ACrit Arq 3 imperio romano histot ramirez ojeda yahir cereciel 09/10/21 PDF

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Description

d) EL NEOCLASICISMO EN MÉXICO. Alumna: Vázquez Abascal Jessica Sherlyn. Grupo: B. Numero de control: 19400344.

ACADEMIA DE SAN CARLOS. Fundada bajo el nombre de la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España en el año de 1781 por el entonces Rey de España, Carlos III y a petición de las autoridades de la Casa de Moneda de la Nueva España, quienes veían en dicho fin principal el establecer una escuela de grabado en el entonces virreinato novohispano con la intención de mejorar la producción y acuñación de moneda al establecer dicha academia. Se inspiró su fundación en el modelo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y fue la primera academia fundada en el continente americano, teniendo también en sus instalaciones el primer museo de arte que se inauguró en Latinoamérica. Las ramas principales que se impartieron en la academia fueron las de arquitectura, pintura y escultura. Tuvo una vida azarosa a lo largo del siglo XIX entre las revoluciones y guerras que sacudieron al país hasta comienzos del siglo XX y la actualidad, en que forma parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. En sus instalaciones impartieron clases y estudiaron los más prestigiosos arquitectos, pintores y escultores del país educados bajo los modelos que predominaron en su momento. Los antecedentes de la Academia de San Carlos se remontan tiempo atrás de su fundación, cuando importantes artistas y arquitectos novohispanos solicitaban a las autoridades y al Rey de España la creación de una Academia en donde se impartieran el arte de la pintura y escultura. Uno de los pintores más importantes de su tiempo en el virreinato, Miguel Cabrera, propone hacia el año de 1753 la necesidad de la creación de una Academia titulada como "Academia de la muy Noble e inmemorial Arte de la Pintura". Se sabe que no solo él, sino varios artistas enviaron sus propuestas, pero nunca fueron contestadas.

ACADEMIA DE LA NUEVA ESPAÑA Y LOS MAESTROS NEOCLASICOS. La primera sede de la academia estuvo en el edificio que correspondió a la Casa de Moneda en donde se impartieron clases hasta el año de 1791, cuando se decidió cambiar la sede a un lugar cercano, destinándose el edificio que fuera del antiguo Hospital del Amor de Dios. En 1858, el arquitecto italiano Javier Cavallari renovó la antigua construcción basándose en modelos del gusto renacentista, es decir, utilizando en la fachada el almohadillado, ventanas adoveladas y medallones. En 1910, con motivo del Centenario de la Independencia de México, el gobierno de Italia regaló a México una réplica en bronce del San Jorge de Donatello, el cual fue instalado en un nicho en la esquina de Academia y Moneda. Dicha escultura fue dañada en 2005 por comerciantes ambulantes, quienes al colgar sus puestos usaban la propia escultura, propiciando que la cabeza fuera desprendida. Luego de su restauración fue resguardada en la biblioteca de la academia y una réplica adicional colocada en su lugar. En 1912 el arquitecto Antonio Rivas Mercado diseñó la bóveda de hierro y cristal que cubre el patio. Durante la época de la Revolución Mexicana la Academia cerró por tres años y fue reabierta como Escuela Nacional de Bellas Artes incorporada a la Universidad Nacional de México. En 1929, cuando a la Universidad Nacional de México recibió su autonomía la Academia se dividió en Escuela Nacional de Arquitectura y Escuela Central de Artes Plásticas y en 1933 esta última cambió de nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas. Pintura: • • • •

Jerónimo Antonio Gil José María Vázquez José Joaquín Fabregat Rafael Ximeno Planes

Escultura: • •

Manuel Tolsá Pedro Patiño Ixtolinque

PINTURA NEOCLASICA EN MÉXICO 1. Declaración de los derechos de hombre y el ciudadano, articulo primero, los hombres nacen libres e iguales en derechos y las distinciones sociales no pueden fundarse mas que en la utilidad común. El movimiento neoclásico fue impuesto en un principio, sobre todo a partir del establecimiento de la fundación de la real academia de san Carlos, aunque después termino por ser de la aceptación popular. Ya que era la señal de los nuevos tiempos que habrían de culminar con la independencia nacional. El neoclásico represento la entrada de México a la modernidad, enmarcada por las ideas de la ilustración, a cuyas formas se aferro durante todo el siglo XIX. El gusto estético varia entonces hacia las formas mas simples, mas elementales, basadas en los canones de belleza grecorromanos. Podríamos decir que el ideal de belleza neoclásico se define como, noble simplicidad, serena belleza. Frecuentemente se cae en el error de menospreciar los valores estéticos, o las formas expresivas de un movimiento. Sin considerar que cada movimiento filosófico tiene su propia razón de ser dentro de su tiempo. Así veremos pasión, fantasía exaltada, color, movimiento, dentro del barroco. Y tendremos también calma, serenidad y grandeza, del estilo neoclásico. La fundación de la real academia de san Carlos, contribuyo a implantar el estilo neoclásico en México. Esta academia a semejanza de las fundadas en Europa por la corriente racionalista de pensamiento tuvo en su principio a profesores de la tendencia barroca, pero después se reemplazaron.

