Trabajo Arte y Antropología PDF

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ÍNDICE 1.- Introducción. 2.- Producción del arte y de la estética en las sociedades occidentales 2.1.- Antropología frente a las artes visuales. 2.2.- Configuración del terreno artístico: aspectos ideales y aspectos materiales. 3.- El impacto de situaciones de contacto cultural. 3.1.- Selección cultural de materiales y sistemas tecnológicos. 3.2.- Aprendizaje, atribuciones culturales y conocimientos. 3.3.- El original y la copia. 4.- El ser del artista. 4.1.- Importancia cultural del sexo del artista. 4.2.- Mecanismos de la creación artística. 5.- Fenómenos del arte en el marco de la sociedad y la cultura. 6.- Arte y medio ambiente. 7.- Interdisciplinariedad entre el arte y la antropología. 8.- Las relaciones entre la antropología y la historia del arte. 9.- Conclusión. 10.- Bibliografía.

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1.-INTRODUCCIÓN Para comenzar no hay más que hacer un hacer una breve definición de arte, pero no desde el punto de vista artístico, valga la redundancia, sino desde el punto de vista antropológico: es una de las muestras más claras de cultura que existe. La antropología del arte es el estudio de las obras realizadas por las culturas primitivas; y de tomar no solo conciencia de existencia de ella y denominar esas obras como arte, sino también de ponerlas en estima como al arte occidental. Una de los descubrimientos que desarrolló el hombre del Paleolítico fue el de realizar pinturas y esculturas con un motivo de unas creencias en el Mundo del Más Allá. A lo largo de la Historia, los momentos de mayor esplendor del arte coinciden con los momentos de más innovaciones en el campo de la ciencia y tecnología. Debemos de tener en cuenta también a la hora de considerar el arte que lo debemos hacer desde un relativismo propio de la antropología, la misma consideración debemos de tener cuando hablamos del arte de Occidente como del arte primitivo (sociedades ágrafas, de tecnología simple). La antropología buscará entender los mecanismos que tienen los artistas para plasmar su cultura en las distintas obras. Hay que evitar caer en la trampa que tiende la ideología y que conduce a lecturas androcéntricas de unos términos cuyo genero gramatical es presuntamente indiferente (Méndez, 1980: 25). Lo que Lourdes Méndez nos quiere decir aquí es que no debemos de caer en ideologías occidentales preconcebidas como pueden ser el androcentrismo (muy importante debido a su unión con la religión) y el etnocentrismo occidental (importante desde el siglo XIX como consecuencia del colonialismo). Hoy en día, uno de los objetivos que se debe marcar Occidente debe hacer entender la particularidad del arte de “los otros” y considerarles dentro de la importancia como cualquier otra corriente artística. 2.- PRODUCCIÓN DEL ARTE Y DE LA ESTÉTICA EN LAS SOCIEDADES OCCIDENTALES. Toda la producción de arte está ligada a la historia. Lo que ha definido el Arte, diferenciando entre lo que es y lo que no es arte, han sido tradicionalmente las sociedades occidentales, especialmente los filósofos de la antigüedad griego y romana ya jerarquizan las artes en artes útiles y artes recreativas. Francis Bacon definió las Bellas Artes como un grupo especial de disciplinas que no se basaban en la razón, ni en la memoria, sino en la imaginación. A partir de la Ilustración, las Bellas Artes se definen como aquellos que poseen dos cualidades: la belleza y la mímesis, siendo esta última la imitación de la Naturaleza como finalidad esencial del arte. A partir del siglo XVIII se desgaja una disciplina de la filosofía, la estética, la cual se encarga de elaborar categorías sobre el arte para que este tenga una aplicación universal. También durante este período aparece la llamada historia del arte, que se encarga de jerarquizar obras y artistas, de manera que algunos lo eleva a la cumbre y otros los destina al “pozo” del olvido. De esta, entre otras maneras, ha sido la causa para que las artes “primitivas” hayan quedado a los márgenes del arte. 2.1.- La antropología frente a las artes visuales. La cultura determina lo que es arte y lo que no lo es. Al estar en un mundo determinado por la cultura occidental, esta ha diferenciado entre lo que es arte y lo que no es, sometiendo a todo arte extraño a Occidente a un continuo etnocentrismo (infravalorando este arte “primitivo”) permanente, y también a un androcentrismo, algo que ha expulsado a las mujeres de la producción artística. En el siglo XIX aparecieron dos corrientes de pensamiento coetáneas que hacen explicar la 2

