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ARTE ESPAÑOL DEL SIGLO XX

Historia del Arte Complutense

Las modas sucedieron e incluso se hibridaron, como los edificios neorománicos y neogóticos, demostrando que no se había entendido la evolución de la arquitectura formando una especie de pastiche sin sentido. Es el caso de la Basílica de

Covadonga, un edificio neorománico o el caso de la Catedral de la Almudena. Madrid no contaba con una catedral y por motivos políticos ligados al poder eclesiástico se realiza un edificio neogótico, improbable en la ciudad. La misma idea de pastiche que se plantea en la Almudena continúa hasta el final, creando una imagen bastante estrambótica. El neogótico se extendió por todas partes, como en el País Vasco con la Iglesia del Buen Pastor en San Sebastián. Se trata de propuestas manieristas que producen un efecto de desequilibrio. Alejandro Ferrant se va a dedicar a documentar como eran los pabellones españoles. Una arquitectura para complacer los tópicos que los extranjeros tenían sobre nosotros. Hubo un principio de renovación, gracias en parte a GAUDI, con la llegada del modernismo. La exposición que tiene lugar en el 88 supone el lanzamiento de la arquitectura de Gaudí. Se trata de una arquitectura extravagante, como el caso del Arco de Vilaseca. La otra gran huella de la exposición del 88 es la construcción de DOMENECH I MUNTANER, que es la entrada a la ciudadela. Es una arquitectura de combinación de materiales. El recorrido del historicismo en la arquitectura fue largo y además tuvo que competir con el eclecticismo. GARNIER es uno de los que forma este estilo que pasa por la utilización de elementos clásicos, su recargamiento y ostentación. La

Opera de Garnier es muy moderna y grandiosa pero lo más impactante es que todo el edificio está construido sobre un gran armazón de hierro. VELÁZQUEZ BOSCO es uno de los arquitectos más activos del momento en Madrid, quien construyó el Ministerio de Fomento, un gran edificio con utilización de materiales nobles con coronación de esculturas ecuestres. Una arquitectura al servicio del poder que utiliza un lenguaje muy clasicista. GRASES Y RIERA,

realiza el Monumento a Alfonso XII, una construcción muy ecléctica con materiales nobles. Esto se produce porque no había ninguna alternativa. Después de esto vendría ya la vanguardia pero de forma muy tímida. También propuestas de este tipo de arquitectura ecléctica es el Palacio de Cristal y el de Velázquez. A finales del siglo XIX, Madrid completó bastante su fisionomía, momento que corresponde a arquitectos como NARCISO PASCUAL, que realiza el Congreso de los Diputados o FRANCISCO JAREÑO y el Museo Arqueológico. Se produce una llegada progresiva de la ingeniería a la arquitectura, un proceso que ha continuado hasta hoy. Esta ha sido explotada por los mejores arquitectos del mundo. Todo este proceso comienza con el Crystal Palace en 1851 de Joseph Paxton

en

Francia.

Inicialmente

estaban

destinados

a

albergar

especies

vegetales. Las fachadas de hierro hablan de un lenguaje moderno. Este proceso de la ingeniería y los nuevos materiales sufrió un impacto con la construcción de la Torre Eiffel. En España se construye el Puente colgante sobre el Nervión de ALBERTO DE PALACIO en 1893. DEMETRIO RIBES es en el ámbito valenciano el que acaba produciendo la síntesis entre las arquitecturas de hierro y la adaptación a nuevos lenguajes como el Art Deco. Construye la Estación del Norte

de Barcelona y de Valencia. En este momento de principios del siglo XX se activan proyectos urbanísticos que se inician en París, con calles comerciales que tienen un seguimiento desigual sobre todo en Madrid y Barcelona. En Madrid en este momento se re ordena la

Puerta del Sol en 1850. Pero el gran proyecto en Madrid fue Arturo Soria. En Barcelona se llevan a cabo dos propuestas, la de Antonio Rovira y la de Ildefonso Cerdà, este último fue el que finalmente triunfó.

