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los inicios del cine de todas las epocas del año muy interesante para aprener...

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Los inicios del cine Los inicios del cine se caracterizan por la confluencia de varios campos científicos y muchos inventores que contribuyeron la gestación de lo que hoy día conocemos como cine. George Meliès, Edwin Porter y David Griffit

Cine Primitivo en los inicios del cine El cine es el resultado de una evolución científica y que proviene ya desde Arístóteles con la invención de la conocida como la cámara oscura.

Kinetoscopio de Thomas Alva Edison Edison fue unos de los inventores del cine. Su aportación para el medio fue la invención de un aparato llamado kinetoscopio.

Cinematógrafo de los hermanos Lumière Cinematógrafo, como una máquina científica que es capaz de captar el movimiento. A diferencia del Kinetoscopio, el cinematógrafo de los Lumière tiene una mayor calidad técnica, es decir, su emulsión tiene más calidad, y a su vez inventan el proyector,

Georges Méliès el cine comienza a incluir pequeñas narraciones, tanto Edison como los Lumière comienzan a filmar pequeñas historias. Historias simples, con la cámara fija y sin movimientos.

Escuela de Brighton y Edwin Porter La escuela de Brighton estaba formada por una serie de fotógrafos que se interesan por el cine y comienzan a experimentar. Entre sus miembros se encontraban: Smith, Williamson, Collins, y muchos otros.

David Wark Griffith Una figura muy importante para esta transformación en el audiovisual fue David Wark Griffith, considerado como «El padre del cine moderno». Hasta entonces, el cine anterior había sido de corta duración, con montajes muy simples. Pero Griffith fue el primero en hacer grandes producciones.

Historia del Cine Mudo La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros… Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico

La quimera del oro (1925) Charles Chaplin Linder trajo una renovación en el film bufo. Anteriormente, este género estaba sólo limitado a dos efectos: el arrojarse tartas a la cara y las persecuciones. Max incorporó, además de esos dos recursos, un tipo de comicidad grotesca de las situaciones, basada en la observación psicológica. Pero la Primera Guerra Mundial troncó su trayectoria cinematográfica cuando se disponía a viajar a EEUU para iniciar su carrera en América. Fue herido en batalla y acabó muriendo en 1925.

Charlot en el Baile (1926) Mack Sennet Gracias a Mack se llegó al desarrollo pleno de lo que se conocería como estilo slapstick. Especial mención deberíamos dar a sus inicios en el cine, cuando Sennet convirtió a un grupo de policías en el máximo exponente del cine cómico

Características del Cine Mudo La calidad visual de las películas mudas era a menudo bastante alta, a diferencia de lo que la mayoría de la gente piensa. Existe la idea errónea, de que apenas se podían ver estos films por la falta de calidad de la imagen. Esta falta de calidad es actualmente así porque la mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que lleva a su deterioro. En la época del cine mudo, tanto el minutaje como la complejidad de las películas habían aumentado considerablemente. Esto suponía un grave problema para que los espectadores entendieran las acciones que ocurrían en los films mudos.

Música en vivo y otros tipos de acompañamiento sonoro Otra de las características del cine mudo era que durante las proyecciones de cine mudo casi siempre había presencia de música en vivo. Esta tradición de música paralela a la proyección venía desde las primeras películas de los hermanos Lumière.

Buster Keaton Un gran discípulo de Mack Sennet fue Buster Keaton, canadiense también como su maestro, quien se inició muy joven en algunas películas cómicas con Fatty Arbukle. Pero muy pronto Keaton impuso su propia personalidad con la creación de un personaje que lo iba a hacer célebre: la del hombre que, incluso en las más estrafalarias situaciones, no ríe nunca.

Características del cine e interpretación de Buster Keaton Carácter sobrio, impasible, nunca exterioriza las emociones. De ahí su sobre nombre: “Cara de palo” y “El hombre que nunca ríe”. Acrobacias, realizadas por él mismo, gracias a su habilidad física. Por ello tuvo muchísimos accidentes a lo largo de su trayectoria.

