Recensión Jiménez, J., Arte es todo lo que los hombres llaman arte PDF

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Antonio Jiménez Fajardo. Grupo AJIMENEZ, J., “Arte es todo los que los hombres llaman arte”, en Teoría del arte. Madrid, Editorial Tecnos, 2006, pp. 17- 52BREVE BIOGRAFÍA DEL AUTORJosé Jiménez es Doctor en Filosofía y Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid...

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Antonio Jiménez Fajardo. Grupo A JIMENEZ, J., “Arte es todo los que los hombres llaman arte”, en Teoría del arte. Madrid, Editorial Tecnos, 2006, pp. 17-52 BREVE BIOGRAFÍA DEL AUTOR José Jiménez es Doctor en Filosofía y Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha ocupado los cargos de Director del Instituto Cervantes de París y Director General de Bellas Artes y Bienes Culturales. Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de La Plata, Argentina. Es Académico Correspondiente en España de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina Ha sido Promotor y Director del Instituto de Estética y Teoría de las Arte y Miembro del Patronato del Centro Galego de Arte Contemporánea. Forma parte de los patronatos de la Fundación Helga de Alvear y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX Pilar Citoler En la actualidad, es miembro de los Consejos Asesores de importantes revistas especializadas. Entre sus publicaciones destacan Imágenes del hombre. Fundamentos de Estética (1986, 1989, 1998, 2017), Teoría del arte (2002, 2004) y Crítica en acto. Textos e intervenciones sobre arte y artistas españoles contemporáneos (2014). CUESTIONES PLANTEADAS A. ¿Qué pretende el autor con las continuas preguntas ¿pero esto es arte? Para poder justificarlo de forma sencilla hay que acudir a uno de los últimos párrafos del capítulo. En él, el autor hace referencia a la incertidumbre generada en el mundo artístico, considerado durante mucho tiempo estable, y que desde el siglo pasado ha ido cambiando de manera continua. En este capítulo, José Jiménez, partiendo de un hecho significativo en el mundo del arte, como fue el hurto en 1911, de la Gioconda o Mona Lisa (1503-1506) de Leonardo da Vinci, nos propone hacer un recorrido histórico por el tratamiento dado a la imagen del cuadro para poder concluir, al final, en ¿qué es arte?. La Gioconda fue considerada una obra maestra desde el momento en que se pintó y a lo largo del tiempo fue adquiriendo un halo que la convirtió en una obra mítica. Se convirtió, como dice

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el autor, en “un espejo simbólico en el que ver reflejados los deseos y ansiedades de un determinado momento de nuestra cultura” 1 El hurto provocó la reproducción masiva de la imagen, lo que la hizo muy popular. Como consecuencia de su recuperación, en 1914, es nuevamente reproducida, apareciendo en ilustraciones, tarjetas postales y reclamos publicitarios. La obra, gracias

los medios de

comunicación de masas, trascendía más allá de los canales que hasta ese momento existían para conocer el arte y se transformaba. La posibilidad de reproducir las imágenes de las obras de arte permitió acercar el arte, hasta entonces exclusivo de determinados ambientes culturales, a todas aquellas personas que quisieran admirarlo, entrando en la cadena de consumo. Como dice J. Jiménez, “nada podría ya volver a ser como antes”.2 Este cambio conceptual no pasó desapercibido. Artistas, como Kasimir Malevich, Duchamp y, más tarde, Andy Warloh, utilizaron reproducciones de la Mona Lisa en algunas de sus creaciones artísticas. La primera vez que J. Jiménez pregunta ¿Es esto arte?, lo hace en relación con la plastinación. A pesar de que los medios de comunicación presentan el trabajo del doctor von Hagens como obra de arte, no es más que una técnica anatómica realizada con “una voluntad de presentación estética”3. Quieren dar a entender que el arte no tiene límites, aunque no todo vale en el mundo del arte Después de hacer referencias a la obra de Damien Hirst, de nuevo vuelve a cuestionar el arte, afirmando que el concepto de arte y sus límites son algo cambiante que depende de la época y de la situación cultural. Finalmente termina concluyendo que se considera arte las “propuestas planteadas en el marco de la institución arte tal y como ésta se configura en nuestro tiempo”4. B. En las últimas páginas, el autor hace una defensa del nuevo espectador y de la necesidad de mantener la “exigencia crítica”. ¿Con qué argumentos? El arte ha ido adquiriendo una libertad de expresión absoluta, sin poseer un código único ni predeterminado. José Jiménez propone en su obra la necesidad de desarrollar y ejercitar la

