Actividad de corrientes pictoricas PDF

Preview

Summary

artes ...

Description

Corriente pictórica 1. Realismo El Realismo nace hacia 1850 cuando el romanticismo pictórico daba ya ciertos signos de agotamiento, surge exactamente después de la Revolución Francesa de 1848. Una vez conquistados los objetivos, la nueva ideología, ahora triunfante, no necesitaba ya más de la exaltación de sus valores. El Realismo se configura como una escuela pictórica que se opone frontalmente a la cierta idealización con la que el romanticismo presentaba las cosas y los hechos sociales. Ahora lo que interesa es representar la realidad tal cual es, sobre todo esa vida cotidiana de la gente, de los campesinos o los trabajadores industriales sorprendidos en medio de sus tareas. El realismo ha tenido evolución y se ha desarrollado y creado el realismo contemporáneo que buscan, en el arte que estuvo antes de esas catástrofes globales, a los viejos maestros y especialmente, a los artistas clásicos del siglo XIX, cuyos trabajos llegaron a lo más alto antes de la arremetida del modernismo. El Internet se ha vuelto la herramienta más importante para el movimiento realista. Le permite al movimiento ganar fuerza desde hace 10 años al unir las mentes con gustos similares, capacitándolas al encontrarse entre ellos mismos y promover sus pensamientos a otros.

Máximos exponentes El republicano Honoré Daumier (1808-1879) él estaba interesado por los personajes humildes. Era un pintor, escultor y caricaturista muy duro criticando la realidad. Él anarquista Gustave Courbet (1819-1877). Pintor realista con un gran compromiso político y tiene la creencia que la pintura es un instrumento eficaz para defender sus ideas. Una obra suya, "el centro del mundo", es todo un alarde provocador para la época. Él muestra la realidad con crudeza porque la rechaza pero no huye y desea que se reaccione en contra de lo presentado.

Jean François Millet (1814-1875) el más destacado representante del realismo pictórico. En su caso muestra una especial predilección por las obras de tema campesino. Su capacidad para reflejar fielmente la realidad, incluso con un cierto ambiente intimista, la dejó magistralmente demostrada en su obra "el angelus", es como el estandarte del movimiento.

Elementos del contexto social El renacimiento hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. Parecería como si los pintores realistas hubiesen adquirido una clara conciencia de los males que las nuevas estructuras económicas llevaban aparejados y que, ante ellos, hubiesen optado por la denuncia, actuando como notarios en sus cuadros de lo que en la sociedad observaban. Y, en efecto, algunos de estos pintores fueron republicanos radicales e incluso anarquistas que emplearon sus pinceles para denunciar los males de la sociedad capitalista. Este tipo de pintura demanda un gran talento de parte del artista, un buen dominio del dibujo y del color, su meta no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad que se deriva de su educación. Lo escandaloso de los realistas está en los temas, la manera que tienen de afrontar la realidad ya que la técnica es más tradicional, sobria, precisa y elaborada.

Corriente pictórica 2. Impresionismo Surge en el siglo XIX, los pintores impresionistas retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista y no según la supuesta realidad objetiva. Se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países europeos. Al plasmar la luz en los cuadros, se dejaba de lado la identidad de aquello que la

proyectaba, se muestra una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin mezcla. Los tonos oscuros, en cambio, no son usuales. Los impresionistas postularon los principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a los colores que le rodean. Esta corriente estaba en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas,

Máximos exponentes Édouard Mane (1832-1883) con un estilo naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor. Claude Monet (1840-1926) Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con los pintores del S. XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial.

Los artistas antes mencionados son algunos de los máximos exponentes de la pintura impresionista. Cada uno, sin embargo, mantuvo un estilo personal dentro de las características de estilo compartidas por todos los integrantes del movimiento.

Elementos del contexto que impactan el desarrollo de la corriente pictórica. Fue el primer movimiento hacia un arte autónomo. Reacción contra la pintura histórica y narrativa. Proponen un arte que se apoye exclusivamente en el valor de la imagen recogida al aire libre, el contacto con la naturaleza. Traducen los colores en luces, tratan el tema a través de los tonos y no del tema mismo, lo cual distingue a los impresionistas de otros pintores. Esto pone el acento en la “técnica” entendida como búsqueda expresiva, en el destierro casi total de los contenidos para afirmar que un cuadro vale exclusivamente por sus aspectos formales, marcando una revolución respecto al gusto precedente y, sobre todo, preparando el camino en nombre de la autonomía del arte a una relación renovada entre la naturaleza y el arte, entre el artista y el objeto de su representación. Se obstinaron en pintar solo lo que se ve de las cosas, y no lo que se sabe de ellas. Esta tendencia se irá transformando hasta que finalice con el comienzo del arte abstracto.

