Arte renacentista y barroco PDF

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resumen del arte renacentista y barroco...

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RENACIMIENTO Y BARROCO. RESUMEN 1) El Renacimiento: - Introducción: Se inicia en torno al Siglo XV un movimiento artístico conocido como Renacimiento. Durante este período el arte se va a caracterizar por un intento de recuperación de los valores perdidos en la Edad Media. Se dirige la mirada hacia Grecia y Roma, con excavaciones arqueológicas y análisis de las obras conservadas gracias a la labor de los monasterios. El hombre vuelve a ser el centro del universo, todo está hecho por y para el hombre. Los artistas se liberan de los gremios medievales, firman sus obras y buscan la fama. Hay un gusto por el saber, unido al antropocentrismo, y se elaboran leyes como la de la perspectiva y la teoría de las proporciones del cuerpo humano. Florencia va a ser la artífice de esta nueva mentalidad. Se ha convertido en una ciudad rica, floreciente, con industrias y comerciantes por doquier. La familia Médicis, ricos comerciantes, proponen el nuevo ideal de riqueza: Retorno a los valores clásicos, protección a los artistas (mecenazgo) a cambio de aparecer en las obras y trabajar para ellos, adquisición de obras de arte como símbolo de poder y liderazgo...; Ante el abandono del pesimismo medieval los artistas optarán por un arte más alegre, volverán los paisajes, el concepto de armonía, de belleza. La invención de la perspectiva (aunque las bases estaban ya expuestas por los clásicos) supuso una revolución técnica que logró situar a los seres humanos en la naturaleza y los edificios en el paisaje urbano. - Pintura Italiana del Trecento. Siena y Florencia: - SIMONE MARTINI: La escuela Sienesa es una continuación de la tradición Bizantina. Los pintores de esta zona no abandonaron nunca a este lenguaje pero lo renovaron con las novedades del gótico. Simone Martini es una síntesis de las dos corrientes, con un arte preciosista. Sus primeras obras fueron encargos municipales para decorar al fresco el salón de plenos del ayuntamiento de Siena. En el retrato del condottiero “Guidoriccio da Fogliano” encontramos el primer retrato ecuestre del arte Italiano. Su obra maestra, sin embargo, es la “Anunciación”, donde funde los dorados bizantinos con las líneas ondulantes del gótico Francés. - GIOTTO: Florencia cambia el arte de pintar de lo griego a lo latino. Giotto rompe definitivamente con la “manera” griega y crea un lenguaje plástico con volúmenes, paisajes y figuras graves. En las “historias franciscanas” de la basílica de Asís pinta 28 frescos donde destacan los colores y las formas macizas.

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El paisaje se dilata y aparecen animales o elementos arquitectónicos. En la capilla funeraria de “Enrico Scrovegui” va más allá. Los personajes individualizan sus expresiones, intercambiándose miradas y consiguiendo escenas de gran contenido dramático. - El Quatrocento Italiano: El Siglo XV en Italia es una época de fragmentación. Todo el territorio Italiano está dividido en ciudades-estado, gobernadas por príncipes y tiranos. Es característico en las clases más altas el gusto por la belleza, el lujo en vestiduras y viviendas, con fiestas y banquetes frecuentes. Arquitectura - BRUNELLESCHI: Participa en el concurso para fundir las segundas puertas del baptisterio de Florencia que ganaría Guiberti. Comenzó siendo orfebre y escultor, pero en un viaje a Roma la visión de las antiguas ruinas de la que fue la ciudad más impresionante de la antigüedad le provoca el deseo de dedicarse a la arquitectura. La construcción de la cúpula de la catedral de Florencia le dará gloria y fama a partir de entonces. Brunelleschi desarrolla la técnica de la cúpula disminuyendo el peso y aumentando su altura. Su proyecto consiste en cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas, encofrando una dentro de otra, dejando una cámara de aire entre ambas estructuras. Trata entonces de conjugar en sus proyectos elementos de la tradición Romana con la perspectiva Renacentista, creada por él mismo. En los elementos clásicos utiliza columnas de fuste liso cuando construye pórticos y basílicas, y pilastras estriadas cuando edifica capillas de planta central. En todos los casos usa capiteles corintios de ocho volutas. La perspectiva armoniza visualmente las masas del espacio, graduándolas según las leyes ópticas. Algunos edificios importantes diseñados por este arquitecto son el “Hospital de los inocentes” y las basílicas del “Espíritu santo” y “San Lorenzo”. En 1429 edifica la “Capilla Pazzi”, otro gran ejemplo de su estilo. - leon battista ALBERTI: Representa el hombre Renacentista, sobresaliendo en todas las artes, incluso en el atletismo o la música. Escribió tratados sobre pintura, escultura y arquitectura y defiende por vez primera en la historia el aspecto intelectual del arquitecto, como dibujante de planos e inventador de maquetas. El ”palacio Rucellai” se convertirá en el prototipo de la mansión ciudadana del Renacimiento. Aboga por la comodidad, la aparente sencillez antes que por la apariencia. Inspirándose en el coliseo romano, fragmenta la fachada en tres pisos de órdenes superpuestos. Sus trabajos en templos consistirán en remodelar edificios del medievo añadiéndoles portadas renacentistas con proporciones perfectas y elementos clásicos: “Santa María Novella”, Florencia o “San Francisco”, Rímini.

