Resumen Historia del Diseño Grafico PDF

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Resumen HDG 1er parcial¿Cómo evaluar adecuadamente la producción del Diseño Gráfico?Texto de Acha:El arte es un sistema de procesos para satisfacer necesidades de la cultura estética occidental moderna (Con carácter convencional, formal y conceptual). Es la prolongación del proceso artesanal y gremi...

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Resumen HDG 1er parcial ¿Cómo evaluar adecuadamente la producción del Diseño Gráfico? Texto de Acha: El arte es un sistema de procesos para satisfacer necesidades de la cultura estética occidental moderna (Con carácter convencional, formal y conceptual). Es la prolongación del proceso artesanal y gremial que surgió con la emergencia de cambios en la realidad económico social. Las artes son un PROCESO asociado a un lugar y momento determinado. Los primeros del paso del arte a la funcionalidad rastros se pueden ver en Giotto (alrededor del 1300 d.C. en Italia), quien salió de la producción medieval tradicional, el agregar elementos que exceden a la narrativa religiosa, demostrando lo que “pasa” en el mundo real, le agrega necesidades estéticas. Sin embargo, hay restos gremiales en Italia hasta fines del siglo XVI, en España hasta fines del siglo XVIII. En la edad clásica (griegos) lo bello es lo bueno y viceversa. En la edad media las artes se dividían entre las vulgares (con esfuerzo físico) y liberales (no necesitan esfuerzo físico, tienen más reconocimiento). En el siglo XIX, al cambiar el contexto, se “crea” el diseño, al separarse del arte por el funcionamiento del sistema del proceso. En América se importa el modelo académico a fines del siglo XVIII lo cual acelera el proceso de reemplazo del modelo artesanal, sobre todo en pintura, grabado, arquitectura y escultura. ¿Qué características diferencian a la producción artesanal de la artística? Fases:  ASCENDENTE: (1300 al 1600 d.C.) Progresiva paganización de los temas sagrados hasta convertirlos en profanos.  ESPLENDOR (1600 al 1900 d.C.) Desarrollo y hegemonía de las variedades profanas y naturalistas del arte. Pintan escenas del hombre y no religiosas.  DESCENDENTE (1900 a la actualidad) Desarraigo social de los productos artísticos y emergencia de lo conceptual por ruptura del ideal moderno (teleológico). Acha plantea que la emergencia del diseño y del arte tiene que ver con el contexto. Se cree que los diseñadores están en medio del arte y del productor industrial. En la actualidad de evalúan las producciones del arte, las artesanías y el diseño según las siguientes categorías:  Producción

 Producto

 Productor

 Distribución

 Consumo

Los cambios en la producción  Apuntan a separar lo manual (sujeto a reglas) de lo intelectual (producción de belleza)  El oficio razonado – (Renacentista, Siglos XIV-XV) Intentaba representar el orden divino y bello de la naturaleza (mediante la perspectiva, lisas proporciones y la ciencia). Creían ser objetivos.  Durante el siglo XVI y XVII Discusión sobre la razón vs. la sensibilidad. Termina con la noción de belleza académica, que es una teoría sobre la belleza basada en el neoclasicismo.  A partir del siglo XVIII Momento de teorización sistemática de lo enseñable y lo razonable.  Se consolidaron las posiciones del artista como renovador y del artesano como tradicionalista.

Los cambios en los productos y los formatos  Todos los productos son estéticos, pero se perciben de acuerdo al contexto.  Desde el Renacimiento, los productos del arte evolucionaron al Embellecer los temas religiosos.  Siglo XIX: Con la aparición de la fotografía se reorientó hacia la Exaltación de la belleza formal.  Reproductibilidad técnica: se reorientó hacia la Exaltación de la belleza conceptual y de la mercancía. Los cambios en los productores  La cultura estética asociada a las Academias artísticas surge en Italia en el siglo XVI, en Francia en el siglo XVII y en España en el siglo XVIII.  El desarrollo del individualismo propuso que la Libertad de trabajo se contrapone a las normas gremiales de los artesanos.  Esto definió al artista como ser social, con conciencia de sí mismo y fetichizado por el público.  Ciertos artistas del siglo XVIII tienen demasiada influencia y “santifican” los procesos. Los cambios en la distribución  De la producción a pedido, el arte pone el énfasis en la circulación como agente impulsor del valor de la obra, con la reproductibilidad técnica, se puso en crisis esta idea. 

