Historia de seis ideas - Apuntes Todos PDF

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RESUMEN DE LOS PRIMEROS CAPÍTULOS DEL LIBRO....

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HISTORIA DE SEIS IDEAS W. Tatarkiewicz Capítulo primero El arte: historia de un concepto

1. EL CONCEPTO DE ARTE EN LA ANTIGÜEDAD En la Antigüedad las artes se consideraban destrezas (ars), una para cada campo. Por lo que se limitaban al conocimiento de las reglas de cada oficio. Por lo tanto, según Galeno, las artes eran preceptos para un propósito establecido. Existía una distinción entre las artes liberales (basadas en el intelecto y, por lo tanto, superiores) y vulgares (basadas en la fuerza, incluyendo las bellas artes como la escultura y la pintura). En la Edad Media, las artes liberales se mantuvieron y se establecieron siete de ellas como gramática, retórica, lógica, música, etc. Por su parte, las artes vulgares pasaron a denominarse mecánicas. Entre estas últimas se incluía la arquitectura, pero no así la escultura y la pintura. 2. LA TRANSFORMACIÓN EN TIEMPOS MODERNOS El cambio comenzó en el Renacimiento, ya que los oficios y las ciencias empezaron a quedar fuera de las artes y estas debían tener una coherencia entre sí. Algo muy importante fue el cambio en el estatus de los artistas. Debido a la mala situación económica de estos siglos comenzó la inversión en arte y los artistas, empezando por los pintores, buscaban diferenciarse de los artesanos. De esta forma, pretendían parecerse más a eruditos que a artesanos. Por último, la separación de las ciencias de las artes fue más tardía. En lo referido a la coherencia dentro de las bellas artes, es necesario crear conceptos que aglutinen estas ideas: a) Por ejemplo, los escultores tenían artes distintas según el material que trabajaban y su integración no se dio hasta el siglo XVI. b) Comenzó una conciencia de similitud entre la arquitectura, la escultura y la pintura, considerándose artes del diseño. c) Estas artes del diseño se separaron de otras artes como la música, la poesía y el teatro. 1

3. LAS BELLAS ARTES Entre los siglos XVI y XVIII comenzó la transición hacía una definición moderna de las Bellas Artes con los aportes de diversos eruditos: ·Manetti: habló de las artes ingeniosas. ·Ficinio: catalogó las llamadas artes musicales , manteniendo la idea de las artes liberales a las que añadió pintura, arquitectura y poesía. Se basaba en el vínculo entre musicalidad y musas. ·Capriano: agrupó las artes nobles (pintura, arquitectura y poesía) basándose en que son duraderas. ·Castelvetro: introdujo las artes memoriales ya que distinguía entre la artesanía (producción de cosas necesarias) y el arte (producción de cosas para la memoria). Aquí no incluía la arquitectura. ·Menestrier: fue el primero en hablar de las artes pictóricas, aquellas que son representaciones concretas. ·Tesauro: creó las artes poéticas ya que, según él, la poética separa artes de artesanía y lo figurativo de lo metafórico. ·Da Hollanda: usó por primera vez el término bellas artes, aunque no cuajó. Fue Blondel el que comenzó a agrupar a todas las anteriores usando la belleza como criterio unificador. ·Vico y Harris: empezaron a poner el acento en las artes como algo elegante y agradable, aunque no está claro que las unía en su criterio. ·Batteux: el fue quien popularizó el término de bellas artes, gracias a lo cual se incorporó a la erudición en el siglo XVIII. En este sentido, las bellas artes pasaban a ser pintura, escultura, arquitectura, música, poesía, danza y elocuencia. A partir de entonces las bellas artes pasaron a considerarse como las únicas artes, sin artesanía ni ciencia, de forma definitiva. Según la teoría de las artes de Batteux, estas debían imitar la realidad (mímesis). Hoy día, la concepción de este autor está desfasada. En resumen, podemos hablar de dos periodos en el desarrollo del concepto de arte: 1) Desde el siglo V a.C. hasta el siglo XVI, en el que se establecieron las reglas. 2