Planos largos y planos secuencia. Con estos tipos de planos se podía ver perfectamente la acción. Gags cómicos muy elaborados. Se suelen clasificar en dos tipos: el gag de trayectoria: una serie de situaciones lógicas acaban desencadenando una acción concreta, y el slow burn o gag del deterioro: el deterioro de una situación que en principio parecía sencilla. Espontaneidad. Buster Keaton era su propio productor así que no tenía limitaciones a la hora de rodar y planificar las escenas.

Charles Spencer «Charlie» Chaplin El célebre personaje del cine mudo por antonomasia fue Charles Chaplin. Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1889 en el seno de una familia de actores judíos. Su padre fue alcohólico y abandonó a él y a su familia siendo Charles muy joven.

Charlot: El célebre personaje del cine mudo Uno de los elementos más importantes en la carrera cinematográfica de Chaplin fue la caracterización y personalidad de sus personajes. En sus inicios, cuando comenzó actuando como borracho, daba mucha importancia a la caracterización.

Características del cine de Charles Chaplin: Temáticas: Temáticas con trasfondo Social. Trata temas como la pobreza, la esperanza de una vida mejor, crítica al modo de vida americano y a las instituciones, representación de un mundo justo. Otro de los temas recurrentes en sus films es el del amor y la fraternidad. Personajes recurrentes: El personaje protagonista de Charlot, la bella ingenua de la cual Charlot se enamora, el villano (normalmente la clase adinerada y rica). Características Formales: La música acompaña a la acción, lo que infunde gran ritmo cinematográfico y a la transmisión de emociones. Además, utiliza muy bien el lenguaje visual mudo del gag, con un trabajo de efectos especiales que contribuyen a la comicidad. Como por ejemplo, la famosa escena en patines de Tiempos Modernos (1936)

Cine surrealista y las vanguardias El cine vanguardista El término vanguardismo proviene del francés como “avant-garde”, que significa en la jerga militar la parte más adelantada del ejército. Este término militar se utilizó para describir una serie de movimientos artísticos que surgieron a principios del siglo XX conocidos como las vanguardias artísticas. No obstante, no sería hasta los años 20 cuando se dieron las vanguardias cinematográficas.

El cine impresionista Este movimiento defendía la pureza del arte cinematográfico comparándolo con la poesía, la pintura y con la música. El cine impresionista pretendía que la narración representara la conciencia de los protagonistas y su interior. Otorgando importancia a la emoción y la expresión de los sentimientos.

El cine surrealista El cine surrealista surgió en París en la década de 1920 con la premisa de expresar el subconsciente de manera poética y supone un enfoque totalmente vanguardista de la teoría y producción cinematográfica. Esta corriente, muy influenciada por la teoría freudiana de los sueños, hacía uso de imágenes singulares, irracionales y absurdas. Con ello desafiaron la manera en la que se representaba la realidad en el cine.

Surrealismo de Buñuel El director más importante del cine surrealista fue el español Luis Buñuel. Buñuel nació en Calanda en 1900, en el seno de una familia burguesa. Ya en su etapa de estudiante fue enviado a Madrid a la Residencia Libre de Enseñanza donde conoció a otros artistas como Salvador Dalí o Federico García Lorca. Posteriormente, en la década de los años 20, se trasladó a París donde entró en contacto con el movimiento surrealista.

Expresionismo Alemán El cine expresionista alemán fue un movimiento cinematográfico que significó un antes y un después para la historia del cine, influyendo de manera decisiva a géneros como el cine negro o el cine de terror. Esta corriente, que afectó a otras artes como la pintura, la música o la arquitectura, pretendía expresar de una forma más subjetiva la naturaleza del ser humano, dando preponderancia a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

Características del cine expresionista alemán En el cine expresionista alemán se puede apreciar la influencia del director de arte alemán Walter Reimann y de autores del expresionismo pictórico como Munch, Nolde o Kirchner. Estas influencias se ven bien en la estilización de los decorados, en los gestos y la iluminación. Todas las características que componen esta corriente están pensadas para eliminar cualquier atisbo de referencia a la realidad. Su objetivo prioritario era el de transmitir sensaciones y emociones por encima de todo.