ESCULTURA Los artistas estaban atentos a la tradición. España destaca en la escultura barroca. El primero que cambia el concepto de la escultura es Rodin, con un

planteamiento cada vez mas formal y menos temático. Para conseguirlo utiliza el concepto miguelangelesco de dejar partes sin trabajar. En algunos trabajos había incluso un principio de abstracción. Había también propuestas muy radicales como las de MEDARDO ROSSO que trabaja con materiales como la cera para conseguir el efecto de las huellas en la superficie, marcando el proceso de la escultura y por tanto el paso del tiempo. Propone, en lugar del valor del acabado, el interés por el proceso de elaboración. Degas, es el primer ejemplo de ensamblaje de objetos para ganar verosimilitud y para hacerla más viva y cercana al público. Otra propuesta de la escultura mundial era la de Sean, con figuras exóticas, misteriosas y cada vez más abstractas. También veremos la inserción de objetos reales en esculturas simbólicas e ideológicas. En España veremos una escultura preciosista y trabajada que plantea que la escultura es un dominio técnico absoluto. Un ejemplo importante es la Cascada de

la Ciudadela, una construcción monumental que es en parte arquitectura, decoración que finge ser naturaleza con la presencia de dragones. JUAN ROIG realiza una escultura muy novedosa con la virgen con paraguas... ROSENDO NOBAS, muy vinculado al folclore español, trabaja con terracota y con barro. JEROMINO SUÑOL realiza una escultura llamada Dante, que venía de propuestas nazarenistas que se habían dado en Italia. Se hace en madera anunciando el que va a ser el material más identificado por la escultura catalana. Pero a este escultor cuando se le propone un proyecto mayor fracasa, como en el Monumento

a Colón en Madrid, con un estilo muy conservador. RICARDO BELLVER con el Monumento al Ángel caído, representa como el reconocimiento de la escultura sigue residiendo en el valor de lo representado y no en el avance de los planteamientos. AGUSTIN QUEROL y MARIANO BENLLIURE realizan una escultura historicista en el Frontón de la Biblioteca Nacional, con una acumulación de alegorías que supone una escultura desligada de su tiempo. El mismo Querol realiza el Monumento a Quevedo. El otro importante escultor era Mariano Benlliure realiza el Monumento al General Martinez Campos, donde encontramos

de nuevo la escultura que quiere ser naturaleza y un poco exaltación al poder. Benlluire hacia también muchos retratos y autorretratos donde vemos una faceta más libre pues no tiene que complacer a nadie ya que era para consumo propio. MIGUEL BLAY supuso una modernización de la escultura. Fue director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y director de la Academia de España en Roma. Empezó con este modernismo con Los primeros fríos , una escultura de un anciano y un niño sin ropa que tratan de sobrevivir, tratados de forma sensible. El tratamiento es muy pulido, con importancia de la piel, de la arruga. Realiza también un tipo de retrato modernista como Mujer y flores de 1910. En Madrid realiza el Monumento a Federico Rubio, donde vemos de nuevo las grandes figuras con combinación de materiales. JOSÉ LLIMONA realiza una escultura llamada

Desconsuelo, convertido en una especie de llanto. Estas esculturas acabaron copando el Cementerio de Montjuic, y adquiriendo esta connotación lúgubre.