naturaleza humana. Una de ellas argumentará lo humano desde algo que no puede verificarse empíricamente, y la otra afirmará que lo humano sí puede argumentarse desde el empirismo. El hombre es un ser vivo que tiene una gran facilidad para adaptarse al medio en el que vive. El agente que hace posible esa adaptación es la cultura. Los humanos usan la cultura para modificar el medio para que parezca más ameno. Dentro de la descripción de arte, cabe destacar la dicotomía entre Arte, el occidental, y el arte primitivo; siendo estudiado el primero de ellos por la estética, y el segundo por la antropología. Este arte “primitivo” era considerado como, según Schapiro, “infantiles esfuerzos para representar la naturaleza”. La antropología, desde su posición relativista, debe resolver ciertas cuestiones sobre la gran diversidad del arte “primitivo”: cuando se origina, qué consideran arte, el papel social del artista, si todas las culturas lo consideran como tal,... El concepto de arte “primitivo” proviene de la idea nacionalista romántica, fruto también del etnocentrismo característico de esa época y derivado del colonialismo. La valoración del arte “primitivo” ha venido dado las pautas estéticas imperantes en Occidente. El apelativo “primitivo” es una etiqueta despectiva que describe un arte tosco y grosero. La cultura tiende a jerarquizar las cosas, es decir, a poner en más estima una serie de pautas y a infravalorar otras. En esta jerarquía también se tiene en cuenta la posición social de la persona, sus creencias religiosas, su sexo, etc. La ahistoricidad es algo que caracteriza al arte “primitivo”. Esa capacidad de no situarlo cronológicamente y ver su evolución temporal hace que sea infravalorado: es un arte al margen de la historia, y debe de ser eliminada esa ahistoricidad para que sea un tipo de arte de igual consideración que el arte occidental. El pensamiento científico y estético occidental le ha negado al arte primitivo sus dimensiones históricas y a sus creadores la individualidad artística. Cada contexto cultural tiene una diferente denominación del arte. La ntropología, por tanto, se pregunta como debe de ordenar este arte: su contenido, sus características, su historia, etc, pero para el estudio de los sistemas artísticos no existe un rigor metodológico. El concepto de “arte” tampoco existe en gran parte de las culturas, es por ello que los objetos los cuales denominamos arte “primitivo”no son más que objetos destinados a rituales, usos políticos, religiosos o cualquier otro tipo de uso. Se determina la existencia de arte si esa obra se ha hecho con el objetivo de su contemplación desinteresada. La experiencia estética consiste en la observación de una obra, y la respuesta de esta experiencia no tiene que ir asociado al concepto universalmente aceptado de arte. La antropología busca la interpretación del arte de manera cultural, de una forma que sea ordenado y mediante un código simbólico. Estos símbolos muestran una determinada actitud de las personas en un período concreto del tiempo haciendo así que se conozca su cultura. La tarea pendiente de la antropología es la de aclarar cuales son las categorías estéticas actuales de cada cultura. 2.2.- Configuración del terreno artístico: aspectos ideales y aspectos materiales. El etnocentrismo de la cultura occidental ha hecho a los antropólogos hayan pasado de largo la interpretación de las artes de los “primitivos”. El concepto de “estética” lo definieron los filósofos griegos distinguiendo entre objetos de conocimientos intelectual y conocimiento sensible. Esto se institucionaliza en el siglo XVIII con el libro Aesthetica de Baumgarten, en el que explicará una teoría de la sensibilidad, del arte y la belleza. Con la institucionalización del arte, hizo que estas características tomaran carácter universal, haciendo a su vez una jerarquía entre las artes y artistas (occidentales). En contra de esto, Kant cree que lo Bello no puede convertirse en ciencia, no es 3