Trabajo manual, individual y libre



Trabajo mecánico, asalariado y capitalista

 Aquí surge la idea de la Industria Cultural Asociada al consumo y el fetichismo de la mercancía.  La política cultural basada en la asociación a: la belleza, entretenimiento, sentimiento, magia y realismo.  Acha considera estas asociaciones falacias en tanto participan de contexto industrial/ capitalista. Los cambios en el consumo  La población occidental sigue pensando en lo mítico/religiosos. Mientras que el pensamiento lógico/científico sigue siendo para minorías ilustradas.  El arte abstracto subraya lo sintáctico/formal rompiendo la relación con saberes asociados a lo figurativo. Intelectualizando el consumo de arte. (Nec. conocimientos teóricos/históricos/empíricos a los que solo accede una minoría). Así, el consumo de arte es algo excepcional (y optativo).  El hombre promedio consume según su gusto (espontáneo/personal/subjetivo e INELUDIBLE) Fuertemente influenciado por los medios masivos de comunicación y asociado su consumo a los utensilios (bellos por ser prácticos y económicos). Panorama de avances durante el Siglo XIX  Imprenta

 Tipografía

 Fotografía

 Litografía

Cambios en la Litografía:  La litografía es el principal instrumento que permite la realización del afiche. Es una técnica de impresión de superficie, que distingue por químicos. En el S. XIX también aparece la fotografía y obliga a cuestionarse a la pintura el concepto de mimesis. Esta no era lo mismo que xilografía (forma de impresión en relieve que lleva mucho tiempo y necesita de mayor cuidado que los metálicos porque se desgasta más rápido).

 Comienza a percibirse un cambio respecto a cómo se producen las imágenes. Cambia también el consumo de las imágenes y como se ponen a la disposición.  En el siglo XIX también aparece la cromolitografía: es la litografía, pero con varias pasadas, arman distintas piedras para poder hacer cruces de registro, realizar varias pasadas de tintas de diferentes colores para permitir la construcción de la imagen a color, es una impresión arriba de la otra, pero se realiza cada color por separado (una pasada de verde, una de rojo, una de negro). Antes no se podía imprimir más de un color. Cambios en la Imprenta: John Walter II The Times se vuelve mas eficiente con la prensa a vapor 29/11/1814 Ottman Mergenthaler Máquina de linotipo: desde la época de Gutenberg se arman las líneas de texto letra por letra. El cambio es al no componer signo por signo sino línea por línea. Velocidad en la construcción de la página impresa  Linotype 1886

   

Cambios en la Tipografía:       

Aparecen las egipcias, antes había solo serif y pocos estilos Pantografo: permite trabajar a menor escala, con tipos más elaborados y decorativos William Caslon IV Aparecen las Sans Serif, se entiende la tipografía (Doric-Grotesques-Gothics) Figgins fue la primera sans serif (1832), se ve muy rústica, le falta ajuste óptico a la O. A mediados del siglo XIX (1874) crean la Clarendon, con serif egipcio, permite desparramar la tinta de manera más homogénea. Se mecaniza el proceso de impresión.