Características estéticas Si por algo han influido las películas expresionistas ha sido, más que por sus temáticas, sus recursos estéticos. Para estos directores, la base de su cine era la búsqueda de la «Stimmung«, algo así como llegar a «crear una atmósfera donde el alma flota, tanto en todos los personajes como en los objetos». En este sentido, vemos que uno de los recursos más característicos fue un uso especial de la luz.

Temáticas Teniendo en cuenta el contexto histórico de la Alemania de la posguerra, los temas de expresionismo alemán cinematográfico versarán en torno a esa situación. El miedo, la angustia, el terror y la desesperanza dieron paso a películas donde lo fantástico, lo sobrenatural o lo siniestro eran las temáticas más recurrentes.

Influencias en películas posteriores Aunque la corriente cinematográfica del expresionismo alemán, su influencia en el cine posterior fue enorme. Con la escalada nazi en Alemania, muchos de los directores alemanes de la época emigraron a Estados Unidos. Aunque no solo emigraron directores, también lo hicieron, operadores de cámara, escenógrafos… influyendo de forma determinante, especialmente a dos géneros: el cine de terror y el cine negro.

Cine soviético En la historia del cine se presentan distintas etapas que han marcado su empresa, ya sea la Nouvelle Vague, el cine clásico de Hollywood o incluso el Trash. Pero todo esto no sería igual sin la aportación del cine soviético y en especial el montaje soviético.

Características del cine soviético El cine soviético de la época era un cine experimental, desde el Gobierno se fomentaba y obligaba que las películas tuvieran un grado de experimentación, buscando así romper con lo establecido y fomentando un nuevo cine. Se buscaba diferenciarse de otras cinematografías como la americana, centrada en mantener las bases burguesas heredadas del teatro de finales del XIX en busca de la rentabilidad económica o la europea, que empezaba a incorporar las ideas revolucionarias de las Vanguardias que se inspirarían en el cine soviético.

Historia del cine sonoro Los inicios del cine sonoro datan de finales de la década de 1920. No obstante, se puede decir que el sonido ha estado ligado directamente al cine desde sus inicios aunque las películas fueran mudas.

Historia del cine sonoro El estreno de El cantor de Jazz supuso un antes y un después en la historia del cine. Como hemos dicho anteriormente, fue toda una revolución el que además de música y efectos, también tuviera diálogos hablados. La implantación del sonido en el cine supuso nuevo paso tecnológico que influirá de manera determinante en la industria, en los profesionales que en ella trabajan, en los planteamientos estéticos de las historias, obligando a una reestructuración industrial que afectará, inevitablemente, a la comercialización de las películas en todo el mundo.

Condicionantes económicos El primero de ellos fue económico. Era necesario acondicionar los estudios acústicamente, contratar expertos en sonido, sonidistas, material nuevo.

Problemas de comercialización Debido a la gran inversión los estudios de Hollywood intentan comercializar sus filmes por todo Elm undo pero con el sonido surge un problema: la barrera del idioma.

Cambios en la actuación Uno de los cambios más drásticos con la llegada del cine sonoro fue en lo que respecta a la actuación. Los actores del cine mudo tenían que hacer algo nuevo para ellos

Cambios estéticos Estos cambios tienen que ver con la adaptación de los equipos de rodaje y la forma de rodar con sonido.

Cine clásico de Hollywood El cine clásico de Hollywood fue una etapa del cine americano lleno de ensoñación, glamour y excesos, que hicieron de la industria de cine norteamericana un icono global. Este periodo se engloba entre mediados de los años 30 hasta finales de la década de los 50, una época que muchos han idealizado y vanagloriado a lo largo de los años.

