Resumen - renacimiento, barroco y urbanismo PDF

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Renacimiento, Barroco y Urbanismo...

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HISTORIA DEL ARTE DEL RENACIMIENTO    

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Periodización: fases y focos Origen y significado del término Humanismo Ideales y conquista o Recuperación de temas y formas o Retorno a la medida humana o Nuevo concepto de realismo  Anatomía  Perspectiva Ascenso del artista creador o Nueva consideración social del arte y del artista o Nueva imagen del artista

IDEALES Y CONQUISTAS El Renacimiento no surgió de la nada, hubo ya intentos de recuperación de la cultura clásica durante la Edad Media. Hubo “renacimientos medievales” la más importante la del siglo IX por Carlomagno quien después de ser coronado quiso restaurar el imperio romano en Europa Occidental y recuperar las formas arquitectónicas y la literatura clásica: Aquisgrán, construida según modelo clásico, donde instauró una corte de eruditos que se dedican al estudio. Este empeño permitió mantener vivas unas formas que hubiesen desaparecido. En el XII hubo otro renacimiento extendido más que el carolingio, este interés por lo clásico se aprecia en la aparición de BB dedicadas a la literatura clásica, en el afán de pureza de la expresión literaria y la imitación de la arquitectura y la escultura clásicas, ej púlpito en Pisa que se considera protorenacentista. En este 2º renacimiento, como resultado de las cruzadas llegan muchos manuscritos griegos, entre ellos, Aristóteles, cuyo impacto fue absoluto en el pensamiento medieval, es el momento en que fundan las universidades de Oxford, París, etc. El Renacimiento no ocupa un vacío cultural absoluto, fue la culminación de unas tendencias iniciadas en épocas anteriores, tampoco se puede considerar una ruptura total con lo anterior.

La influencia de la antigüedad marca todo el arte, pero no como imitación sino que se basa en el concepto de emulación, inspirarse, pero creando obra nueva. La revolución del Renacimiento fue utilizar un nuevo sistema de representación basados en la perspectiva. Recuperación de temas y formas de la Antigüedad Al igual que los humanistas, los artistas se dedicaron a estudiar restos, ruinas, las cuales fueron redescubiertas en el siglo XV, como repertorio de formas; surge una gran sensibilidad acerca de su estudio y conservación. Por ej., cuando Donatello y Brunelleschi llegaron a Roma1, fueron catalogados de buscadores de tesoros porque no se explicaban su interés por las ruinas, Rafael sería nombrado conservador y estudioso de restos. En el caso de la escultura había restos antiguos pero no teoría, se inspiraron en esculturas clásicas para modelar personajes cristianos. En pintura, ni modelo ni teoría, por eso la incidencia del arte pictórico antiguo fue menor, de hecho se observa una traslación de la escultura a la pintura, ej., Mantegna. Los 1os ejemplos aparecieron con el descubrimiento de la domus aurea, s/e sí tenían textos, literatura artística que les permitió conocer uno de los principales criterios de la pintura clásica: la verosimilitud que sería uno de los pilares de sus creaciones. En arquitectura, tenían acceso a la forma y la teoría trasmitida por el tratado de Vitrubio, en el siglo I a. C, único tratado de arte que llegó de la antigüedad hasta el Renacimiento. No es que fuesen desconocidos sino que los artistas góticos no referían la antigüedad clásica. Cuando estos 10 libros fueron descubiertos, se hizo la luz. Su influencia sobre la teoría del arte fue fundamental, para empezar los planteamientos de Alberti: Idea de belleza:  

Componente social de la arquitectura Belleza tan importante como la funcionalidad

Los temas mitológicos conviven con la iconografía cristiana, se produce un trasvase de inspiración; de hecho la iconografía religiosa de época medieval perdura para espacios sacros y los mitológicos para estancias privadas. Hay un intento de secularización de la pintura religiosa, es decir que se desarrolla en contextos contemporáneos tales como plazas. En este sentido, los pasajes bíblicos pueden ser leídos de varias formas: Por ej., La Adoración de los Reyes Magos (Boticelli) para reflejar una reunión que se produce entre oriente y occidente para tratar temas del momento; o El Pago del Tributo (Masaccio) como publicidad a una subida de impuestos que tuvo lugar en Florencia. 1

También durante esta época se recupera la escultura ecuestre, el arco del triunfo, ambos con una misma idea: la del poder.