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Sin embargo, la construcción religiosa más importante es “San Andrés” de Mantua. Tiene una planta de nave única con capillas entre contrafuertes, modelo que copiará Vignola un siglo después para los templos de la contrarreforma. Escultura - lorenzo GUIBERTI: En 1401 gana el mencionado concurso para construir las segundas puertas del baptisterio de Florencia. Durante su fundición trabajaron dos jóvenes auxiliares: Paolo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista. Poco después se le encargan las terceras puertas, que suponen ya la asimilación de planteamientos clásicos. Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las fuentes de inspiración. Guiberti crea también estatuas independientes, como el “San Juan bautista” y “San Mateo”. En sus expresiones se puede observar la gracia y la dulzura. Una belleza ideal ante la que reaccionará Donatello. - DONATELLO: Fue el escultor más influyente del siglo XV. Domina excepcionalmente todas las técnicas y materiales, dota a sus esculturas de profundidad psicológica y utiliza una poderosa imaginación para definir tanto la tumba como el púlpito o la estatua ecuestre. Para la capilla Or San Michelle realiza el evangelista “San Marcos” y el excepcional “San Jorge”, la primera escultura a tamaño natural desde la antigüedad. Aquí Donatello utiliza la perspectiva lineal con el nombre de Schiacciato, consistente en graduar la composición mediante una sucesión de planos aplastados, que prestan efecto pictórico al conjunto. Junto con el arquitecto Michelozzo dará forma a la tumba y al púlpito: Adosan a una pared un arco de triunfo romano y superponen en su interior, de abajo a arriba, el sarcófago sostenido por virtudes, la inscripción que alude a la fama del difunto y un tondo con la imagen de la virgen (Tumba del “antipapa Juan XXIII”, tumba del “Cardenal Rainaldo brancacci”). Antes de abandonar Florencia esculpe el “David”, considerado como el primer desnudo masculino del arte europeo desde los antiguos. Ya en Padua crea el famoso “Gattamelata”, donde resucita el modelo romano del monumento ecuestre. En su última época vuelve a Florencia y sufre una crisis anti-humanista. Esculpe la “Magdalena Penitente”, que anticipa la angustia transmitida por Miguel Ángel.