PINTURA La pintura en España en la segunda mitad del siglo XIX es el sistema visual más complejo que hubo. La circulación de artistas desde y hacia España permitió una visión más rica. Sistemas de exhibición: En 1856 se produce la primera Exposición Nacional de Bellas Artes, que tienen una larga duración. Tienen un discurso general de la Academia y de los pintores más conservadores. Estaban organizadas por el poder, formadas por un jurado que seleccionaba las obras por cuestiones de moralidad. Los premios significaban dinero, adquisición de las obras por el Estado y acceso en la escala de la pintura. Tenían claro cuál era su orden jerárquico en la pintura. El mejor pintor era el pintor de historia, luego los de paisaje y bodegón y los retratos era un género un poco móvil. Pintura de historia: los conservadores seguían pensando que la buena pintura es un ejemplo de virtud, y es la que educa moralmente a un pueblo: enseñar los grandes hechos del pasado de la Nación. La clase media alta necesitaba ejemplos

en los que verse reflejados. Los temas eran claros: temas de religión, temas de la historia de la creación de España. La pintura de historia era el género que mejor demostraba el dominio técnico, pues había mucha figura humana, pintura de tejidos y ropajes, la pintura de interiores, incluía bodegones, etc. En 1870 Francisco de Mendoza escribió un libro sobre como pintar cuadros de historia. Este género empieza a perder fuelle en los años 90 hacia la pintura lacrimógena. Solo en los años 10 y 20 la pintura lacrimógena dio paso a la pintura regionalista: gallegos y gallegas, catalanes, etc. Pintura de paisaje: genero con una evidente tendencia nacionalista. Hay una diversidad y se trabaja en un ambiente de modernidad. Pintura de retrato: conectaba todos los siglos de la pintura española. El alma de España a través de los retratos de El Greco, Goya, Madrazo, etc. La burguesía acabo sustituyendo a la monarquía y la iglesia como clientes, para ser recodados. 9/10/2013 EL MODERNISMO La Renaixensa es el movimiento que ocupa todas las tendencias artísticas en Barcelona, que había tenido un principio de formulación en el tercer cuarto del siglo XIX. Este movimiento va a ser el que defina el Modernismo. Pero este llegó un punto que dejo de ser moderno y pasó a convertirse en una tradición más. El lenguaje que en el año 88 era moderno y de ruptura, en 20 años ya era algo bastante arqueologizante. DOMENECH I MONTANER es el primer arquitecto importante del Modernismo, que tuvo bajo su protección a GAUDI. Construyó la

entrada al Parque de la Ciudadela, un estilo que se llama modernista pero que exteriormente

habla

del

pasado,

creando

un

problema

de

identidad.

El

Modernismo catalán necesitaba de una tradición, que por otra parte es confusa, porque es por un lado medieval y por otro nórdica. Este pabellón del 88 situó una construcción de reminiscencia de la Edad Media en plena ciudad que

resultaba chocante y en cierto modo condiciona el aspecto de

muchos otros edificios modernistas. Se trata de construcciones más visuales que

espaciales. Simbolizan todo el nuevo planteamiento de una clase media burguesa que quería recuperar sus orígenes medievales. En 1905 Domenech i Montaner se encarga del Palau de la Música de Cataluña, muy típico del final del Modernismo con un recargamiento y propio de otra época. La propia idea del ensanche provocó una división entre los modernistas. Algunos criticaron mucho este espacio pero muchos otros se aprovecharon de este nuevo espacio

para

firmar

contratos

de

construcción.

Utilizaron

esos

lenguajes

historicistas, con la arquitectura como símbolo con un edificio neomedieval. También de Domenech i Montaner es el Hospital de San Pablo de 1902, donde se ve un despliegue de simbologías, tipologías y elementos de la Edad Media y el primer Renacimiento. El Modernismo se difundió por otros lugares de la geografía española, como forma de búsqueda del prestigio del lenguaje arquitectónico. Otro problema del Modernismo es que se acaba reduciendo siempre a la figura de Gaudí que muere en 1926, en el tiempo de las Vanguardias. Desde el año 98 esta en fase de beatificación, que es lógico dentro de este contexto catalanista que era muy católico. GAUDI trabaja mayoritariamente para familia de clase media-alta, que utilizan la arquitectura como representación del poder. Se trataba de diseñar nuevas estructuras espaciales que representaran una cierta idea del pasado y por otra parte un recurso insistente hacia la fantasía. Los caminos del Modernismo y de Gaudí están tan trabados que es difícil diferencial cuales son las aportaciones del uno al otro. Se utilizan materiales de otros tiempos recuperados, que convierten la arquitectura en un entretenimiento. El Parque Güell hay ese proceso de ensamblaje que

recupera cabezas de muñecos.