Momento cumbre de Hollywood La Metro Goldwyn Mayer, Twentieth Century Fox y Paramount fueron las productoras cinematográficas líderes de la industria, llevando a cabo la mayoría de las películas más importantes de dicho periodo. Sin embargo, con la unión de sonido e imágenes, muchos críticos de cine argumentaban que la calidad artística de las películas durante ésta época sufrió descenso

Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Hollywood sufrió de grandes estragos económicos que limitaron las producciones que se venían realizando hasta entonces. Los estudios de cine tuvieron que prepararse para la defensa civil y erigieron elaborados refugios antiaéreos. Se prohibió filmar desde el mar o cerca de instalaciones militares. Los toques de queda que se impusieron en la nación, prohibían filmar de noche; por lo que no solo fue un batacazo económico, sino también limitaba la filmación de las películas.

Hollywood durante la Guerra Fría Durante la Guerra Fría, la paranoia creció en Hollywood y en el resto de Estados Unidos por el comunismo. En 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (una organización que investigaba posibles vínculos comunistas), decidió investigar el comunismo en las películas. Se llamó a declarar al menos a 40 personas de la industria cinematográfica. Diez directores y guionistas, conocidos como los Diez de Hollywood, optaron por desafiar la legalidad de las acciones de dicho comité.

Caída de la Edad de Oro de Hollywood La Edad de Oro de Hollywood llegó a su fin debido a dos factores principales: las acciones antimonopolio y la invención de la televisión. Durante décadas, fue una práctica común que las principales compañías cinematográficas compraran salas de cine, que solo mostraban películas producidas por sus compañías.

Características del cine clásico de Hollywood Nuevas formas de montaje En primer lugar, los cineastas empezaron a utilizar dispositivos cinematográficos como la edición de continuidad para dividir las escenas, dando a los espectadores diferentes perspectivas del tiempo y espacio.

Historias más solidas narrativamente En segundo lugar, una construcción narrativa más sólida de la trama.

Avances tecnológicos En tercer lugar, también se destacó por la mejoría tecnológica que empezó a usarse a partir de inicios de la década de los 40. Se empezó a utilizar iluminación artificial, iluminación discreta y efectos visuales.

La importancia de la imagen Por último, una de las cosas que venían muy arraigadas del cine mudo, era la importancia que se le debía dar a la imagen, como medio narrativo predominante.

Neorrealismo italiano El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante los años posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial y la caída del régimen fascista de Mussolini. El cine neorrealista italiano se caracteriza por basarse en historias realistas, rodadas en exteriores y protagonizadas muchas veces por actores no profesionales pertenecientes a la clase baja de la sociedad, trabajadores o personas pobres.

Antecedentes y contexto histórico Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Italia estaba bajo el dominio de Benito Mussolini, que desde 1924 se mantenía al mando del país. Tal y como ocurría en Alemania por aquella época, toda la producción cinematográfica que se realizó durante el fascismo estuvo controlada por el estado. Se producía un cine muy patriótico y a veces resultaba poco novedoso

El cine Neorrealista italiano El cine Neorrealista italiano tenía a menudo una visión muy crítica de la sociedad italiana. Como venimos diciendo, los efectos de la guerra en el país transalpino fueron devastadores, sumiendo a la población en una grave crisis social, de pobreza y desempleo.

Características del Neorrealismo italiano Características estéticas y técnicas. Nueva forma de mirar la realidad. Es un cine que rompe con el lenguaje cinematográfico estadounidense y crea su propia forma. Puesta en escena y realización. Se recurre a grabar en locaciones naturales como plazas, pueblos, en el campo… debido sobre todo a la falta de recursos técnicos y estudios de cine. Cinecittà está prácticamente destruido y se usa para refugiados de la guerra. Iluminación. Se trabaja con iluminación natural. Sonido. No se solía recoger el sonido en directo, por lo que se recurre a la técnica del doblaje. Al no contar con equipos de sonido, les permitía tener más movilidad a la hora de mover la cámara. La cámara. Es recurrente la grabación con cámara en mano. Y la fotografía, sin iluminación artificial y muy precaria. Actores. Digamos que coexisten actores profesionales con actores no profesionales. Producción. No hay diseño de producción y el equipo de producción con el que se cuenta es muy parecido a los equipos de producción de los documentales....