Retorno a la medida Humana: El hombre como centro y medida de todas cosas, pasando de una concepción teocentrista a una antropocentrista, cambio que supuso la exigencia de un nuevo lenguaje para expresar esa realidad. Nuevo concepto de Naturalismo: El enfoque de los escritores medievales era teológico, estableciendo una escala de valores dando mayor importancia al elemento espiritual que al material proporcionado por los sentidos, por eso los artistas no imitaban el mundo exterior, sino que creaban símbolos para trasmitir la idea de dios. Querían expresar la belleza sensible y no la visible; de hecho para ellos la belleza del mundo material era un reflejo del mundo espiritual, no les interesan las cualidades plásticas y el simbolismo lo impregnaba todo. Con el Renacimiento, el hombre no es solo un mero observador y dios el centro: el hombre está en el centro y la naturaleza esta para ser estudiada y analizada. Lo que se pinta aun pertenece al mundo religioso s/e pero cómo se pinta es a través de la ciencia, en ello fueron fundamentales la perspectiva y la anatomía.

El nuevo naturalismo está basado en los avances científicos. Surge un nuevo concepto de imitación de la naturaleza. La literatura artística abarca un amplio espectro: cuestiones técnicas (preparación de lienzo o pared, cómo fundir una estatua, etc.) pero tb cuestiones como la explicación de la personalidad del artistas basados en datos astrológicos. Existe una convicción aceptada en esta literatura como dogma y aceptada: que las artes visuales imitan la naturaleza, el objetivo de la pintura y de la escultura y que cuanto más se acerque a este fin, mayor será su calidad. Esta idea de la imitación es un sello distintivo del arte del Renacimiento. El origen de esta idea no surge en los talleres de artistas sino que fue formulado por poetas y eruditos, remontándose al siglo XIII-XIV, donde autores como Dante (antecesor de los humanistas) hacen observaciones aisladas, aunque Boccaccio el 1er autor que relaciona artes visuales con imitación de la naturaleza: presenta a Giotto como un genio en una de sus historias, haciéndolo responsable del naturalismo integral en la pintura, para Boccaccio es un rasgo del Renacimiento y un sello distintivo de Giotto: (…) fue el pintor que devolvió la luz a la pintura, con su imitación de la relaidad(…) Los talleres van absorbiendo esta doctrina, un documento de este proceso el Libro del Arte de Cenini, escrito a principios del XV, siendo el tratado más importante que precede a una teoría humanista del arte. Por la composición de este libro y por su forma literaria es heredero directo de la tradición técnica medieval: es un recetario, un manual con capítulos para que los artistas sepan preparar pigmentos, telas, metales, superficies, pergaminos, etc. Tb desde el punto de vista intelectual se retrotrae a la EM,

