Apuntes de estilos Artísticos PDF

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Apuntes de primero de carrera de estilos artisticos desde el arte egipcio hasta el renacimiento....

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Apuntes de Estilos Artísticos: ¿Por qué se convierte en arte un objeto? Un objeto se convierte en una obra de arte porque es único o representa una época. Para convertir un objeto normal en algo bello o artístico se debe provocar un goce estético debe ser estéticamente perfecto.En el objeto artístico se incluye la expresión. El verdadero arte nace cuando los pintores se preguntaron ¿Por qué la pintura solo imita formas naturales? En el Contemporáneo abunda lo grotesco, lo irreverente, toda obra tiene parte de su autor, de su cultura, ideología.. una obra no es ni inocente ni neutral. Todo el arte hasta el siglo XVIII está lleno de indirectas puestas conscientemente para adoctrinar a los que vean la obra.

Métodos Historiográficos Distintos criterios metodológicos fueron aplicados al análisis de la Historia del Arte -Alguno se acercan a la consideración del artista -Otros proponen el análisis de un arte sin autor -Los más establecen las conexiones con su tiempo y ámbito cultural En general se han desarrollado de manera independiente sin reflexiones y búsquedas comunes.

Primeros métodos historiográficos Winckelmann es el padre de la historia del arte. 1. BIOGRÁFICO: Precedente: Giorgio Vasari (1511-1574) Articulación de la información y desarrollo orgánico en el análisis artístico vinculado al curso vital (infancia, juventud…). 2. ANÁLISIS HISTÓRICO DE LA OBRA DE ARTE: Métodos historiográficos: Generacional, Psicoanalítico (Sigmund Freud) y Del Conocedor o Atribucionista (Giovanni Morelli, en la que la atención está dirigida al autor) 3. METODO ICONOGRAFICO: Análisis de la historia del arte atendiendo a las imágenes como portadoras y transmisoras de ideas y contenidos. Antecedentes: Cesare Ripa. 4. ICONOLOGÍA: Profundiza en sus significados, relacionándolas con aspectos ideológicos, sociales y económicos. Aby Warburg. ¿Qué es el estilo?

Son las cuestiones políticas, sociales y culturales que tiene en común un territorio que las manifiesta a través de formas similares.

TEMA 1- ARTE EGIPCIO Cronología: Imperio Antiguo: [3000 a.C. - 2041 a.C.] Dinastías III y IV. Imperio Medio: [2040 a.C. - 1795 a.C.] Dinastías XI y XII. Imperio Nuevo: [1550 a.C. – 65 a.C.] Dinastías XVIII, XIX, XX

Recoge los gustos de una época entendiendo por gusto la manifestación de los hechos de un lugar con una sociedad en una situación. El arte egipcio no se considera un estilo, sino el arte de una cultura. Se puso de moda debido a los viajes de Napoleón, aunque obviando las bases de su estilo. Se trata de un arte sin relación conceptual con ningún otro estilo. Es un arte complejo debido a que nunca fue concebido como un simple complemento, sino que está lleno de contenido que refleja los pensamientos políticos, religiosos y rituales. En lo religioso predomina el tema de la vida después de la muerte. Piensan que una persona fallecida, para que pueda seguir viviendo se debe conservar el cuerpo extrayendo aquello que lo pudre (las vísceras), y se momifica. El cuerpo está formado por: ● Ka: mantiene relación con todo el entorno del fallecido. ● Ba: le da identidad. El cuerpo momificado debe tener una abertura en la zona de la boca para que el ka salga y vuelva del cuerpo. Además, la tumba debe estar identificada por los familiares a través de alimentos, pinturas, murales que recuerden al fallecido y para que el Ka sepa volver. El egipcio se pasa su vida trabajando y ganando dinero para mantenerse y conseguir una buena para el Ka y el Ba. El arte egipcio se debe a una serie de factores que lo determinaron desde un principio haciéndolo tal cual es. Entre esos factores podemos citar 2 como los principales: la religión, que impuso sus rígidas normas, y el faraón, a cuyo servicio como divinidad terrenal se encontraba el arte . Es por esto que los egipcios desconocían la noción de belleza por sí misma, pues la razón de ser del arte era la de hacer obras con una función, religiosa y ritual y no existía el goce estético de las mismas. El artista por lo tanto era considerado como un simple artesano razón por la cual raramente conocemos nombres de artistas. En este sentido debemos considerar el arte egipcio como un arte colectivo y anónimo. No existe el concepto de creación.

