Opción A EBAU 2020 PDF

Preview

Summary

Pues eso....

Description

OPCIÓN A. GRECIA, ROMÁNICO, RENACIMIENTO, ROMANTICISMO, MODERNISMO, CUBISMO, PINTURA ABSTRACTA. ROMÁNICO. EL CIMBORRIO. Se denomina cimborrio a aquella construcción que en una iglesia se eleva sobre el crucero del templo, independientemente de la planta que presente (cuadrada, cilíndrica, octogonal...) y de cómo esté rematada hacia el exterior. Esta estructura tiene una doble funcionalidad: de una parte, ilumina el interior del edificio; de otra, realza el eje central del espacio religioso, allí donde se cruzan los dos brazos de la cruz latina, formando precisamente el crucero. BÓVEDA DE CAÑÓN. Se denomina Bóveda de cañón a la bóveda formada por el desplazamiento de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal. Se emplea generalmente para cubrir espacios alargados, tales como las naves de las iglesias; y por su simplicidad constructiva ha sido muy utilizada desde los tiempos de la arquitectura clásica romana, y continuada luego en otros períodos artísticos y culturales, tales como el románico, el renacimiento, el barroco o el neoclásico. También se suele denominar bóveda cilíndrica o bóveda de medio cañón. Muy habitual en las iglesias del barroco y del neoclásico hispalense, generalmente se presenta reforzada con arcos fajones intermedios, y con lunetos o aberturas laterales para la iluminación del espacio interior que se cubre. Asimismo es frecuente en las iglesias del barroco que su superficie se presente impregnada con abundante decoración pictóricas o de yeserías. EL PARTELUZ Y EL AJIMEZ Parteluz o mainel es un elemento arquitectónico sustentante, en forma de columna o pilar, que se dispone en el centro del vano de un arco, «partiendo» la «luz» de ese vano, es decir, dividiéndolo en dos vanos. Habitualmente se dispone bajo el tímpano en un pórtico o formando parte de un ventanal, en cuyo caso tal ventana recibe el nombre de ajimez. Generalmente se utiliza en puertas y ventanas de estilo gótico pero también las hay en el románico y otros estilos. Cuando ocupa el centro de una puerta principal en un templo suele llevar adosada una escultura de la Virgen o de algún santo. El ajimez, palabra que viene del árabe "al-simasa", es una ventana de dos aberturas que está dividida verticalmente en dos partes iguales mediante una pequeña columna o pilastrilla llamada mainel o parteluz, sobre la que se apoyan dos arcos, generalmente de medio punto o apuntados. Aunque su etimología árabe se refiere al cierre o protección de una ventana, el uso ha dado a ajimez la significación de ventana con dos huecos. Bífora: Ventana, puerta o hueco partido en dos vanos por una columna central. Se aplica especialmente a la arquitectura italiana medieval y renacentista, ya que en España una ventana de ese tipo se denomina ajimez o ajimezada También se conoce como ventana geminada —adjetivo que se refiere a un objeto formado por dos elementos iguales o bien distintos colocados en parejas— y, en ámbitos de habla