Esta

idea

del objeto

encontrado es una idea que va a asumir la Vanguardia más radical. Gaudí es un arquitecto que siempre invita a nuevas lecturas. Pero la vinculación religiosa en Gaudí va más allá de lo que podamos imaginar. La

Casa Milá adquiere formas de montañas u olas, pero también se entendió como un enorme pedestal para la Virgen María. Por otro lado también puede ser entendido

como una propuesta futurista. Finalmente el aspecto religioso se extiende desde lo más obvio como es la

Sagrada Familia. Se trata de una nueva catedral del siglo XX. Lo más sutil es el recorrido que propone el Parque Güell. DALÍ recupero el debate en los años 30 desde París. Desde la revista Minotauro, orientada hacia la antropología, publica “De la belleza terrible y comestible del

Modern Style”. ¿Hasta qué punto el Modernismo seguía siendo moderno o se había convertido solo en un estilo más?. En el caso de Dalí se está produciendo por un lado, la consagración definitiva del estilo modernista y por otro que el Modernismo es ya sólo un estilo. Prefiere una arquitectura que sorprenda al espectador, que le haga tener miedo, el edificio como sorpresa que debe ser descubierto por el espectador. El Modernismo se quedó reducido a un único lenguaje como vemos en el Palacio

Episcopal de Gaudí, con un aspecto de castillo de cuento de hadas pero que en su interior no es demasiado funcional. Además hay una inconexión con el edificio de al lado que es la Catedral. La creación de nuevos edificios movió el mercado del arte al necesitar estos de mucha decoración. Florecieron los escultores, pintores, vidrieros, etc. MIGUEL BLAY es uno de ellos, que son siempre catalanes. Su propuesta modernista es unir a lo auténtico una cierta hipocresía. La escultura modernista tuvo un recorrido más tardío que la pintura. Su consagración se produce entre 1907, con una exposición internacional en Barcelona donde se presentan escultores como CLARÁ, CLARASSÓ e incluso alguna escultura de Rodin. En el caso de CLARASSÓ vemos esculturas de decoración agradable, hacia 1920, con un lenguaje muy edulcorado y suavizado. Temas muy propios del fin de siglo, como en el caso de LLIMONA con la escultura La primera comunión de 1897. La mujer ocupa el centro de todas las prácticas artísticas como modelo, se convierte en el centro del Modernismo como un objeto de recreación. Uno de los escultores más importantes va a ser PABLO GARGALLO, que tiende a una

escultura más tradicional de formas suaves. Una de sus esculturas más famosas es La bestia del hombre. Estos escultores empezaron a llenar las fuentes y los cementerios. Son figuras que producen un efecto muy contradictorio porque tienen la sensualidad de la escultura modernista pero se sitúan en un escenario poco propicio a esa sensualidad como son los cementerios. Se puso de moda la idea de obra de arte total, de origen nórdico, pero aplicado a una ciudad que se definía como mediterránea. También destaca el trabajo decorativo en madera donde se busca a parte de la elegancia, el virtuosismo como en el caso de GASPAR HOMAR o en el caso de Gaudí, ejemplo de que el artista modernista puede serlo en varios campos, en el caso de la Silla... ALEXANDRE DE RIQUER es uno de los prerafaelitas más fieles y había diseñado un mueble muy singular, porque cuando se abren las puertas hay más de una docena de pequeños cuadros de artistas diferente, convirtiéndose en una especie de enciclopedia artística. También realizaba pintura, la cual es difícil de definir. En ese tiempo había un espíritu común que se denomina zeitgeist. Riquer realiza una pintura mural para el Instituto Industrial de Terrassa, de tema extravagante y donde vemos referencias al Mediterráneo, pero también a lo nórdico con la idea del bosque. El estilo viene de Francia, es a temporal y vinculado a la idea de industria. Las figuras femeninas se enfrentan al sudor de los trabajadores. Las referencias del Modernismo vienen de lejos como los prerafaelitas, que se crearon en Londres en 1848. De ellos los modernistas copian el sentido de evocación, la importancia de la mujer que asume todos los papeles posibles (salvadora, pecadora, etc.) y un interés por recuperar historias del pasado y también por ofrecer una visión realista y naturalista de los detalles de la escenografía. Pintan con gran cuidado la naturaleza para que parezca uno de esos tipos que se estaban extendiendo por Europa. Todo esto estaba influyendo en una parte de los catalanes modernistas como Riquer o JOAN BRULL con su obra