ya que comienza dando gracias a Dios y aludiendo a Adán y Eva, al tiempo que califica el arte como un trabajo manual, no intelectual. Cennini, creía en el exempla (método que enseñaba a los artistas mediante la imitación de las obras de los buenos maestros y la asimilación de su estilo. S/E a principios del XV se ve que la tradición comienza a resquebrajarse y el propio Cennini indica que comienza a romperse a partir de la idea de que el arte imita a la naturaleza: que un buen estilo se obtiene imitando a un buen maestro o imitando a la naturaleza, si bien su idea de naturaleza era algo simple. Casi dos generaciones después de Boccaccio la imitación de la naturaleza es encarnación del valor artístico. Se trataba ahora la imitación correcta de la naturaleza, idea que invade el pensamiento renacentista, donde correcta significa2 alcanzar la verdad material (según B. Copiar clara y fielmente la naturaleza, entendiendo aquello que no es as directo que es el cuerpo humano) y la verdad formal (conseguir un método científico que probara la corrección de esa representación: la perspectiva, formulada en el Renacimiento) Anatomía En la Edad Media la ciencia estaba jerarquizada y la medicina ocupaba un lugar inferior respecto al derecho, la teología o la filosofía, puesto que su finalidad era la curación, lo que supone que la formación del cuerpo humano era menos importante, los estudios eran básicamente teóricos y basados en textos clásicos, que enseñaban de forma teórica y literaria (no en laboratorios ni en clínicas. De hecho los primeros estudios sobre el cuerpo humano comienzan en los talleres, no en las clases de medicina, a través de la observación empírica. En sus inicios, la teoría del arte no demostró interés por la anatomía, fueron los talleres de artista quienes legaron los 1os estudios científicos. Este esfuerzo de los artistas por lograr una correcta representación anatómica llego a su culmen a finales del XV, siendo el legado del Leonardo su materialización más completa un “hombre universal” que se interesó por todo (sistemas de riego, máquinas de guerra, trajes de fiesta), aunque era poco sistemático y por eso sus escritos son fragmentados y dispersos aunque dejan deducir un pensamiento teórico y estructurado. De los escritos de Leonardo se observa el complemento entre práctica y teoría, sobre todo en sus estudios sobre anatomía, ya que no solo diseccionaba cadáveres (prohibido en la época, pero tenía contactos con algunos monjes que le facilitaban cadáveres) y también conoció las doctrinas antiguas y medievales sobre anatomía, tenia además contactos con los anatomistas más importantes de la época llevando a autodefinirse como un pintor anatomista.

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Sus dibujos muestran una precisión incomparable por entonces, siendo aún hoy apreciado por ello, son casi informes científicos: iba mucho más allá de su trabajo de artista. Antecedente de Vesario, punto de partida de la ciencia anatómica moderna, Leonardo se adelanta a este investigador. Sus dibujos son reveladores de la mano y de la mente de un artista: son obras de arte Perspectiva Para asegurarse de que la representación es correcta, noción que se sistematiza en el Renacimiento, la representación del espacio en perspectiva y de los cuerpos contenidos en ese espacio. Los artistas, que se mantienen fieles a la naturaleza, la superficie pictórica pierde su opacidad (idea medieval) haciéndose transparente. Según Alberti el cuadro es una ventana a través de la cual se advierte una realidad infinita y continua. Método matemático que consiste en colocar sobre una superficie bidimensional una escena tridimensional. En la Edad Media se representaba no como lo que se ve sino como es. Los renacentistas quisieron probar la corrección de la representación que fue permitido por la geometría Alberti fue quien definió la perspectiva al introducir el método de la pirámide visual: el contacto del ojo con el objeto se produce por unos rayos visuales configurados como una pirámide, método que asegura la corrección de la representación que hace el pintor. La pintura era como una intersección plana en esa pirámide visual de forma que todos los objetos recogidos en el lienzo eran proporcionales a la realidad que tomaba como modelo, de este modo se garantizaba la corrección espacial. En la perspectiva lineal todas las líneas confluyen en el punto de fuga. La perspectiva fue un principio sagrado para todos los artistas del Renacimiento. Sería Leonardo quien encontraría sus fallos, el más sorprendente es que nos e correspondía con la realidad de la experiencia visual, ya que se basa en el hecho de que vamos con un solo ojo, cuando en realidad vemos con los dos, lo que supone una pérdida de intensidad. Era un modelo matemático y como ejerció geométrico era correcto, pero no se ajustaba a las condiciones naturales de la visión. Leonardo hizo tambalear estos cimientos de la perspectiva lineal, aportando la perspectiva aérea: cuánto más distante está un objeto, más tenuo y menos definido es su color, porque entre el ojo y el objeto se interponen capas de aire que se hacen más densas cuanto más alejado esta el objeto. Ambas perspectivas son compatibles, aunque subrayan aspectos distintos, la aérea no es un modelo matemático, sino un modelo más intuitivo. Leonardo reparó en que mientras más lejos está el objeto más difuso es su contorno definiendo el perdiment (perdida de contorno)