Otra característica del arte egipcio es su rigidez. El arte egipcio no varió prácticamente nada en 3000 años al menos hasta el periodo ptolemaico, en el que pasó a tener mayor relación con el exterior y a recibir sus influencias. Hubo una excepción, los faraones Nefertiti y Amenofis IV Akenatón1 (de la dinastía XVIII) fueron los únicos que se atrevieron a cambiar el arte, aunque para ser sinceros no tenía él mucha opción pues era muy feo y deforme y por ello decidió cambiar el canon corporal faraónico existente por el suyo. Rasgos comunes del arte egipcio: ● Arte monumental, propagandístico y ritual. ● Cohesión e inmutabilidad de las formas debido a: rechazo y aislamiento de las influencias extranjeras y autonomía y autosuficiencia debido a su localización privilegiada cerca del río Nilo. ● Finalidad religiosa-funeraria y cortesana: Sólo el faraón tenía la capacidad de crear, los talleres eran ejecutores de los programas mediante fórmulas invariables. ● Rechazo de la originalidad creadora. ● No conciben las innovaciones artísticas. ● Todas las manifestaciones artísticas estaban supeditadas a la arquitectura, y fieles al concepto de eternidad.

La arquitectura Se caracteriza por su utilidad y eternidad. Utilidad porque buscaban un fin: ya sea ritual, religioso o político. Y eternidad porque la arquitectura funeraria fue creada con materiales duraderos como la piedra (muy abundante allí) para asegurar la inmortalidad del fallecido.Es de este material con el que están construidas las famosas pirámides de Egipto . Primero las tumbas eran pequeñas mastabas, estructuras que servían para marcar el pozo donde estaba pasando la eternidad el familiar, pero a partir de la III dinastía (2686-2125 a.C.) se empezaron a poner las mastabas unas encima de otras, lo que acabó evolucionando a las pirámides. Tal es el caso de la pirámide escalonada de Zoser, la primera de la historia. Sin embargo, y aunque la mayoría eran escalonadas, en la dinastía IV (2613-2494 a.C.) se empezó a revestir las caras de las pirámides con material para rellenar los escalones y que quedaran lisas y también a poner un piramidión (oro en la punta para que reflejase la luz del dios Ra el sol a las 12 del mediodía), como las famosas pirámides de Giza: Micerinos Kefrén y Keops, está última la más grande de todas. La estructura interna de las pirámides es maciza y la tumba del faraón (cámara del rey) ya no está bajo tierra sino que se sitúa en el centro o arriba. Para evitar que esta se derrumbe se colocó una cámara de descarga justo debajo para soportar mejor el peso. Con la llegada del Imperio Nuevo (1150-1069 a.C.) las pirámides abren paso a los templos. En ellos se practicaba el culto funerario al faraón. El templo funerario mejor conocido de la dinastía XVIII es el de Hatshepsut, del que una parte del mismo está construido en la roca y la otra mitad fuera de ella. Estos templos estaban precedidos por una avenida de esfinges que los protegían, tras la cual a los lados de la entrada podía haber dos o más estatuas colosales del faraón situadas en los dos pilonos. Dentro del templo destacan sus columnas que podían estar en patios al aire libre o en salas hipóstilas (colocadas en hileras), todas ellas decoradas con jeroglíficos y bajorrelieves policromados y coronadas por capiteles inspirados en la vegetación (los había de muchas formas: papiriformes, palmiformes, lotiformes…).