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Pintura - FRA ANGELICO: Empezó como iluminador de manuscritos, lo que le dotó de una técnica depurada y preciosista. Sus obras son herederas del gótico. Utiliza colores brillantes y fondos dorados, las imágenes son estilizadas y la luz invade la composición. Se le puede considerar del Quatrocento porque utiliza la arquitectura y la perspectiva (“La anunciación”). Está más interesado por la línea que por el volumen. - MASSACCIO: Tuvo una corta vida. Técnicamente es el primer artista que construye con el color, preocupándose por el volumen y los efectos tridimensionales. En los frescos de la capilla Brancacci traslada las conquistas escultóricas realizadas por Donatello (Gravedad psicológica en los personajes, carácter corpóreo) a la pintura. En el fresco “La trinidad” podemos observar por primera vez la perspectiva matemática de Brunelleschi aplicada a la pintura. - PIERO DELLA FRANCESCA: Va a superar a Massaccio combinando la luz y el color en la construcción del volumen. Su arte se caracteriza por modelar al hombre, a los objetos y al paisaje mediante la fusión de la luz y el color, reducir la naturaleza a figuras geométricas y rigor matemático en el uso de la perspectiva. Piero es también el retratista cortesano de los príncipes y tiranos del Quatrocento. Son ejemplos el “retrato de Segismundo malatesta” o el “retrato del duque Battista Sforza”. En la “Virgen de Senigallia” copiará la técnica de las veladuras al óleo de los pintores flamencos. Escribió también tratados de pintura donde exponía las reglas de su arte. - sandro BOTTICELLI: “El mejor artista del diseño lineal que haya habido en Europa” según proclamaba en el siglo XIX el crítico Bernad Berenson. Botticelli se forma en un taller de orfebrería hasta que se convierte en un artista independiente, convirtiéndose en el artista favorito del entorno de los Médici. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante. En “la primavera” y “el nacimiento de Venus” podemos observar una técnica delicada, con gusto por las líneas suaves y el movimiento. Trata temas mitológicos con sensibilidad y fantasía. En 1492 fallece Lorenzo de Médici (“Il magnífico”). Las siluetas flotantes, los vestidos de gasa y los tocados desaparecen. El monje Dominico Savonarola censura a los artistas por escandalizar al pueblo, pintando a los seres sagrados de modo deshonesto.

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Botticelli se convierte en seguidor del monje y destierra el espíritu profano de su producción. Sus últimas obras están empapadas de un fuerte sentimiento religioso, que enlaza con la espiritualidad gótica. - El cinquecento y la crisis del manierismo: A la muerte de Lorenzo “El magnífico” Roma sucede a Florencia como capital del arte Renacentista. El siglo XVI es la época “clásica”, donde surgen los grandes genios pero también un tumultuoso período social. Bajo los pontificados de Julio II y León X la ciudad eterna va a vivir una edad de oro de las artes. Este espíritu triunfante sufre una gravísima crisis en 1527. Se saquea Roma, la reforma protestante siembra de dudas a los artistas y los Españoles dominan la mayor parte de Italia. La copia de la “maniera” personal de los grandes maestros (Miguel Ángel, Leonardo, Rafael..), pero vaciándola de contenido y forma, es lo que se ha dado en llamar Manierismo. Surgen pues imágenes sinuosas, alargadas o cuadradas; composiciones confusas por el frenesí y el uso de la luz nocturna. La impresión general de estas obras es de tensión y ruptura de las reglas del arte clásico. Arquitectura - BRAMANTE: Representa la severidad arquitectónica. Adquiere en Urbino los conocimientos de la perspectiva arquitectónica y en Milán el ideario de los edificios de planta centralizada. Por último viajará a Roma para estudiar las ruinas, completando un estilo solemne, presidido por el orden dórico y sin concesión ornamental. Diseña un templete de planta circular en el punto exacto donde se supone fue crucificado San Pedro. Este edificio se convertirá en canon de belleza arquitectónica y en símbolo del renacimiento clásico. En el “palacio Belvedere” articula un conjunto suntuoso, inspirado en las villas romanas, con jardines, patio interior y galerías que le convierten en un maestro de la perspectiva arquitectónica También le fue encargada la dificil tarea de reconstruir la basílica de San Pedro. Propone un edificio de planta central, con forma de cruz griega inscrita en un cuadrado de ábsides salientes. Todo ello inspirado en modelos antiguos. - MIGUEL ÁNGEL: El encargado de culminar la cúpula de San Pedro fue Miguel Ángel. Original y con personalidad, este hombre del renacimiento utiliza en “La sacristía nueva” (en principio reservada a ser tumba de cuatro Médici) frontones curvos y ventanas ciegas, característicos de su producción arquitectónica. En la “biblioteca laurenziana” utiliza los cánones clásicos en un ejercicio anticlacisista genial.