necesaria la elaboración de teorías. También durante este mismo siglo, crean Meier y Sulzer un “sistema de Bellas Artes” que consiste en clasificar el arte, no temporal o espacialmente, sino según por su imitación de la realidad y por su representación de la naturaleza. La no representación por parte de los artistas primitivos ha derivado en una desconsideración de su arte. En este mismo siglo, los filósofos ilustrados tomaron una consideración del arte destinado a educar en el civismo a los ciudadanos de los nuevos Estados, de ahí el control político que se hace sobre el arte. Ya en el siglo XIX, los estetas críticos de la escuela de Frankfurt (Adorno, Benjamin,...) hablan de una posible “muerte” del arte como consecuencia de un mundo dominado por la realidad. En esta época pretende hacer una separación entre lo racional y lo sensible. Benjamin pretende “salva guardar las dimensiones utópicas del arte, denunciar los abusos de la modernidad y la mercantilización de las obras de arte”; por su parte Adorno quiere “salvar la individualidad de los seres humanos y de las grandes obras manteniendo nociones como la de 'autenticidad' o de la 'gran obra de arte'”. A partir del Renacimiento, se cree importante el firmar las obras, ya que empieza a haber una diferenciación entre el artesano y el artista. Esta diferenciación parte del desgajamiento del arte de la religión. Las actividades artísticas formaban parte del rango de artes liberales. Estos artistas liberales creaban obras únicas, insustituibles; mientras que los objetos que creaban los artesanos se consideraban con el mismo valor ya que se parecían entre ellos. En la Revolución Industrial hay una más clara distinción entre el objeto único (obra de arte) y el objeto parecido, debido a que en la producción industrial, los objetos que se creaban idénticos, y era arte aquello que no era industrial, que tenía una autenticidad. En el siglo XX aparecen las galerías de arte y las exposiciones de arte. Algunas de ellas nacieron con el fin de la compra-venta de obra. Uno de los logros que se le atribuye a las exposiciones de arte es la de aislar social, política y económicamente a la obra, de manera que el espectador solo pendiente de la contemplación estética. La ideología también es un factor de peso en el arte. Por ejemplo, la aparición del capitalismo ha hecho aparecer una serie de especialistas en el arte destinados a su mercantilización, tales como historiadores de arte, críticos, marchantes, etc. 2.3.- Artes primitivas, artes contemporáneas. Campos de producción, apropiación y exclusión. El arte “primitivo” es el producido por culturas de tecnología simple, sin una situación histórica estudiada. Como se ha dicho previamente, la desconsideración del arte de estas sociedades ha sido causado porque en Occidente no ha habido tendencias parecidas a él. Ha tenido que haber un cambio en la estética para darle la importancia que merece dentro del arte. A este arte se le dio la consideración de arte antiguo, siendo un arte actual con artistas vivos. Esto se produjo para que una ciencia como es la historia del arte pudiese estudiar esas obras. En los años noventa, y como consecuencia de la globalización, la Tierra se convierte en una gran “aldea global”. Esa facilidad de comunicación y movimiento derivó en una apropiación de los modelos estéticos de los artistas primitivos por parte de sus homólogos accidentales, con el fin de innovar su arte. Esto se ve en artistas como Picasso y Matisse, que aunque no copian las obras, toman una fuerte corriente de influencia del arte “primitivo”. A lo largo de la historia del arte, las obras producidas han sido poco menos que desechadas, algo similar a lo ocurrido con las artes primitivas. La causa de esto es el androcentrismo imperante en la cultura occidental ha permitido este hecho. Este androcentrismo también se ve en otra serie de cultura patriarcales. 3.- EL IMPACTO DE SITUACIONES DE CONTACTO CULTURAL (TECNOLOGÍAS, EXPRESIONES ARTÍSITICAS Y MERCADOS) 4