Transición) entre los siglos XVI y XVIII. 2) Desde el siglo XVIII al XX, en los que se ha identificado el arte con la belleza. 4. NUEVAS DISPUTAS Desde el siglo XIX comenzaron a surgir dudas sobre el concepto de arte al plantearse la distinción entre arte puro y utilitario. Esto se debe a que es un concepto muy fluido en el que intervienen muchos criterios y los límites son confusos. Se identifican por lo menos cinco áreas contradictorias: 1) Interpretación liberal/formal. 2) Concepto amplio/limitado. 3) Arte/utilitarismo. 4) Arte como destreza/producto. 5) Arte general/específico. Para el autor, la principal contradicción se da en que el arte parte de una concepción liberal, pero es un proceso productivo y añade otra contradicción nueva entre el arte y los medios de comunicación. Así, hoy en día, el de arte es un concepto más amplio que nunca. 5. DISCUSIONES SOBRE EL CONCEPTO A la hora de definir el arte como actividad, la única categoría genérica válida es la de actividad consciente. Por ello es necesario buscar un rasgo distintivo:

1) Produce belleza: esta es una cuestión ambigua; en el sentido más amplio es todo aquello que agrade y en el más restringido equilibrio, armonía o claridad. Además, limitar el arte a la belleza no sirve para todos los tipos de arte. 2) Reproduce realidad: esta idea del arte se reduce al arte mimético y, además, no siempre se comparte la misma idea de realidad. 3) Crea formas: para muchos lo que caracteriza al arte es dotar a la materia y al espíritu de formas. Esta definición deja fuera muchos tipos de arte, por lo que es una definición normativa, no descriptiva. El problema del formalismo es que pude ser demasiado restringido y además no solo los artistas son creadores de formas. Ante eso, para algunos el arte se encarga de crear las formas “puras”, la forma per se, por lo tanto, el arte no se encarga de las formas funcionales o figurativas. 4) La expresión: lo que destaca al arte es la intención del artista, idea de Croce en el siglo XIX. Otra vez es muy ambiguo y no representa a todo el arte.

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5) La experiencia estética: esta define al arte por tener un efecto en el receptor. Nuevamente es una idea ambigua ya que esta experiencia no es necesariamente positiva y puede venir de más sitios a parte del arte. 6) Produce un coche: nos encontramos de nuevo ante el efecto en el receptor. Esta es la definición más reciente y se basa en la idea de desconcierto o escándalo. Así, la función del arte sería la de impresionar. 6. RENUNCIA A UNA DEFINICIÓN El de arte es un concepto abierto, como la mayoría, lo que hace difícil una fácil conceptualización. Así, Weizz considera que no es necesaria una definición, ya que genera problemas de estudio. Kennick se centra en el carácter variado del arte. Según el autor sí es necesaria una definición y para ello se basa en la idea de Wittgenstein de que los conceptos suponen un parecido de familia. En este caso, el arte es una confluencia de muchas familias. 7. UNA DEFINICIÓN ALTERNATIVA De las definiciones previas vistas, ninguna abarca el total del arte. En primer lugar, hay que comprender que la actividad artística tiene tanto una causa como un propósito y ahí radica la dificultad inherente del concepto de arte. Para alcanzar la definición de arte, hay que: 1) Considerar que el arte es una actividad humana consciente. 2) Identificar las propiedades comunes a todo arte: a) Según su intención, las obras de arte pueden surgir de querer perpetuar la realidad (obras productivas que configuran el medio del hombre) o de la necesidad de expresión (obras expresivas que muestran la vida interior). b) Según el efecto, las obras pueden buscar producir la experiencia estética o el choque. c) Según los productos y su relación con la realidad esta puede basarse en la imitación formal o la abstracción. d) Según el valor que se da a las obras este puede radicar en la belleza, la delicadeza, la sublimidad, etc., o carecer de explicación. El resultado es que las definiciones que se pueden obtener han de ser por fuerza disyuntivas, tomando en cuenta tanto las variables en intención como las variables en efecto (que pueden ser de distinto tipo). Así, la definición de arte se debe basar en dos conjuntos de disyunciones (de intención y efecto):