Corriente pictórica 3. Expresionismo

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento,

la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior y se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Máximos exponentes Ensor (1860-1949) pinta desfiles fantasmales de personajes enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte. Edvard Munch (1863-1944) su estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas que transmiten la angustia y la soledad. Él tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura. En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

Elementos del contexto que impactan el desarrollo de la corriente pictórica. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.

No

importa

ni

la

luz

ni

la

perspectiva,

que

se

altera

intencionadamente. l expresionismo tiene un fuerte carácter político y social.

Eso no quita para que esté revestido de un punto místico, ya que los artistas se afanan, sobre todo y especialmente por dar forma a los tormentos del espíritu humano. El surrealismo, retomará esta tendencia, pero la llevará a otra dimensión menos distorsionada. El expresionismo, de forma muy resumida se caracteriza por: Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Es sin duda un arte de oposición. Surge a partir de las contradicciones que aparecen en la sociedad europea que desembocaron en la matanza de la 1º Guerra Mundial.

Nace sobre una base de protestas y críticas, opuesto al positivismo.

Se trata de un movimiento difícil de definir. Si para el artista naturalista e impresionista, la realidad era algo que había que mirar desde el exterior, para el expresionista era algo que había que vivir desde el interior. La expresión es un movimiento desde el interior al exterior, es el sujeto que se manifiesta en el objeto.

Los padres directos de este movimiento son VAN GOGH, ENSOR, MUNCH, GAUGUIN

Corriente pictórica 4. Surrealismo Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización. El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Máximos exponentes Ernst (1891-1979) utilizaba la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su

huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Tanguy (1900-1985) representa sueños desligados a toda referencia a la realidad.. Magritte (1898-1976) Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinacione. Masson (1896-1987) analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Chagall (1887-1985) presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Joan Miró (1893-1983) Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. Salvador Dalí (1904-1989) es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. .

Elementos del contexto que impactan el desarrollo de la corriente pictórica. Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más

por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Corriente pictórica 5. Cubismo Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida y siete años después (con el comienzo de la I Guerra Mundial) el movimiento se considera agotado. El cubismo replantea la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla. Se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas, por su descomposición de la figura en partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Máximos exponentes Cubismo analítico,

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos George Braque (1882-1963) un gran creador del cubismo junto a Picasso que descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Juan Gris (1887-1927) Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Fernand Leger (1881-1955) El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad.

Elementos del contexto que impactan el desarrollo de la corriente pictórica. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. El arte africano, sobre todo las máscaras de ídolos y dioses, comienzan a ser valoradas por su expresión “cortante” y significativas aristas. En la predilección por este gusto no estuvo solo, ya que el fauvismo también demostró un gusto especial por esta forma expresiva alejada, por entonces, de los estándares expresivos europeos.

Se vuelve a la significación de los materiales, al continente como generador de sentidos. Los descubrimientos del psicoanálisis abonan el terreno para considerar la realidad de forma poliédrica. Los artistas del cubismo harían suya esta idea creando obras en las que se quería mostrar varios momentos a la vez. Los objetos representados (que pueden ser figuras humanas) parecen ser transparentes en un intento por mostrar, de forma plástica, “distintas realidades”.

Corriente pictórica 6. Muralismo La pintura mural es una forma de arte muy antigua. Se encuentra en las paredes de las cuevas prehistóricas, como en las de Altamira, en España, y las de Lascaux, al suroeste de Francia, y constituye un aspecto importante del arte paleolítico. En el Lejano Oriente, la pintura mural se inició en China hacia el año 1700 a.C., de allí se extendió a Corea y Japón. Las paredes de las cuevas de Ajanta, en India, muestran una notable serie de pinturas sobre temas budistas, realizadas al temple (entre el 200 a.C. y el 650 de nuestra era). La pintura mural era una modalidad artística muy desarrollada en el antiguo Egipto n las culturas prehispánicas mesoamericanas se realizaron extraordinarias pinturas murales como las de Cacaxtla en Tlaxcala y las mayas de Bonampak (en México), que conmemoran pasajes bélicos, junto a sus protagonistas, exquisitamente ataviados. En el siglo XX, la resurrección de la pintura mural se debió principalmente el muralismo, movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como

cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana. Máximos exponentes Diego Rivera fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. se caracteriza por su discurso realista y social. En su obra encontramos una visión reconciliadora con nuestro pasado indígena, así como su interés en la ciencia, la naturaleza, lo femenino y masculino, las revueltas sociales y la pobreza del pueblo. Influido por otras corrientes como el cubismo, el impresionismo, el estilo clásico europeo y el arte prehispánico, Rivera nos abruma con la cantidad de imágenes y minuciosos detalles en su obra. Esta característica nos recuerda el estilo barroco, un rasgo que algunos críticos califican como agorafóbico, es decir, cierto temor a dejar espacios vacíos José Clemente Orozco Asiduo a la técnica del fresco, la obra de José Clemente Orozco evoca un carácter expresivo-figurativo. S...