Cambios en la Fotografía:  Niépce (primera fotografía en 1826, desde su ventana)  Daguerre: (avance técnico) desarrollo químico que permite capturar la imagen, fijarla, antes solo cámara oscura.  Eadweard Muybridge Horse in motion 1883  Inicialmente se la entiende como un entretenimiento de las ferias, no arte. En el siglo XIX se lo relaciona con lo mimético, no se cuestiona lo que ve en una fotografía, funciona igual que el ojo. Recién en el S. XX se lo cuestiona.  Con la aparición de la cámara kodak en 1888 la fotografía se vuelve al alcance de todos. Democratización en el acceso de la producción de las imágenes, todavía era en BYN CAP 6 ACHA: Dice que el diseño se apoya sobre actividades proyectivas, proyectar formas reguladas con recursos estéticos y esa proyección va a tener que hacerse en términos industriales (en serie o masivos). Surgen cuando la cultura estética occidental comenzó a necesitar profesionales capaces de introducir recursos estéticos en los productos industriales. Podemos definir a los diseños como: Actividades PROYECTIVAS para introducir RECURSOS ESTÉTICOS en PRODUCTOS INDUSTRIALES (masivos). Tradicionalmente se clasifican en:

 Gráfico  Industrial

 Arquitectura  Urbanismo

 Audiovisual  Icónico-verbales

¿Dónde y cuándo encontramos el origen de los diseños?  El desarrollo de la fotografía en el S XIX, la capacidad de capturar esas imágenes (daguerrotipo).  En la exposición universal de Londres en 1851 se dice que es el momento en que el surge la conciencias por la necesidad de embellecer los productos industriales. Factores con los que opera el diseño originalmente: cómo hacemos para volver estéticos los productos industriales y entender que la fotografía cambia la percepción de la producción de imágenes. Acha toma de Benjamin la idea de antigua y nueva industria de lo bello. Se pasa de una cultura que adquiría conocimientos a partir de textos y desde la segunda mitad del siglo XIX, se aprende de las imágenes. De ahí dice que el diseño está relacionado con la cultura de masas, productos culturales industrializados, las artesanías que funcionan bajo el concepto de comunidad con imágenes religiosas y el arte que es más individual y trata temas profanos. Dentro de los productos culturales masificados se incluye la fotografía, el cine, el tv, el diorama, el panorama, productos técnicos relacionados a las imágenes. A partir del siglo XIX ya no se puede pensar la producción de las imágenes por fuera del predominio del consumo masivo. Que puede ser malo o bueno dependiendo la política. La importancia de la fotografía como procedimiento Rompe el monopolio de los artistas en la producción de las imágenes  Obliga a las artes a cambiar de rumbo, replantear sus fines, abandonar lo mimético  Implica un proceso proyectual (encuadre) similar al de los diseños  Permite la reproducción mecánica y masiva ¿Qué cambios presenta el fenómeno del diseño en la actualidad?  La concepción de las innovaciones, propia de la producción industrializada  La dirección de la ejecución industrial de los mismos Hay que entender la emergencia del diseño en relación al concepto de lo heurístico (descubrir lo nuevo) y hermenéutico (interpretación de textos, transmisión de conocimientos). Para ACHA si hay diseño tiene que haber un componente heurístico, algo relacionado a la innovación de la producción del objeto y algo hermenéutico, esa innovación la tengo que traducir para poder producirla en términos industriales. La mayoría de la producción está puesto al servicio de los intereses de los fabricantes industriales, buscan ganar $ Particularidades de la producción del diseño. Cuatro cuestiones centrales:  Lucro industrial: el industrial pone la fábrica para hacer dinero y se relaciona con: 

Posibilidades tecnológicas



Utilidad práctica



Atractivo estético

Diferencias con otros campos: Para el artista, no hay mucha brecha entre proyectar y ejecutar, al contrario, el diseño requiere un espacio y un esfuerzo mayor. Respecto de la artesanía, el diseño pone el énfasis en la innovación y a diferencia de la ciencia y tecnología (ingeniería), se preocupa por la naturaleza estética del objeto y no la razón.