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- PALLADIO: Su preocupación máxima fue adaptar a las formas de la antigüedad las necesidades modernas. Su realización más característica son las modernas villas campestres, diseminadas entre Vicenza, Verona y Venecia. Eran al mismo tiempo lugares de ocio y centros productivos. “Villa barbaro” y “rotonda” son dos ejemplos de su arquitectura, con cuatro fachadas iguales y una cúpula central encima del gran salón. Sus obras religiosas se concentran en Venecia (el complejo monástico “San Lorenzo Maggiore”, con su fachada de dos frontones y alternancia de materiales, mármol y ladrillo). Escultura - MIGUEL ÁNGEL: Él mismo se consideraba escultor, a pesar de sobresalir en la arquitectura, la pintura, la ingeniería o la poesía...; Desde Florencia se traslada a Roma, donde esculpe en principio la conocida “piedad”. Le seguirá el “David”, gigantesca obra inspirada en la estuatuaria clásica que evidencia los profundos conocimientos anatómicos del artista. A partir de aquí su producción se volverá menos dulce. Diseña para el papa Julio II un monumento grandioso que finalmente no se construirá tal y como fue pensado por Miguel Ángel. De las 47 esculturas proyectadas sólo se realizaron 8: “dos esclavos” (Louvre), “cuatro esclavos” en la Academia de Florencia, la “Victoria” del palazzo vecchio y el “Moisés”, que es la única que se conserva en el mausoleo. Estas esculturas muestran los aspectos del arte de Miguel Ángel: la potencia dramática o “terribilitá” y el inacabado (non finito) que aplicaba a sus imágenes. Los “Sepulcros Mediceos” son otra gran creación, con alegorías escultóricas junto a los retratos de los difuntos. A partir de 1550 Miguel Ángel sólo realizará variaciones sobre el tema de la piedad de María (piedad palestrina, piedad rondanini...). Pintura - LEONARDO: Su principal aportación va a ser la técnica del “sfumato” o difuminado, que consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante claroscuros en el espacio. Cursará su aprendizaje en el taller del pintor y escultor Verrochio, donde ya dio muestras de su genialidad. En “la virgen de las rocas” ya define la composición piramidal y su célebre Sfumato. Su “Última cena” es considerada una obra maestra, aunque muy deteriorada a causa de la técnica utilizada, pintar al temple sobre pared. Leonardo visualizó en su obra las “almas” de los personajes, dándole entidad a cada uno de ellos. El retrato de la “Mona lisa” o

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“Gioconda” es el culmen de su técnica, sobre un paisaje de atmósfera pavorosa pinta una delicada figura en una composición clásica con su ya famosa sonrisa enigmática. - RAFAEL: Dueño de un lenguaje comprensible, sereno y armónico, su pintura adquiere tonalidades claras, posturas elegantes y paisajes idílicos. También profundiza en el estudio de la perspectiva. Con su serie de Madonnas asimila la composición piramidal y el sfumato de Leonardo (Virgen del jilguero). Julio II lo convoca a Roma y le encarga las “estancias vaticanas”, frescos que representan alegorías sobre la jurisprudencia, la poesía, la teología y la filosofía. En la villa farnesina retrata a su propia amante (triunfo de galatea), y es que el campo del retrato fue otra de sus especialidades (Julio II o Leon X). - MIGUEL ÁNGEL: Se inicia en el arte a través de la pintura. El “Tondo Doni” es un temple sobre tabla muy apreciado por sus contemporáneos, con una complicada estructura donde destacan el escorzo de la virgen, el esplendor plástico de sus figuras y los desnudos que están en un segundo plano. Se dice que Miguel Ángel pasaba horas descuartizando cadáveres en el Hospital del Espíritu Santo, donde indagaba la trama de los tendones y músculos, y aprendió los secretos de la anatomía. Realiza la “capilla Sixtina” desde 1508 hasta 1512. Allí narra la creación y la caída del hombre tal y como figura en el Génesis. El papa Paulo III decide no darle descanso ante el éxito obtenido y le apremia para que decore la “Capilla Paolina”. Será su última obra pictórica. - LA ESCUELA VENECIANA. TIZIANO: Venecia es la capital del color mientras Florencia es la capital cerebral del dibujo. Tiziano será el maestro indiscutible de la escuela Veneciana, envuelve sus obras en tonalidades calientes, con blancos y azules intensos. Su primera obra maestra es la “asunción de la virgen”. Dota a las figuras de un clasicismo colosal, fragmentando la composición en tres pisos y envolviendo a María en una nube dorada. En el “Retablo Pesaro” rompe la simetría frontal para introducir un punto de vista lateral. Es nombrado pintor de la corte en España y allí realiza varios retratos famosos (Carlos V vencedor en Mühlberg). Para la nobleza realiza composiciones más “idilicas”, pinturas de bacanales y fábulas mitológicas con fuertes dosis de erotismo (Dánae). En su última época anticipa el trazo impresionista. Vasari dijo que sus cuadros “no se pueden mirar de cerca, pero de lejos resultan perfectos”.