Todos estos aportes dan lugar al esfumato leonardesco (la pintura vista a través de una cortina de humo que difumina los contornos y los colores) concepto estético que transforma la percepción del arte a partir del siglo XVI

Arte del Renacimiento. Arte medieval -Sentido trascendente más que las cualidades plásticas de la representación. Prima en las obras el reflejo de la belleza y bondad divina. -Renacimiento de una actitud mental nueva: la naturaleza es estudiada y examinada y su representación está ligada a los principios de la ciencia, la cual permite conocer y explicar plásticamente la realidad. -Surge una imitación de la naturaleza: Objetivo de las artes plásticas, criterio de valoración de su calidad. Cuanto más se acerque a este fin más calidad tendrá la obra. El concepto “Renacimiento” surge en el ámbito de la literatura en el siglo XIV, asimilando los talleres con lentitud la nueva doctrina. Libro dell’arte de Cennino Cennini, se escribió a principios del siglo XV y es el tratado más importante que precede al surgimiento de una teoría del arte humanista. Este se puede considerar el antecesor a la teoría humanista del arte. Por su composición y carácter literario, es típico de la tradición técnica medieval, es decir, es un recetario. Desde el punto de vista intelectual es un tratado que se retrotrae a la época medieval, debido a que ya desde un principio da las gracias a Dios. Un tratado renacentista jamás actuaría de esta manera, donde no se consideraría el arte como un trabajo manual, al contrario de lo que ocurre con los tratados medievales. El exempla medieval es el método de formación de los talleres medievales, en los cuales se enseñaba a los artistas a través de la imitación de las grandes obras de los maestros. A principios del siglo XV esta tradición no es tan simple, y Cennini nos explica por dónde empieza la tradición medieval a resquebrajarse. La verdad material es según Barasch es copiar fielmente la naturaleza. Sería representar correctamente el cuerpo humano. La verdad formal, por otra parte, sería conseguir un método científico que probara la verdad o la corrección de esa representación, lo que nos lleva a la perspectiva. En la Edad Media existía una jerarquía de las ciencias, donde la medicina –encargada del cuerpo humano- ocupaba una jerarquía menor respecto al Derecho, Teología o Filosofía. El conocimiento de cómo estaba formado el cuerpo humano, durante este periodo, parecía poco importante. La medicina se enseñaba de manera teórica y no