Desarrollo del poster hacia fines del siglo XIX en Alemania (Plakatstil) El Plakatstil es una forma de producir publicidad que pone en evidencia la poca teoría asociada a la producción de estos afiches. Aprovechan la litografía para poner a la vista a los productos (de manera intuitiva) para generar presencia de marca en la vía pública. La producción industrializada empieza a hacerse visible para la cultura de masas. El que más desarrolla la idea a comienzos del siglo XX es el afichista Lucian Bernhard (Berlín 1905), con afiches simples (mostrar la marca y el objeto sintetizado en un fondo liso), busca reconocimiento por parte del público, la pregnancia visual. Utiliza la litografía. Primeras experiencias con nec. de publicidad mediante afiches para generar reconocimiento. De ahí otras personas comienzan a basarse en el estilo de Bernhard: para que un afiche funcione tiene que haber pregnancia visual, un texto neutro, el objeto sintetizado literal, fondo liso. Por ej Julius Klinger, aunque suele utilizar un elemento exótico para llamar la atención (por ej: el tucán) Otros afichistas: Ludwig Hohlwein (Munich) 1908: firma sus afiches como Bernhard pero no trabaja la idea de la síntesis como el elemento principal del afiche sino que trabaja con texturas visuales. Sus composiciones son más complejas, trabaja la construcción de la profundidad, sensación de dimensión mejor lograda. Con el paso del tiempo se complejiza su trabajo. Hans Rudi Erdt 1910: trabaja las primeras expresiones relacionadas a lo metafórico, no muestra el objeto en sí que está vendiendo. Trabaja mucha síntesis y no le pone énfasis al producto en sí, sino en su utilización y el consumidor. El Plakatstil tiene dificultades y limitaciones cuando aparecen productos intangibles o que ya no son tan fáciles de interpretar gráficamente (ej: dispositivos de seguridad de las ventanas de los trenes, afiche hecho por Hans Rudi Erdt)

Texto de Pevsner. ARTS & CRAFTS: Estado de situación durante el siglo XIX La rev industrial produjo un aumento de prod, demanda, se ha dinamizado la producción industrial y esa va a estar marcada en la primera mitad del s.xix x las malas técnicas y por la ruptura con la conexión artesanal (oficios) Ya no se tiene esa relación entre la producción artística y la artesanía, no tiene la totalidad de la producción de los objetos y es así como puede entenderse la aparición del diseñador. Un artista que se separa del tejido social y un artesano que es dejado de lado por la nueva forma de producción. Es así como entra la figura del diseñador asociada a agregar componentes estéticos a los objetos.

Calidad de objetos, precio de los objetos y la noción de la belleza de los objetos dada por los componentes estéticos. Comienza a aparecer un hueco que necesita una nueva figura. La declinación de los estilos historicistas durante la segunda mitad del siglo XIX Primera mitad: importancia de los estilos historicistas que se relacionan con la gramática, usan la gramática del siglo XIX con elementos que son propios de siglos anteriores, comienzan a producir con formas de épocas anteriores, son estilos de otra época. En la primera mitad del siglo XIX se retoman estilos de otra época que se los trata de amoldar al siglo XIX. La declinación de los estilos historicistas comienza a percibirse con el neogótico, en la segunda mitad del siglo XIX Textos de Ruskin: se edita en 1849 y 1851. Hablan del problema de los estilos historicistas. Ponen en evidencia cuales son los principios que rigen a la actividad artística (base moral y religiosa) y dice que el último estilo histórico que nos debería importar es el gótico. Todos los demás estilos vuelven sobre los estilos del pasado, el gótico es el único que es “coherente consigo mismo”, el único que es “original”, porque los demás solo intentan traer lo que es de otra época. Pevsner dice que Ruskin plantea muy tempranamente el problema que será más visibilizado en el siglo XIX. Se entiende que no tiene que dedicarse a lo mismo que en siglos anteriores. Para Ruskin las act artísticas no deben:  No fomentar la fabricación de un pdto que no sea estrictamente necesario y que no intervenga la invención  No buscar nunca el acabado perfecto por sí mismo sino por algún fin noble o práctico  No fomentar copia o imitación del pasado si no es para poner en valor esas grandes obras Para ruskin lo que hay que revalorizar es el gótico, las formas de pensar de la edad media que fueron los únicos de pensar de manera nueva. La hermandad pre-rafaelista y la Morris & Co: Hacia mediados del siglo XIX se organiza para producir arte como se producía en la Edad Media. Edward Burne-Jones (prerrafaelista) le transmite las ideas de Ruskin a William Morris. Morris a diferencia de los prerrafaelistas no quiere seguir produciendo arte sino objetos. La gente que puede detenerse a hablar de belleza en el siglo XIX son personas que tienen una buena posición económica, teniendo en cuenta que la mayoría de la población era explotada. Hablan de una belleza que tiene esa impronta pq viene de círculos ilustrados. Morris se muda en 1860 a la Red House y no encontrando muebles ni objetos decorativos que cumplieran con sus expectativas, sobre todo relacionadas con la calidad y belleza, funda la Morris & Co destacándose principalmente en las categorías tejidos y papel de empapelar. En el s XIX se diferenciaban los muebles ceremoniales (ornamentales) de los muebles de la vida diaria (funcionalismo, más sencillos). Morris se replantea esta idea, ¿es la ornamentación la que se relaciona a la belleza? Los planteos de W. Morris El objeto tiene que ser económico, tener una buena relación con la belleza y una calidad mejor que la de los productos industrializados, mejor relación en cuanto a la que ofrecían los artesanos. Es muy difícil hacer muebles bellos y de buena calidad y que sean económicos.