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- El renacimiento y el manierismo en España: La venida de artistas Italianos a trabajar en la península, la educación de españoles en florencia y roma, o la llegada de libros y arquitectura grabadas propiciaron que se adoptaran las formas renacentistas en nuestro país. Arquitectura - PLATERESCO: Es una modalidad ornamental que mezcla el gusto por la riqueza y la suntuosidad dominante de los edificios mudéjares con el gótico nacionalista de los reyes católicos. Utiliza paneles de grutescos sin contar con la estructura del mueble, dado que los arquitectos aún no se han desprendido de la manera de hacer medieval. No hay una búsqueda de las proporciones clásicas. El ayuntamiento de Sevilla es un ejemplo. - ROMANISMO: Aquí se asimilan ya las proporciones clásicas. Diego de Siloé va a ser el introductor de esta corriente. Diseña la catedral de Granada, un edificio revolucionario en el arte Español, con deambulatorio en la cabecera y una basílica de cinco naves escalonadas en el cuerpo. La cabecera es gigantesca, con un “martyrium” que había de servir a Carlos V como panteón real. - PURISMO: Consiste en aplicar la preceptiva clásica despojándola de adornos. Dos monumentos representan esta corriente, el palacio de Carlos V en Granada y el Monasterio de San Lorenzo el real, en el Escorial. La realización del primero se llevó a cabo por Pedro Machuca. Se decide por un esquema geométrico de planta central, e inscribe un patio central dentro de un cuadrado. El primer piso es de orden dórico y el segundo de orden jónico. “El Escorial” debía servir a la vez de palacio, panteón y convento. Los encargados de crear este complejo fueron Juan Bautista de Toledo (que falleció durante la construcción del mismo) y, finalmente, Juan de Herrera, que modificó el proyecto. Herrera combina volúmenes geométricos con pilastras, frisos y cornisas de orden dórico. Es un edificio grandioso pero tremendamente austero. El plano tiene forma de parrilla, por haber dado muerte al propio San Lorenzo con este instrumento.

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Escultura El imaginero debía dar en sus obras más importancia a la belleza del alma sobre la corporal, labrando figuras de profunda espiritualidad. El uso de las imágenes había sido ordenado por la iglesia para reverenciar a los santos y despertar la devoción. - ALONSO BERRUGUETE: Debía trabajar deprisa y por encargo, pero aún así nos ha legado espléndidos retablos como el de “San Benito el real”, en Valladolid o el del “Colegio de los Irlandeses” de Salamanca. Estos conjuntos están acotados por balaustres y contienen en su interior imágenes crispadas, descarnadas y alargadas, ya que utiliza como canon la “quintupla”, es decir, 10 veces la medida del rostro. - JUAN DE JUNI: Concentra en su estilo tres sensibilidades distintas: la Francesa, la Italiana y la Española. De Borgoña aprende el dinamismo de los paños, en Italia perfecciona el perfil de las telas, la simetría de l...