práctica. Por tanto, el estudio del cuerpo humano no surgiría como tal en las universidades sino en los talleres, a través de la observación empírica. En sus inicios la teoría del arte no mostró mucho interés por la anatomía, por lo que el curso del cuerpo humano n fue una contribución humanista sino más bien resultado del estudio de la misma en los talleres por parte de los artistas. Este empeño de los artistas por lograr una correcta representación anatómica culmino a finales del siglo XV, y va a ser legado de Leonardo lo que ejemplifique la materialización más completa de esa representación anatómica. Este se interesó por absolutamente todo: pintó artilugios para poder volar, escribió un tratado de cocina, dibujó sistemas de riego, etc. Era un hombre universal. Este tenía como problema que era muy poco sistemático, de manera que los escritos que ha dejado son muy fragmentados y están muy dispersos, lo que no impide sacar de ellos un pensamiento realmente y completamente articulado. Lo que se puede concluir de sus escritos es el complemento entre la práctica y la teoría. En sus estudios sobre anatomía Leonardo no solo diseccionaba cadáveres para sus estudios, algo prohibido en aquella época, sino que también conoció pormenorizadamente las doctrinas antiguas y medievales sobre anatomía, así como también tenía contacto con los anatomistas más importantes de su época. Esto llevó a calificarse a Leonardo como un pintor anatomista. Este fue un observador muy meticuloso de la naturaleza, lo que se puede ver en sus obras, las cuales poseen una composición anatómica que no tienen comparación con las que se hacían anteriormente en los talleres. Se fijaba en los aspectos más minúsculos de los animales, y del cuerpo humano, los cuales se asemejan bastante a informes científicos más que a pinturas sin más (imagen: estudios de animales, como caballos, gatos; son famosos los dibujos que realizó sobre huesos, músculos y sobre la anatomía del corazón, así como el dibujo que realizó sobre el embrión de una mujer embarazada en el útero materno). Estos dibujos son un antecedente directo de Vesalio, el que inició la ciencia anatómica moderna. Antes que él, Leonardo trabajó esos aspectos. Los dibujos de Leonardo son resultado de la mente y de la mano de un artista; no solo son dibujos científicos sino que también se catalogan como obras de arte por su perfección y precisión. No solo se preocupó por la anatomía humana sino también por la fisionomía, como los distintos sentimientos que se producen en un rostro, por ejemplo. La perspectiva, por otra parte, se sistematizaría en el Renacimiento. La representación del espacio en perspectiva es uno de los mayores logros de este periodo. La perspectiva era concedida como cuerpos sólidos y opacos donde se aplicaba la pintura. En el Renacimiento, esto cambia: esa superficie pictórica pierde su opacidad y se vuelve transparente. La perspectiva es un método matemático que consiste en colocar en un cuadro las cosas tal cual las vemos dispuestas en la realidad. Se trata de colocar sobre una representación bidimensional una representación tridimensional. Los renacentistas no se contentaron con un solo tipo de perspectiva, sino que buscaron un método que probara la corrección de las representaciones (cuadros: Cristo en el Limbo, de Bonaiuto; Nacimiento, de Cavallini)

Nacimiento de la Virgen. Pietro Cavallini.

Quien definió la perspectiva teóricamente fue Alberti, el cual introdujo el “método de la pirámide visual”. Este decía que el contacto del ojo con el objeto se produce como si fuera una pirámide. Este método asegura la corrección del pintor. Esto hacía que se pudieran probar que un cuadro esté correcto en su distribución espacial (perspectiva lineal, donde todas las líneas confluyen en un punto, el punto de fuga, por el cual pasa la obra) (Imagen: Hombre dibujando un Laúd, Durero. En esta podemos ver esa “pirámide visual”) La perspectiva, en definitiva, se convirtió en un principio sagrado para los artistas del Renacimiento. Sin embargo, fue Leonardo quien encontraría los fallos de la perspectiva. El fallo más sorprendente fue quizá que la perspectiva tal y como se enseñaba en el Renacimiento no se correspondía con la realidad de la experiencia visual (debido a que la perspectiva lineal se basaba en la observación de la obra con un ojo; sin embargo ésta es percibida con dos ojos). La contribuyó más importante que hizo Leonardo respecto a esto fue la perspectiva, donde vino a establecer que un objeto cuanto más distante, menos claro es el color de la pintura. Junto con esta idea Leonardo se di cuenta de que cuanto más lejos está el objeto, más difuso se hace su contorno. Con esto, introdujo el concepto de “perdimenti”, ó pérdida de contorno (ejemplo: La Tempestad, de Giorgione). Esta variedad de contornos, e indeterminación, así como la atenuación de contrastes va a dar la aparición del concepto conocido como “esfumatto” leonardescos, donde vemos a las figuras como a través de un fino velo.

Anatomía: Representar fielmente la naturaleza, especialmente el cuerpo humano. Estudios artísticos de anatomía, con la contribución de los ...