Pintura y escultura La pintura y la escultura tienen características comunes: estaban supeditadas a la arquitectura, y su objetivo era, al igual que esta, perpetuar la eternidad del difunto; son imágenes que reflejan el orden social 1 Cambia el culto a Ra por Atón (también dios del Sol). Introduce algunas modificaciones como eliminar el techo de los edificios para que entre más el sol. altera el canon.

existente y no varían en ningún momento; suelen representar al faraón y a los altos funcionarios idealizados e hieráticos pero no representan al resto de la población; en ambas la perspectiva es jerárquica, es decir, que el más grande es el más importante: los dioses eran los mayores, seguidos de los faraones y estos del resto. Las características de la pintura en específico (que también son las mismas que las de los bajorrelieves) nunca cambiaron pues siempre se representa a la realidad preeminentemente de perfil, con gruesas líneas negras delimitando los bordes y una ausencia total de profundidad y, por tanto, de volumen (a ello contribuían los colores planos y la ausencia de sombras). Pero ¿por qué pintaban casi todo de perfil? Desde luego no porque no supieran hacerlo de otro modo sino porque para ellos el mejor ángulo para ver las formas de la realidad es de perfil (un pie, la cabeza, la pierna, un pez, un árbol, un pájaro…). Sin embargo no todo lo pintaban de perfil, el ojo o el torso por ejemplo se representan de frente porque es como mejor se aprecia la forma de los mismos. Ese es el objetivo de sus pinturas, representar el mundo de la forma más completa que se pueda. Asimismo, la temática era muy variada, podía ser religiosa, militar (representando una conquista o una batalla importante), de la vida cotidiana, etc. Características de la pintura egipcia: ● Cabeza, nariz y rostro se pintaban de perfil, excepto el ojo que se pintaba de frente para no perder identidad ni expresividad. ● El torso se pintaba de frente para reconocer al personaje y sus rasgos. ● Las piernas y los pies se pintaban de perfil, aunque generalmente no se sabía cuál era el pie derecho o izquierdo porque no solían pintar el puente. ● Los colores se añaden individualmente. El pintor no es el mismo que el dibujante. ● Figuras con adornos y peluca. ● Cuando se representan escenas de caza en el Nilo, el agua se pinta en vertical para reconocer que es agua Respecto a las características de la escultura son, para empezar, que estaban todas policromadas, a pesar de que hoy se ha perdido el color. A los hombres se les pintaba siempre de un color más oscuro que a las mujeres y los niños estaban representados con el dedo índice sobre los labios como pidiendo silencio (esto simbolizaba lo infantil). Otra diferencia entre los dos sexos es que los hombres siempre tenían el puño cerrado (símbolo de poder) y las mujeres la mano abierta (símbolo de sumisión), en ambos casos en dirección al corazón. Los escribanos por su parte eran representados siempre sentados y sin pies . En cuanto a los faraones, estos contaban con una representación estandarizada en la que a todos se les ve en edad madura, sin ningún tipo de movimiento y con hieratismo absoluto (sin expresión facial). Asimismo, todos ellos llevaban: un nemes en la cabeza, una barbilla postiza, un uraeus en la frente (una serpiente sagrada) y un faldellín de lino (una especie de falda). Las esculturas siguen un canon y se miden con el puño real, por ejemplo, una escultura de un faraón en cuanto a tamaño era 18 puños según el puño del emperador o con el cúbito real (distancia de la muñeca al codo). Normalmente en las esculturas sobre emperadores se busca mostrar su mejor cara, sin emociones, ya que solo debe gobernar (por eso se representa sentado con las manos sobre los muslos y los pies juntos). Las esculturas de altos funcionarios se caracterizaban por tener piernas juntas, un puño sobre la cintura y el otro sobre la pierna. En caso de ser un matrimonio, separan al hombre y la mujer. Los torsos están poco trabajados y las piernas no tienen relación de proporción con su torso. Las mujeres llevan peluca. Solo los niños se pueden representar desnudos. Características de la escultura egipcia: ● ● ● ● ● ● ●