Las situaciones de contacto cultural estuvieron marcadas por una transformación de los sistemas tecnológicos de las sociedades descubiertas por los occidentales. Colonizadores y misioneros les enseñaron a utilizar las nuevas herramientas y materiales e hicieron que aprendieran nuevas técnicas pidiendole asía que elaboraran una serie de objetos destinados al mercado occidental. Los occidentales por lo tanto sacaron provecho de la mano de obra y materiale de las sociedades primitivas. Aunque hay una trasmsión de conocimientos y técnicas por parte de ambas sociedades, la occidental no es consciente del impacto que supone la enseñanza de la nueva cultura tecnológica, política, social y económica. Por tanto este intercambio puede perjudicar el modo de vida primitivo. (Méndez,1995;119) 3.1-Selección cultural de materiales y sistemas tecnológicos El abanico de materiales seleccionados por los artistas primitivos varió e incrementó tras la llegada de los occidentales. Algunos fueron eliminados por que no correspondían con el gusto occidental y otros fueron incorporados dando lugar a nuevas formas de expresión artísticas. Por ejemplo algunos materiales fueron elegidos por artistas africanos para fabricar objetos destinados a turistas occidentales que sentían predilección por materiales preciosos. Esta diversidad de materiales que algunos han sido seleccionados son elementos importantes a la hora de analizar las artes visuales no occidentales y saber como se distribuyen en materiales, herramientas y técnicas dentro de una determinada sociedad. No todos los miembros de una cultura conocen, controlan, saben utilizar o tienen acceso a al conjunto de técnicas que configuran su sistema tecnológico. La edad y el sexo son dos de los rasgos seleccionados por las culturas a la hora de atribuir a los individuos que componen el grupo una serie de roles, funciones, tareas, prácticas y conocimientos que repercutirán sobre la colectividad. Para llevar a cabo una actividad artísitica los individuos que la desarrollan tienen que dominar determinadas técnicas o poder utilizar ciertas herramientas y conocer los valores estéticos. La técnica que el artista adquiere, es un proceso de aprendizaje largo y costoso si realmente desea alcanzar un alto nivel de competencia técnica, resultando mas rápido y sencillo recurrir a especialistas ya formados que adquirir uno mismo la formación necesaria. Como hemos dicho antes el sexo determina la labor que se atribuye a cada persona y también son importante los materiales. Los materiales duros como la piedra, hierro, madera … son tipos de materiales que usualmente lo utilizan hombres por lo que supone el empleo de fuerza para trabajar con ellos. En cambio a las mujeres se le atribuyen materiales mas blandos como el cuero, fibras vegetales, arcilla o tejidos. Claro ejemplo en cuanto a los tejidos pocos hombres nos encontraremos en un taller de costura o pocas mujeres en un taller de herrería. Esta división de los materiales conlleva que cada sexo disponga de herramientas diferentes para el trabajo y muy a menudo esto se interprete como una complementariedad de roles y funciones entre mujeres y hombres. También se ha pensado que es el resultado de las relaciones sociales de sexo que jerarquizan las labores, estatus y funciones entre los sexos, en las que mujeres se encuentran en inferioridad y dominación. Esta división responde a la exclusión de la mujeres de un campo, el de las técnicas y herramientas, que mas adelante veremos que son esenciales para su participación en las actividades artísticas socialmente valoradas.(Méndez, 1995;122-123). Los materiales usados para realizar ciertas obras también suelen servir para crear significados vinculados con la jerarquía social. La jerarquía entre los materiales, su simbología, el acceso que a ellos tienen los miembros de una determinada sociedad, desvela las creencias y prioridades culturales que hay que analizar si se desea entender mejor el significado de ciertas prácticas 5