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capacidad crítica. La existencia de un nuevo espectador es fundamental en el arte actual. Este nuevo espectador debe ser crítico, abierto y tener una visión independiente, que debe desembarazarse de prejuicios. Debe examinar el arte desde su propia coherencia. La visión plural y diversa y la capacidad de aceptar la multitud de códigos y lenguajes utilizados en la expresión artística sin fundamentales. La mirada crítica debe huir del espectáculo, tal como afirma Antonio Saura, a veces propiciado por las propias instituciones del arte y la mayoría de las veces, facilitado por los medios de comunicación que todo lo banalizan y buscan solamente la noticia, sin apenas entrar en el trasfondo artístico de las obras. Además, la inmediatez de estos medios no deja mucho margen de tiempo para que se asimile y se enjuicie la obra de arte. “La inmediatez de la imagen hace muy difícil el pensamiento porque no permite la abstracción y el conocimiento”5. Esta exigencia crítica nos debe llevar a pensar que no todo lo que produce es arte. No todas las propuestas artísticas son válidas y debemos ser conscientes de que “la última palabra sobre el valor de una obra no se formula de modo inmediato, sino mucho después. Es la prueba del tiempo”6 C. ¿Cómo explica el autor la propuesta de definición de Dino Formaggio, que dice que “Arte es todo aquello a que los hombres llaman arte”? El autor lo explica bajo dos aspectos diferentes. En primer lugar, explica la dificultad de la definición para establecer límites y normas que permitan separar lo que es arte de lo que no lo es. Al ser una definición tan abierta, es imposible establecer estos límites. En segundo lugar, destaca la necesidad de que los canales institucionales así lo denominen. En el proceso de legitimación del arte intervienen las galerías, las revistas especializadas, las exposiciones públicas, los críticos de arte y, por supuesto, los museos. D. ¿Qué papel juega la institución arte en la legitimación de las obras de arte? A lo largo de la historia los gobernantes, la nobleza, la burguesía o la iglesia, a actuar como mecenas, validaron el arte. En la actualidad, son las instituciones las que lo hacen. Museos como el MoMA, Tate Modem o Guggenheim, casas de subasta como Sothebys, galerías como Gagosian o Saatchi o revistas especializadas como Artforum tiene una influencia decisiva en el proceso de legitimización del arte.

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E. ¿Qué es el ready made y cómo se produce su conversión en objeto estético? ¿Y un ready made recíproco? En este capítulo del libro, José Jiménez hace referencia a la definición que hace André Breton de esta técnica “objetos manufacturados promovidos a la dignidad de objetos de arte por la elección del artista”7. El término tiene su origen en una obra realizada por Marcel Duchamp en 1915. Consiste en utilizar objetos producidos industrialmente, con una intervención mínima, elevándolos a la categoría artística. Los primeros ready mede fueron Rueda de bicicleta (1913) y Farmacia (1914). El ready mede recíproco es un objeto derivado del ready made que por su naturaleza es impracticable. Es utilizar o transformar una obra para su uso cotidiano. Para explicarlo Duchamp propuso utilizar un Rembrandt como tabla de planchar. VALORACIÓN PERSONAL Observando el índice de la obra uno se puede dar cuenta que ésta está pensada como libro de consulta para las personas que estudian Historia del Arte. No es una obra divulgativa, ni tampoco un ensayo erudito. El lenguaje que utiliza el autor en este capítulo es sencillo y claro, asequible para todas las personas que quieran interesarse en el arte. En este capítulo nos invita a reflexionar sobre el concepto de arte y sobre el papel que, como espectadores críticos, podemos alcanzar. Como en cualquier otro libro, la introducción nos acerca al contenido teórico del mismo y José Jiménez no escoge el título de este primer capítulo por casualidad. La respuesta “Arte es todo lo que los hombres llaman arte” del filósofo italiano Dino Formaggio nos abre la posibilidad de definir el arte de una forma sumamente abierta y relativa. Explica cómo el concepto de arte se ha ido transformando a lo largo del tiempo como consecuencia de un proceso de transformación cultural. Además, plantea la cuestión de quién legitima el arte. El autor se abstiene de hacer un relato histórico del concepto de arte a lo largo de la historia. Cuando hace referencia a los diferentes movimientos artísticos, lo sin emitir juicio de valor alguno. Muy al contrario, deja abierta la posibilidad de que sea el lector quien lo haga. Hace un recorrido por los momentos más significativos del siglo XX, haciendo hincapié en el papel de los medios de comunicación de la época en la reproducción de las obras de arte y,