Están sometidas al canon (belleza, salud y madurez) Perspectiva jerárquica (cuanto más importante es el personaje, más grande es la escultura). Las figuras entre sí no siguen una relación ni las leyes de perspectiva Discurso en registros (buscan representar al ser humano tal y como es) Color diferente para hombres (morenos) y mujeres (tonos amarillentos). Los niños se representan con coleta y dos dedos en la boca. Hieratismo. Temas: en la escultura solían ser retratos y en la pintura escenas e historias. La temática varía entre temas religiosos, mitos de faraones y la vida cotidiana

Arte Griego

El arte para los griegos Todo el pensamiento griego es producto de una dualidad entre el pensamiento de los dorios (normas fijas e invariables) y el de los jonios (realidad viviente y percepción sensible). Se trata de una duabilidad factible por las condiciones geográficas, políticas y religiosas. Al inicio se distinguían dos tipos de arte: el arte expresivo (música, danza..) y el arte constructivo (escultura, pintura..). El arte reside en la acción, no en la contemplación, y tenía una función catártica (la obra atrapa al espectador de modo que este se olvida de sus propios problemas) y hacen mímesis (expresar). La primera teoría sobre el arte consideraba que este era una concepción natural del hombre, indispensable para él. Es decir, que el hombre necesita expresarse, y como el hombre es parte de la naturaleza, crea algo distinto de la realidad que es una manifestación de la naturaleza. El arte era producto colectivo y público con capacidad de servir a fines sociales y útiles creando una realidad distinta de la vida. El arte griego es un arte natural y social. Esas artes contemplativas debían ser capaces de expresar cuestiones generales que puede entender toda la sociedad. Al principio estaban ligadas al culto y basadas en formas geométricas porque son más fáciles de entender. Es un arte que depende de los principios religiosos que no aspira a ser variado en formas ni temas. Por eso, para los griegos, la obra perfecta era aquella que estaba bien hecha técnicamente, siendo las técnicas las únicas innovaciones que se pueden buscar. El arte griego es entonces un arte universal, impersonal y racional que depende de la naturaleza. Como concepto de belleza, los griegos desarrollan que es bello todo aquello que gusta y despierta emoción (todo lo justo es bueno, todo lo justo es bello) mezclando así los conceptos morales con los estéticos. Para que una obra sea considerada bella, establecen cuatro conceptos: ● ● ● ●

Gracia Armonía Symmetria Eurithmya

Al principio, para definir arte utilizaban la palabra tekné que es la habilidad manual para someter una obra a las normas y por lo general daban más importancia a las artes liberales (en las que había que utilizar la mente) que a las serviles (sólo se utilizaban las manos). La reiteración era más importante que la creación, una obra era resultado de la habilidad, el material y l a tradición. Se valora todo aquello que reproduce las leyes universales , sobre todo en el mundo clásico. Todo esto lo sabemos a través de los filósofos y los tratados artísticos: Sileno: “De la Symmetria Dórica”. Ictinos: experiencia de la construcción del Partenón. Policleto y Eufranor: sobre escultura. Parrasio: espacio escenográfico. Filóstrato: sobre la symmetria en la pintura.

El arte griego debe estar sometido a un canon heredero de las matemáticas. A través de ideas abstractas intentan acercarse a la naturaleza. Este canon acercaba la obra a la perfección y solo tenía una concepción artística (ni política ni religiosa). Era flexible, es decir, podía ser corregido y cambiado siempre que sea para mejorar la estética, y se expresa matemáticamente.Se expresó por primera vez en arquitectura con la búsqueda de una obra que sirviese a toda la sociedad.