PINTURA NEOCLASICA 2. El Neoclasicismo se sitúa entre el barroco y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual. Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más lo irracional y la locura que la serenidad a la antigua. E igualmente coincide en el tiempo con el movimiento prerromántico alemán del Sturm und Drang. Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido y gracias a ello da como resultado una estética distante del espectador, reforzado por la luz clara y fría que bañaba las escenas, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro. Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo. En contraste con las pinturas barrocas y rococó, las neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.

EL ARTE DURANTE LA INDEPENDENCIA Y LOS PINTORES VIAJEROS. La historia de la representación pictórica del espacio del Nuevo Mundo comienza en el Nordeste brasileño, en la cuarta década del siglo XVII, cuando un joven pintor europeo arriba a los territorios ocupados entonces por Holanda en este país sudamericano. Con la llegada del holandés Frans Post (1612-1680) a Brasil también se inaugura la tradición de los llamados Artistas viajeros en América Latina que, desde ese momento y fundamentalmente a lo largo del siglo XIX, procedentes de Europa y los Estados Unidos, emprendieron viajes de exploración y producción artística a distintos países del continente con el propósito de registrar su topografía y su naturaleza, y en algunos casos sus tipos humanos y costumbres. Estos artistas dejaron un extenso legado paisajístico que forma parte hoy en día del patrimonio de museos y otras instituciones públicas y de colecciones privadas alrededor del mundo. Muchos de estos exploradores visuales visitaron un solo país latinoamericano; pero otros hicieron extensos recorridos por la región; asimismo un grupo viajó a América Latina en una sola ocasión, pero muchos repitieron sus exploraciones en varias oportunidades. En su mayoría, estos artistas permanecieron en los distintos destinos por cortas temporadas, que se extienden de días a meses y más raramente a más de un año; otros fijaron residencias permanentes en Latinoamérica. La motivación de estos viajeros es diversa, desde lo propiamente artístico hasta lo político. Abarca desde la posesión de un espíritu aventurero romántico hasta el formar parte de misiones artísticas, científicas o comerciales organizadas por gobiernos europeos con fines exploratorios de sus colonias. Algunos de estos creadores eran artistas amateurs e incluso circunstanciales, pero la mayoría poseía algún grado de formación académica para el momento de su viaje o la adquieren posteriormente. Asimismo, es importante señalar que el patrimonio que nos dejaron incluye creaciones que fueron ejecutadas in situ, al abierto y bajo la luz tropical americana, generalmente bocetos y estudios preparatorios, así como un vasto conjunto de obras que fue creado posteriormente a la sombra de sus estudios artísticos en Europa o Norteamérica. Para este último grupo tomaron como inspiración los bocetos y apuntes tomados localmente y la memoria guardada de sus días americanos, por lo que en estas obras juega también un rol muy importante la imaginación del creador. Muchas de las piezas creadas por los viajeros en sus países de origen fueron encargos de los públicos europeos, inclinados al gusto por lo remoto y exótico, en particular en el caso de los artistas que obtuvieron

mayor reconocimiento en sus lugares de origen. Algunos viajeros fueron privilegiados con apoyo real o estatal, a cambio del cual sus obras pasaron a formar parte de colecciones oficiales, donde hasta hoy se conservan. Especial importancia documental revisten los escritos que estos viajeros generaron, como correspondencia, diarios o memorias de viaje. Algunos de ellos fueron editados por los propios artistas en vida o por los patrocinadores de las exploraciones; otros materiales solo fueron publicados muchos años después del viaje, incluso póstumamente. En esta literatura bellamente ilustrada se cuentan los pormenores aventureros de las andanzas, así como los retos de todo orden, en particular los pictóricos, que debieron asumir estos viajeros para captar y representar el paisaje americano. Visto en conjunto, el extenso corpus de pinturas, dibujos, estampas y fotografías que produjeron estos artistas viajando por el Nuevo Mundo constituyen un álbum único de imágenes de la naturaleza tropical y de la geografía latinoamericana....