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DISENO HOY, TEMAS CONTEMPORANEOS DE DISEÑO (RAQUEL PELTA)Hacia 1984 el pensamiento occidental ,y con él en el diseño , se encontraba inmerso en eso que se ha denominado “posmodernidad”, un término confuso que desde la década de 1970 ha servido para etiquetar una serie de prácticas y teorías diversas...

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DISENO HOY, TEMAS CONTEMPORANEOS DE DISEÑO (RAQUEL PELTA) Hacia 1984 el pensamiento occidental ,y con él en el diseño , se encontraba inmerso en eso que se ha denominado “posmodernidad”, un término confuso que desde la década de 1970 ha servido para etiquetar una serie de prácticas y teorías diversas cuya intención parecía ser la ruptura con el proyecto moderno y la intención de excederlo. ! Justo en ese momento apareció una nueva tecnología que daría un vuelco a las maneras de trabajar de los diseñadores el ordenador Macintosh de Apple.! Posiblemente una tecnología no provoque por sí sola transformaciones en las mentalidades de la sociedad en la que surge, pero para muchos el Macintosh se convirtió en una herramienta crucial para poner en práctica un buen número de los discursos teóricos e investigaciones que venían planteandose ya, al menos, desde la década de 1970.! El Mac llegaba pues en una época de convulsión para el diseño, en una coyuntura en la que, a cuenta de la posmodernidad se estaba pasando factura al movimiento moderno que tanto peso había tenido en la historia del propio diseño durante la mayor parte del siglo XX. ! Y es que muchas de las ideas de la modernidad habían comenzado a caer ya a finales de la década de 1960. En el campo del diseño el pensamiento moderno había desembocado en una serie de teorías como la de la “buena forma” y en conceptos como el de “buen diseño” que para la nueva generación de diseñadores sin embargo habían canonizado los comportamientos de un sector social determinado. ! En el asalto a las ideas modernas y como consecuencia del cuestionamiento de la racionalidad uno de los primeros temas que cabía tratar fue el de la metodología del diseño. Desde aproximadamente la década de 1950 y gracias a la labor de la escuela de la ulm, el diseño tanto el gráfico como el industrial se había entendido como un proceso racional articulado por una serie de fases organizadas en secuencia continua que iban desde la recogida de datos hasta la presentación final del proyecto. ! Todo esto respondía sin duda a una idea del diseño como disciplina más relacionada con la ciencia que con el arte.! Desde la primera mitad de la década de 1970 la metodología racional del diseño proporcionaba mucha seguridad pues reducía el margen de error pero no portaba una solución cultural y simbólica satisfactoria.! Al inicio de la década de 1990 los diseñadores consideraban que existían metodologías distintas y que todas podían ser válidas.! Erradicar los aromas del diseño: Desde finales de la década de 1980 y hasta ahora el concepto de diseño ha sido objeto de una constante revisión que inevitablemente ha conducido a su relativización. El buen diseño si va a aparejado un concepto de belleza que también se discutió. Durante algún tiempo dicha noción significaba lo mismo que elegante bonito o al menos no feo. Referirse a un buen diseño fue lo mismo que hablar de armonía, equilibrio y adecuación de la forma a la función, mientras que lo feo se entendió como todo lo contrario.! Sin embargo desde la década de 1970 con movimientos como el punk el creciente rechazo al racionalismo y la reivindicación de ciertas vanguardias del pasado se produjo un desafío a todo ese formalismo que había desarrollado el movimiento moderno como sistema para proteger el ambiente visual de lo que se considera más feo; un formalismo que, desde la posmodernidad, se jugó limitado y limitante pues ofrecía pocas opciones y, en ocasiones, ocultaba una importante dosis de mediocridad presente en todos aquellos que lo practicaban por rutina.!