En 1860 plantea que no quiere arte para unos pocos, solo se debe ocupar del arte si todos puedan participar de él. Batalla de Morris es contra la producción mecánica: Las formas de producción de carácter industrial son sus enemigas. Vamos a producir aquellos objetos que valga la pena hacer, recupera la forma en la que trabajaban los artesanos medievales. Más tarde afirma que el arte barato es imposible porque cuesta tiempo molestia y reflexión. Los sucesores de Morris y su doctrina Pevsner se concentra en Walter Crane y C.R Ashbee. Subraya a aquellos que tienen una preocupación sobre la producción del diseño y que tienen una propuesta superadora en relación a la de Morris. Plantean en 1890 donde dicen que no se puede pensar a la producción de los objetos en la cultura occidental por fuera de la industria, por el contexto. Ashbee empieza a pensar en que si no se puede pensar x fuera de lo industrial también hay que cambiar la forma de instrucción de las personas. No se niegan a las máquinas como Morris, es entender los beneficios de la producción artesanal (noción de estética que se tenía en lo medieval) e incluirlos a la producción industrializada. Resumen: a mediados de siglo XIX la utilización de belleza con estilos historicistas Morris plantea que hay que volver a como se producía en la Edad Media. Cambio del eje del problema. 1890-1910/20. Discuten la noción de belleza de los prod. Industrializados, (Ornamentos) El objeto tenía que tener una forma y esa forma después se embellecía, esa idea pone en evidencia que hay una disociación entre la formal del objeto y la manera en la que se vuelve bello ese objeto. Se habla de proto funcionalismo, asociado a tratar de distinguir la noción de belleza relacionada a la belleza del objeto o a la forma del objeto. Sullivan en 1892 plantea “El ornamento es un lujo intelectual, no un requisito esencial”, puede existir sin él. Wagner 1894: “Nada que no sea práctico puede ser bello” La noción que tienen sobre el ornamento es entender que se lo puede disociar de la forma y en ese ornamento va a estar todo ese objeto simbólico disociado de la producción de los objetos. La forma no habla de componentes culturales ni de noción de belleza, sino que es el ornamento la forma mediante la cual se incluyen componentes estéticos. Adolf Loos: arquitecto que escribe un artículo donde denuncia la manera en la cual se trabaja en algunos pueblos de Rusia. Cuando el zar se va a visitar pueblos de Rusia para ver cómo están, el ministro de la corte construye enormes escenarios para recibirlo y el zar piensa que todo está bien. Juego de apariencias donde el exterior de los edificios no se condice con el interior de los edificios, una fachada relacionada con lo ornamental que no se relaciona con lo que tienen adentro esos edificios. Para Adolf Loos...