissner Uno de los ejercicios más importantes de la Técnica Meisner es la “Repetición”, en la cual una persona empieza a hacer un comentario basado en otra persona que tiene enfrente. El comentario se repite una y otra vez hasta que la reacción cambia de manera natural en lugar de hacerlo mediante la manipulación. Stanislavski Su método consiste en llevar a los actores a experimentar sentimientos similares a los del personaje que interpretan por medio de acciones y con ayuda de la “Memoria Emocional”. Es decir, que si por ejemplo el personaje tiene que llorar, el actor trata de sentirse triste rememorando alguna escena de su pasado, se lleva las manos a los ojos y suspira para, tras todo esto, poder desencadenar el llanto....