Algunos teóricos entendieron estas posturas en relación con la fealdad como un intento consciente de crear y definir estándares alternativos. Desde su punto de vista las superposiciones de imágenes las reproducciones en baja resolución, los híbridos de elementos populares o del pasado y las mezclas de diferentes tipos de letras desafiaban las creencias estéticas. Ahora bien, la fealdad y la válida siempre y cuando representara ideas alternativas. ! Otro debate de otra diseñadora decía que eran preferibles la integridad y la autenticidad más difíciles de obtener que la belleza a valores como la calidad y la corrección. Estas discusiones eran sólo una parte del enfrentamiento entre modernidad y posmodernidad.! Modernidad vs posmodernidad: Dicho enfrentamiento ponía de relieve que la crisis en la ideología del diseño no era más que la prolongación de la que venía produciéndose desde hacía tiempo en el movimiento moderno. Los representantes del movimiento moderno no estaban dispuestos a claudicar fácilmente, por lo que estalló un enfrentamiento con los que representaban las nuevas posiciones es decir los de la posmodernidad. Se produjo así una fractura en la comunidad del diseño y, simplificándolo mucho, se encontraron, por un lado, aquellos que podríamos denominar la entrecomillas vieja guardia y por el otro quienes significaban su relevo.! La vieja guardia estaba constituida por aquellos diseñadores mayoritariamente hombres que habían comenzado su carrera durante las décadas de 1950 y 1960. La nueva generación se iniciaba laboralmente en las de 1970 y 1980 y ya estaba integrada por mujeres. Los primeros oscilaban entre dos posiciones distintas la modernidad y el eclecticismo, y se entraban su atención en la funcionalidad de la comunicación; los segundos representaban una pluralidad de estilos en los que se mezclaban la experimentación tipográfica de de algunas escuelas.! algunas escuelas. ! El culto a la nostalgia: Con la incertidumbre ante la desaparición de una metodología que hasta entonces había proporcionado cierta seguridad y frente a un vacío de modelos se producirá lo que podríamos denominar un culto a la nostalgia, manifiesto en una proliferación de imágenes y formas populares procedentes de las décadas anteriores.! Según el punto de vista de Jeffery Keedy el diseño gráfico estaba sufriendo una crisis de identidad y la insistencia en la nostalgia era un síntoma de la falta de dirección y la búsqueda a ciegas de una definición propia de la profesión del diseñador gráfico. ! En la modernidad, ser moderno fue el valor fundamental, como ha señalado Vattimo, porque existía una fe en el progreso cuyas raíces se hunden en la noción de la historia concebida como un proceso lineal en el que el futuro se entiende como superación del presente. Dicho concepto formaba parte de un discurso social utópico y marcadamente ideológico que, aunque parezca contradictorio con la idea de avance, busca la permanencia. De hecho, en diseño se expresó con propuestas racionalizadora que en un intento de mejorar la comunicación, lo que equivalía a la prosperidad de la sociedad, pretendían tener validez universal y se expresaban, por ello, de una manera lo suficientemente neutra como para asegurar su continuidad en el tiempo.! La década de 1980 y los inicios de la de 1990 suponían una pluralidad de expresiones que rechazaban tanto ese movimiento moderno como la tradición, pero que se quedaban con mucho de sus artificios formales para utilizarlos como cualquier otro lenguaje gráfico. La década de 1980 y los inicios de la de 1990 suponían una pluralidad de expresiones

que rechazaban tanto ese movimiento moderno como la tradición, pero que se quedaban con mucho de sus artificios formales para utilizarlos como cualquier otro lenguaje gráfico.! La visión deconstructiva: Si la modernidad conectó con el estructuralismo de Saussure, el diseño posmoderno lo hizo con el post estructuralismo y, más concretamente con la deconstrucción, una teoría que comenzó a conocerse en Estados Unidos. La deconstrucción influyó en el diseño gráfico y más precisamente en el campo de la tipo tipografía, porque frente al planteamiento estructuralista de qué la escritura no es más que una mala transcripción de la palabra hablada, Esta invade el pensamiento y el habla. Escribir es una forma de representación y su medio es la tipografía. La ampliación del abanico de posibilidades tipográficas fue el resultado de un virulento debate sobre la legibilidad de los tipos.! Cómo se concretó la de construcción desde el punto de vista formal en la gráfica? La aplicación de las teorías post estructuralistas al diseño gráfico encontré un aliado perfecto en el Macintosh una herramienta que se adaptaba y favorecía la experimentación. El ordenador proporcionó los diseñadores la posibilidad de asumir el control directo de los procesos de trabajo que durante siglos han estado divididos entre tipógrafos, ilustradores, impresores, y otros técnicos especializados. Asimismo, develó nuevos horizontes creativos por su capacidad para cambiar el proceso de trabajo sobre la marcha y su versatilidad apoyó otra de las ideas propias del diseño posmoderno, la de la auto expresión. ! El diseñador, autor y mediador: A comienzos de 1990 varios diseñadores entre ellos Carson, estaban totalmente convencidos de qué era un error crear el diseño gráfico debía ser anónimo o impersonal. Qué es ser autor en diseño? Lorraine Wild, considera que el diseñador, además de cumplir en la vital habitual papel de mediador silencioso, puede y debe actuar como crítico fabricante emprendedor profesor editor y activista.! Estas reflexiones han surgido al constatar que la autoexpresión Y la autoría podían quedarse únicamente en el nivel estético sin profundizar en los contenidos ni en la comprensión del mensaje que es, tal vez, donde estarían las aportaciones más interesantes e, incluso más subversivas.! La solución ante los excesos que podrían avecinarse está en establecer un compromiso activo con los contenidos, de tal forma que ahora la importancia de la autoría se hallaría más en la exploración en profundidad de las relaciones entre forma y fondo que en lanzar fórmulas gráficamente llamativas. !...