La escultura griega Para los griegos la escultura era una de las actividades más importantes de la expresión artística, presenta las siguientes características: ● Naturalismo, ya desde el siglo VII a.C intentan imitar en sus obras la realidad (mímesis). El realismo debía alcanzarse por medio de la razón y la experiencia, como consecuencia se intenta reproducir la naturaleza y en ella esta incluido el ser humano. Posteriormente este realismo dará paso a una clara idealización. ● Estudio del cuerpo humano que se convertirá en un objetivo prioritario. Todo ello hay que relacionarlo con el antropocentrismo propio de la cultura griega. ● Búsqueda de la belleza, basada en la proporción y el equilibrio de las partes (canon) al igual que en la arquitectura. ● Los materiales más utilizados fueron la piedra, el bronce y sobre todo el mármol. ● Las esculturas en piedras estaban policromadas aunque la mayor parte de los colores se han perdido. La escultura evolucionó desde una primera etapa donde predominan las figuras esquemáticas, pasando por un realismo idealizado típico de la época clásica, hasta llegar al arte realista de la etapa helenística. LA ESCULTURA ARCAICA El periodo arcaico se extiende desde el siglo VII a.C hasta el 480 a.C. En este periodo se empiezan a fijar los estilos y órdenes arquitectónicos y a definir los principales tipos de escultura griega, con una clara influencia egipcia, (hileras de columnas, monumentalidad, sustitución de la madera por grandes sillares de piedra, bajorrelieves en las columnas, esculturas hieráticas y con poco movimiento, etc.) fruto del comercio entre ellos desde finales del siglo VII a.C. Asimismo la pintura predominantemente geométrica del periodo anterior abre paso a las líneas curvas. Pero lo más importante de este periodo es el cambio de pensamiento respecto a la anterior concepción del arte. Los primeros filósofos del siglo VI a.C. sustituyeron el arte constructivo por el arte contemplativo por la siguiente razón: ● Si el arte expresivo es aquel donde el autor puede plasmar sus sentimientos y purificar su alma. ● Entonces el arte contemplativo será el que transmita sentimientos y purifique el alma del que lo contemple, sin necesidad alguna de crearlo. Algunas características de la obra del periodo son: ● Las figuras son hieráticas, se presentan de pie con la pierna izquierda adelantada , en posición de

marcha y los brazos pegados al cuerpo. ● La anatomía es estilizada: espaldas anchas, pliegue inguinal muy marcado, pómulos salientes, grandes ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellos largos y rizados. Asimismo, se empieza a considerar (siempre a partir de los filósofos) al ser humano como lo más bello que existía, razón por la que se empiezan a crear obras que tienen cada vez más de protagonista al hombre (esculturas de personas en actitudes cotidianas, templos pensados para el ojo humano…) pero lo más perfectas posible. Así es como se llega al canon de la perfección, establecido por los filósofos griegos, que toda obra de arte debía poseer: orden, cada parte de la obra debía estar en su sitio; medida, cada obra debía tener una medida dimensional que variaba en función del artista; y proporción, toda obra debía guardar simetría entre sus partes. Todo esto recibía en conjunto el nombre de: euritmia que es la combinación armónica de todo lo anterior. El Kuros es la estatua masculina más característica de la época arcaica. Representa a los jóvenes atletas desnudos, que siguen fielmente las características mencionadas anteriormente. La Kore es una estatua femenina vestida, bien con peplo, o bien con jiton. En ellas se mantiene la actitud rígida, la sonrisa enigmática y el geometrismo. LA ESCULTURA CLÁSICA En la etapa clásica se produce un avance hacia el naturalismo: ● Se abandona la frontalidad. De esta manera se consigue un movimiento más natural, se elimina la rigidez arcaica y se dota a la figura de mayor equilibrio y armonía. ● Los rostros presentan una expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista dando así una apariencia de vida y libertad que antes no poseían. ● La anatomía humana se conoce mejor, y se trata de llegar a la máxima perfección, es decir, a la belleza ideal. Obras representativas de la transición hacia el clasicismo son El Auriga de Delfos o el templo de Zeus en Olimpia. En la escultura del período clásico los griegos pretendieron, con todos sus cálculos matemáticos, representar la realidad pero no tal y como es, sino a modo de síntesis de la misma mediante la idealización. Es decir, los artistas (tales como Policleto, Mirón o Fidias) mostraron ...