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“El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque”. En consecuencia, la definición de obra de arte será muy parecida: “Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión de un tipo de experiencias que deleiten, emocionen o produzcan un choque”. A esta definición se pueden hacer unos cuantos añadidos: a) Consta de dos conjuntos de disyunciones. Podrían ser más, pero esta debe ser lo más sencilla posible y además se puede establecer paralelismos entre las variedades de la intención y el producto y entre las variedades del efecto y del valor. b) Es lo suficientemente abierta. c) No incluye términos valorativos, si no psicológicos que aluden a las reacciones humanas a ciertos valores. d) La disyunción es algo muy habitual en el lenguaje. e) Recoge las múltiples funciones que puede tener el arte. f) Concuerda con la variabilidad histórica del arte. Esta definición hace referencia al arte en su conjunto, pero su uso moderno restringe el término, bien reservándolo para las artes visuales, bien para aquellas creaciones más elevadas. Esto ha generado una discusión entorno a identificar el “verdadero arte” con el arte agradable. 8. DEFINICIÓN Y TEORÍAS A la hora de establecer el origen de las actividades artísticas se han dado tres explicaciones: a) Una tendencia y necesidad naturales; sin un propósito claro. b) Arte por el mero placer; sí tiene un propósito. c) La ignorancia al respecto; no tiene una explicación. En nuestra época ninguna explicación parece satisfacer, lo que hay son una serie de promesas con respecto al objetivo del arte: 1) Arte como muestra del mundo interior. 5

2) Arte como representación de lo eterno. 3) Arte como intento de trascender. 4) Arte como elevación.

9. LA SITUACIÓN ACTUAL En el periodo actual se han dado grandes cambios que afectan a la definición de arte: a) Para entender esto primero hay que retrotraerse al siglo XIX y comprobar como ha habido importantes cambios en la aproximación al arte: ·El arte se basaba en el gusto de la mayoría/ hoy, al contrario. ·Se buscaban las cosas bellas / ahora se buscan cosas nuevas. ·Se pretendía agradar/ actualmente, alterar. La evolución de este proceso ha sido la siguiente: 1) La vanguardia anatemizada (XIX): Artistas y autores que hoy son famosos eran rechazados en su periodo. 2) La vanguardia militante (finales del XIX-principios del XX): los artistas fueron cada vez más aceptados . Era la época del modernismo. 3) La vanguardia victoriosa (desde la 2GM): el arte conservador para a la defensiva. Es la época del posmodernismo. b) La victoria de la vanguardia se dio gracias a la exaltación de la diferencia. Por ello la vanguardia solo puede basarse en la diferencia continua. Hoy en día, al ser vanguardia todo el arte, se puede decir que esta en realidad no existe. Otra novedad de la vanguardia es el extremismo, lo que unido a la diferencia permanente genera un continuo de giros y cambios en el arte que la pueden hacer parecer imprevisible e improvisada. Hay que tener en cuenta que la vanguardia es diversa y hasta contradictoria; a veces es expresiva y otras constructiva, es reglada y temperamental, es técnica y metafísica, etc. c) Los cambios que han dado lugar al concepto de arte son los siguientes:

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·El arte pasa a formar parte de la cultura. ·Surge gracias a las destrezas. ·Es una región separada del mundo. ·Su objetivo es dar vida a las obras de arte.