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como consecuencia, su banalización y al papel de las vanguardias artísticas y la ruptura conceptual que estas ocasionan. Jiménez, incluso habla de pérdida de respeto a la obra. Esa es la razón que lleva a Duchamp a realizar un ready made con la Gioconda. Detrás de cada una de las propuestas artística que refiere hay una invitación a que reflexionemos sobre el concepto de arte. La Fuente, de Duchamp, Mierda de artista, de Manzoni, o La Santísima Virgen, de Chris Ofili, fueron obras que impactaron de forma brusca y removieron nuestro concepto ilustrado del arte. Con ellas, todas consideradas obras de arte, José Jiménez nos propone abandonar los prejuicios adquiridos y relativizar su definición. Pero además, nos invita a que seamos espectadores que formemos parte activa en la obra, pues lo que pretende el artista es llamar nuestra atención, removernos y no solamente que la contemplemos de forma pasiva. Nos sugiere ser espectadores críticos, con criterio propio e independiente, abiertos a la pluralidad de códigos y lenguajes representativos, inconformistas. Esa exigencia crítica es la que, según el autor justifican una teoría del arte. José Jiménez os previene para no caer en el pensamiento de que todo lo que se produce es arte. Como dice expresamente Jiménez, “no todo vale”8. Para ello debemos cuestionarnos el papel de los medios de comunicación y los intereses mercantilistas de algunos sectores de las instituciones del arte. Si antiguamente el poder político, religioso o económico dirigía y mantenía la producción artística, en la actualidad es el dinero quien lo hace. Es precisamente el mercado del arte el que está más interesado en no poner límites al arte y a difundir que cualquier producción puede ser considerada artística. Por último, cuando hace referencia a la plastinación, pone en duda su identidad artística. Pero, sobre todo, se cuestiona cuáles pueden ser o son los límites del arte. Este método de tratamiento de los tejidos orgánicos permite exponer el cuerpo con todos sus órganos a la vista fuera del privado ámbito médico. ¿Dónde está el límite cuando puede considerarse un cuerpo humano, transformado químicamente, en un objeto artístico digno de admiración?

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Finaliza el capítulo reafirmando el autor el carácter “intensamente indefinido, móvil

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cambiante”9 del concepto de arte y reconociendo la individualidad de la experiencia artística. GLOSARIO Arte povera. El “arte pobre” es una corriente artística que utiliza objetos sin valor real ni artístico, generalmente de desecho, considerados no bellos, en contraposición al arte tradicional que suele utilizar materiales nobles. Trata de llamar la atención hacia objetos cotidianos a los que no se les había atribuido cualidad artística alguna. Entre los autores más representativos de esta corriente artística destacan Kounellis, Anselmo, Zoiro y Perone. El pintor español Antoni Tapies también ha cultivado este arte. Poiesis. Es un término utilizado por Cornelius Castoriadis (1922-1997) para referirse a la creación y de lo que de ella se deriva. Premio Turner. Es un galardón que se concede a un artista británico menor de 50 años. Lo organiza la Galería Tate de Londres y se convoca anualmente. Está dotado con 40000 £. En la edición de 2017 se le concedió a la artista, nacida en Tanzania, Lumaina Himid. Retrato en escorzo en tres cuartos. El escorzo es un recurso de la pintura que permite dar sensación de profundidad y perspectiva al cuadro. Hacerlo en tres cuartos supone representar solamente las tres cuartas partes del cuerpo, generalmente de rodillas hacia arriba.