artísticas. Que los materiales sean nobles duraderos, limpios, que no estén cargados de siginificados simbólicos, resulta indispensable para obtener la categoría de arte si el artista y las obras habían sido etiquetadas como primitivas. Pero esta percepción de ciertos materiales puede cambiar cuando los usuarios son artistas occidentales enmarcados en algunos de los movimientos artísticos comtemporáneos. (Méndez, 1995;124-125) Por ejemplo que puedo inspirar a Andy Warhol para pintar un lata de sopa de tomate. Simplemente pintó algo que veía todos los días y en cierto sentido le inspiraba aunque algunas personas observen unos de sus cuadros no vean nada solo una simple lata de tomate. Contrario al arte contemporáneo, en el arte primitivo a los artistas se les exige una destreza a la hora de la técnica dado que tiene que dotar a la obra de un valor esencial e íntimo correspondiente a su creencias y cultura. Mientras que a los artistas occidentales poseen grandes destrezas técnicas y ademas poseen mejor tecnología que los primitivos y por eso se le exige que no utilicen esa tecnología y trabajen mas con los métodos tradicionales dado que sus obras podían no catalogarse como arte. Sin embargo haciendo la comparación entre las técnicas con las que se elaboran las obras, en las sociedades occidentales el acabado o la perfección técnica es una cualidad añadida que nuestras sociedades valoran. Dado que la plástica es un atenuante mas para decidir el valor económico y estético de una obra, sin depender tanto de la exelencia técnica demostrada en su ejecución como de quién es el artista que la a ideado.(Méndez, 1995;125-126) No solo es arte pintar un tapiz o elaborar esculturas, muchas obras de arte contemporáneas son colectivas por que sus creadores sulen necesitar de la colaboración de ciertos especialistas. Como por ejemplo el cine que requiere el trabajo en equipo y la colaboración de una mano de obra cualificada, siendo por estos factores han incidido en su dificil reconocimiento como verdaderas obras de arte. 3.2-Aprendizaje, atribuciones culturales y conocimientos El aprendizaje como hemos nombrado en el apartado anterior es uno de los aspectos a retener cuando se quiere analizar cualquier tipo de actividad humana ya que es necesario conocer numerosas técnicas para poder enfrentarse con los materiales seleccionados para realizar la obras. Por ejemplo los grupos nómadas de las sociedades de cazadores-recolectores cultivaban primero las artes del cuerpo, utilizandolo como soporte de expresiones artísiticas. Por otro lad los grupos sedentarios poseían una economía basada en la agricultura y el pastoreo, los cuales elaboraban formas de expresiones pláticas que se basaban en piedra, madera o hierro.(Méndez, 1995;127) El aprendizaje no es una cosa mecánica o un método que hay que seguir unos pasos para obtenerlo. Podemos diferenciar al menos tres grupos de aprendizaje: formal, informal y autodidáctico. Los tres pueden coexistir. En el aprendizaje formal, desde el ámbito familiar, es hereditario traspasando dibujos, técnicas y temas de sus antepasados que pueden representar, determinando el grupo al que pertenece cada persona cultura o étnia. En el aprendizaje informal no se recibe ningun tipo de fromación específica dado que no existe ningún especialista en un grupo determinado. El aprendizaje artísitico está presente en todas las culturas pero quizás en aquellas en las que es formal, esto da lugar a la creación profesional. En las sociedades occidentales las personas que desean ser artistas o que se sienten artistas se matriculan en los cursos propuestos por academias, escuelas o facultades de Bellas Artes. Estas personas perciben un intento de ocultar o infravalorar este período de aprendizajen e insisten en 6

calificar de autodidacta o informal su formación artística. Este comportamiento responde al funcionamiento de un campo de producción artísti...