Algunos artistas se han opuesto a estas concepciones: 1) Dubuffet consideraba a la cultura dañina para el arte ya que esta anula a todo el mundo y por lo tanto se oponía a la tradición europea. 2) La idea de arte como destreza ha sido criticada por la vanguardia. Cuando se dice que el “arte ha muerto” se refiere a este entendido como destreza, por lo que cualquiera puede hacerlo. 3) En oposición a la idea de arte como algo separado de la realidad, en la vanguardia se considera que este actúa como debe cuando se fusiona con la realidad, tendiendo así a la naturalización. Estas tres ideas ya existían previamente, pero por lo que destacan ahora es por su mayor radicalidad. 4) Tradicionalmente se considera arte tanto a la producción como al producto, la obra de arte, algo que hoy se desdeña en favor del proceso. Todo esto ha llevado a plantearse el debate de la “muerte del arte” a cerca de si las transformaciones y giros permanentes de la vanguardia no están produciendo su final. Para el autor, la experimentación puede no ser permanente.

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Capítulo segundo El arte: historia de una clasificación

1. LA DIVISIÓN DE TODAS LAS ARTES (La Antigüedad) Clasificar el arte es difícil, ya que se trata de una idea que cambia. Las diferencias entre la clasificación actual y la de la antigüedad radican en que 1) era el acto y la habilidad de producir y 2) era cualquier capacidad productiva regular. Por lo tanto, en la antigüedad el arte era: a) Un sistema de métodos regulares para hacer algo. b) Algo racional. c) Un conjunto de bellas artes (incluidas poesía y música), artesanías y ciencias. En este periodo la clasificación del arte pasó por varias etapas: ·Los sofistas: dividían las artes en dos tipos; las útiles para la vida y las que aportaban placer. ·Platón: establecía una relación entre las artes y la realidad (mímesis), por lo que estas podían ser productivas (creaban realidades como la arquitectura) o imitativas (reflejaban realidades como la pintura). ·La clasificación más aceptada: fue la que separaba las artes en liberales y las vulgares, reflejo social del desprecio hacia el trabajo físico de los griegos. Posteriormente, Séneca, añadió la clasificación de las que instruían y las que divertían. 8

·Quintiliano: introdujo una división tripartita de inspiración platónica por la que separaba las artes teóricas (del estudio, como la astronomía), prácticas (no productivas, como la danza) y poéticas (productivas, como la pintura). ·Cicerón: dividía las artes en mayores (políticas o militares), medianas (puramente intelectuales) y pequeñas (entre ellas las bellas artes). ·Plotino: creó una división de cinco artes; las que producen objetos físicos (arquitectura), las que ayudan a la naturaleza (medicina), las que imitan la naturaleza (pintura), las que decoran la vida humana (política) y las intelectuales (geometría). Esta clasificación no tiene un principio claro, pero de la primera a la última aumenta la espiritualidad.

2. DIVISIÓN ENTRE LAS ARTES Y MECÁNICAS (Edad Media) La Edad Media recibió la herencia de la idea antigua del arte como una práctica, por lo que el arte se consideraba como un conjunto de cánones y reglas. De esta manera, en las artes estaban incluidos los oficios manuales, las ciencias y las bellas artes. Se mantuvo la división entre artes liberales y vulgares. Las liberales eran consideradas las artes propiamente dichas y eran siete, como lógica, retórica, aritmética… Las vulgares pasaron a ser conocidas como mecánicas y también eran siete. Dentro de estas, dos de ellas se podían considerar como “bellas artes”, la armatura (arquitectura) y la theatrica (el entretenimiento). Por su parte, ni la pintura ni la escultura se incluían en ningún tipo de artes ya que no se consideraban ni importantes ni útiles, al contrario que la arquitectura. 3. BÚSQUEDA DE UNA NUEVA DIVISIÓN (Renacimiento) A) En el Renacimiento se mantuvo el concepto clásico de arte como una regla de producción, por lo que se conservaron sus clasificaciones cambiándoles los nombres. B) Entre los siglos XV y XVII surgió la idea de que las bellas artes deben tener entidad propia, aunque no se supo expresar. Esto se debe al cambio que experimentaron los artistas en su categoría social, aunque no estaba claro qué unía a las bellas artes.

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Para Francis Bacon en el siglo XVII estuvo cerca de aislar las bellas artes como conjunto caracterizado por la imaginación, a diferencia de otras artes basadas en la razón o la memoria, pero aquí solo incluyó a la poesía.

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