Ensueño.

Frente

a

esto

está

la

pintura

más

académica,

de

historia

y

conservadora donde se cuenta la historia de la Nación. Otro de estos artistas es A. GUAL, que nos habla de un pasado mítico. El Modernismo necesitaba un icono que sería RAMÓN CASAS, que se convirtió en el personaje a seguir. Era hijo de un industrial que había hecho fortuna en Cuba antes del 98, por lo que pertenece a la clase media-alta. Nace en el 66 y hacia el año 81 le llevan a París, donde se apunta en academias elegantes de un pintor que era seguidor de Manet, quien estará muy presente en obras de Casas. Desde los 80 actúa como puente entre París y Barcelona, es el primero que levanta este puente por el que pasarán numerosos pintores. Desde el principio sueña con hacer un nuevo arte clásico pero inspirado en modelos reales y urbanos, que son heterodoxos como los habitantes de cafés nocturnos, etc. Conoce a Rusiñol, con quien intercambia retratos. Casas pinta a Rusiñol como un dandi, un personaje elegante. Le sitúa en un interior bien trabajado, con la profundidad necesaria. En la pared hay un par de cuadros de paisaje realista y detrás se adivina una cabeza que remite a Las Meninas, de manera que es el Realismo y la tradición del Siglo de Oro lo que está presente. En 1890 pinta Plein air (Al aire libre), donde una mujer está tomando algo en una mesa. Tiene una atmósfera nublada, nórdica que está muy lograda. Pero a Casas le pareció siempre lo peor que había pintado. Al año siguiente pinta Moulin de la Galette, que tiene mucho que ver con el cuadro de Barra del Folies-Bergère de Manet. Una versión no tan recargada como la de Manet, pues le interesa remarcar la modernidad en la mujer que tiene un cigarro en la mano y está sola. El espejo transmite la idea de espacio y de atmósfera, al modo de Manet. Los cuadros de Casas están construidos sólidamente, le preocupa mucho el espacio. Es un pintor de ciudad, por lo que organiza el espacio con muchas zonas de vacío frente a otras pobladas. Siempre hay un dominio del azul y del blanco. En el 93/94 pinta Desnudo, la obra clave que causó polémica, algo que necesitaba la trayectoria de Casas para destacar en su carrera. Pinto una serie de trece cuadros como este. En España nadie había apuntado antes una obra como esta y

se le acusó de pornografía y obscenidad. Él se defendió siempre diciendo que eran estudios plásticos

de

formas

en

movimiento, que

no

había

ninguna

connotación de las que se le acusaban. También era pintor de historia como en el cuadro Garrote vil, ambientados en su Barcelona donde la importancia del público es mayoritaria. El cuadro fue presentado en la Nacional de Bellas Artes y ganó un premio. Es un cuadro de crónica más dinámica y periodística, algo que se hace mucho mas patente en La carga de 1899. En él pinta una Barcelona que no existe, con edificios parecidos a los qu...