Vanguardias artísticas. El término hacer referencia a un conjunto de movimientos artísticos que surgen entre finales del siglo XIX y a lo largo del XX y XXI como reacción a la existencia de un orden previo y la necesidad innovar en el arte y de romper con los cánones. Entre ellas se incluyen al fauvismo, expresionismo, cubismo, dadaísmo y surrealismo.

Chris Ofili (Manchester, 1968). Es un pintor contemporáneo británico, de origen nigeriano. Recibió el prestigioso Premio Turner en 1998. Haciendo referencia a su herencia nigeriana, utiliza el estiércol de elefante en sus creaciones. Comenzó a ser conocido a raíz de la controversia creada por una de sus obras, La Santísima Virgen María (1996), realizada con recortes de revistas pornográficas. Ha sido fundador del grupo Freeness, que reunió a artistas, productores y músicos de grupos étnicos minoritarios en el reino Unido. En 2017 fue nombrado Comandante de la Orden del Reino Británico por su contribución al arte.

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Jannis Kounellis (El Pireo, 1936 – Roma 2017). En sus inicios pintó lienzos y hacía collages, hasta que en 1967 se unió al grupo del arte povera, siendo uno de sus mayores exponentes. Utilizó todo tipo de materiales, animales vivos e incluso en cuerpo humano. Su lema artístico era que había que “salir del marco”.

Joseph Beuys (Krefeld, 1921 – Düsseldorf, 1986). Artista alemán cuya obra mezcló escultura, instalación y acción. Para él la importancia de una obra radicaba en la idea, no en el resultado. Fue uno de los artistas que estructuraron el arte conceptual. Formó parte del grupo Fluxus. Desde 1961 a 1972 ejerció la docencia en la Academia de Düsseldorf, cambiando radicalmente el enfoque de la enseñanza del arte.

Jake Chapman (Cheltenham, 1966) y Dinos Chapman (Londres, 1962). Son hermanos y artistas conceptuales ingleses. Los hermanos Chapman se presentaron en una de las primeras exposiciones colectivas de los YBAs, titulada ¡Brillante!. Son temas habituales en sus obras la muerte, el sexo o el nazismo, siempre tratados de forma grotesca. Son conocidos por sus apropiaciones, como la de comprar la edición, de 1937, de los Desastres de Goya y sustituir las caras de las víctimas por muñecos y caras de payaso.

Kasimir Malevich (Kiev, 1879 – Leningrado, 1935). Pintor ucraniano creador del suprematismo, movimiento que predica la supremacía de la nada y la representación del mundo a través de formas geométricas. Malevich reduce los elementos pictóricos al plano, el cuadrado, el círculo y la cruz, para representar el vacío y la supremacía de la nada.

Marc Quinn (Londres, 1964). Artista británico contemporáneo que vive y trabaja en Londres. Es otro miembro de los YBAs. Es conocido por explorar la forma humana s través de materiales no convencionales. Como la serie de autorretratos Self, que son bustos hechos con la sangre congelada del artista. Cada cinco años crea una serie des esculturas adicionales que recrean el envejecimiento y la evolución del artista con el paso del tiempo.

Marcus Harvey (Ledds, 1963). Se graduó en el Goldsmith´s College a finales de los 80 junto con los otros miembros del grupo conocido como Young Brithis Artist (YBAs). Harvey se hizo famoso después de que su polémica pintura Myra fuera exhibida en la Royal Academy de Londres en 1997 como parte de la exposición Sensation. Su trabajo se centra, fundamentalmente, en la pintura y la escultura.

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Piero Manzoni (Soncino, 1933 – Milán, 1963). Artista italiano, que consideraba el cuerpo del artista como productor de arte y, por tanto, todo lo que tocaba o de él saliese era una obra artística. Creó obras como Aliento de artista, en la cual hincha globos con su aire, o Mierda de artista, en la que enlata sus propias heces.

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