catalana, como bífora o ventana biforada. Por analogía, el mismo tipo de ventana con tres aberturas se denomina trífora, o ventana triforada, y el de cuatro, quadrífora. En la Península Ibérica, se conoce en la arquitectura visigoda y prerrománica. Pasa también a la arquitectura islamica, de dónde viene el nombre de Ajimez. Estos vanos ajimezados, típicos de la arquitectura medieval, en la arquitectura románica y gótica se convirtió en motivo ornamental de ventanas y campanarios. IGLESIAS DE PEREGRINACIÓN. El principal factor de consolidación, unificación y divulgación del románico es el auge de las peregrinaciones entre otros; las peregrinaciones va a ser un factor fundamental para la globalización europea del románico: el culto a las reliquias va a ser fundamental para promover la existencia de unas vías de peregrinación por donde van a fluir personas, ideas e innovaciones técnicas y estéticas. Las órdenes monásticas van a favorecer muchísimo las peregrinaciones y se encargarán de custodiar las reliquias. A lo largo de los distintos caminos de peregrinación, especialmente el de Santiago de Compostela, surgieron numerosas iglesias de peregrinación Todas tenían características muy similares: tres o cinco naves, la central cubierta con cañón y las laterales con bóvedas de arista, girola con tres o cinco absidiolos, uno o dos ábsides por brazo del crucero, pilares compuestos (pilares más semicolumnas), etc. SAN MARTÍN DE FROMISTA Autor: Cronología: Siglo XI - comienzos del siglo XII Localización : Fromista ( Palencia), etapa del Camino de Santiago. De planta rectangular basilical, se trata de una iglesia de tres naves, la central más alta y de anchura doble que las laterales. Los elementos decorativos en el interior están constituidos por e capiteles con iconografía variada: Antiguo Testamento, Nuevo Testamento, vegetales, geométricos .. Poca luz en el interior. Destacan de sus vista exterior sus volúmenes de claridad geométrica. DUDA STO TOMAS AUTOR: Maestro de Silos. CRONOLOGÍA: Hacia 1130. LOCALIZACIÓN: Claustro Sto Domingo de Silos (Burgos). Relieve medio realizado sobre piedra caliza. Tema religioso; El apóstol Tomás no cree en la resurrección de Cristo hasta que no introduzca sus dedos en los agujeros de las manos y su mano en la herida de su costado. Las figuras se disponen en tres niveles: Nivel inferior: tres apóstoles situados de la mitad hacia la derecha, a continuación Cristo levantando el brazo y, cerrando este nivel, la figura de Sto Tomás introduciendo el dedo en el costado de Cristo. Nivel intermedio: Cuatro apóstoles. Nivel superior: Otros cuatro apóstoles. Tamaño jerárquico en las figuras. PÓRTICO DE LA GLORIA Cronología Finales S.XII, Autor: Maestro Mateo y sus discípulos. Loc: Catedral de Santiago de Compostela. El Pórtico se organiza en tres arcos, (los dos laterales carecen de tímpano) el de la izquierda presenta escenas del Antiguo Testamento, el central, que es el más conocido, el

tema es el Apocalipsis y el de la derecha Juicio Final. Lectura de izquierda a derecha. Temática religiosa; relieve que originalmente estuvo policromado con colores llamativos y brillantes. Hecho en mármol y granito. CATEDRAL SANTIAGO COMPOSTELA. LOCALIZACIÓN: Santiago de Compostela, La Coruña, España. AUTOR: Desconocido. Las obras fueron encargadas por los obispos Diego Peláez (hasta 1087) y Diego Gelmírez (hasta 1128). El Pórtico de la Gloria (que no vamos a analizar aquí) es obra posterior, del maestro Mateo, realizada en la 2ª mitad del siglo XII. CRONOLOGÍA: 1075 a 1128. Último tercio siglo XI- 1º tercio siglo XII. Edad Media

RENACIMIENTO. PERSPECTIVA. La perspectiva es la recreación de una ilusión de la profundidad en una superficie bidimensional. Con la utilización de la perspectiva se busca representar no solo las dimensiones tradicionales de altura y anchura, sino también el fondo, es decir, la profundidad. Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto del renacimiento italiano, realizó una serie de experimentos por los que descubrió que los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos estén. Fue acogida en el renacimiento con el fin de conseguir unas representaciones artísticas más realistas por artistas como Giotto (Capilla Vardi en Florencia), Filipo Brunelleschi (Cúpula de la Catedral de Florencia. ), Alberto Durero (Mandolina). La perspectiva más importante del Renacimiento era la perspectiva lineal, que consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad. Existen otros tipos de perspectiva, que también buscan conseguir la sensación de profundidad. Los más importantes son: la perspectiva caballera, que consiste en representar los objetos como si se vieran desde lo alto. La perspectiva cónica, los objetos disminuyen de tamaño a medida que se alejan del observador. La perspectiva aérea, que representa la profundidad o la distancia por medio de gradaciones en el color, la nitidez y los tonos de los objetos a medida que se alejan en el plano.

MANIERISMO. El Manierismo fue un estilo artístico de transición o evolución desde finales del Renacimiento hasta los inicios del Barroco, aproximadamente entre mediados-finales del siglo XVI y principios del XVII. Se trata de un arte heterogéneo en el que triunfa la extravagancia, lejos de la imitación perfecta de la naturaleza. Son nuevas formulaciones cada vez más orientadas a un perfeccionamiento extremo de la "maniera" o estilo de otros autores. En cuanto a la representación, se produce un alargamiento del canon, el uso de la figura serpentinata, cierto monumentalismo, también se alejan del naturalismo, buscaban variedad dentro de la obra, en algunas obras no se corresponde el tema con el estilo, se utilizan además distintos puntos de fuga fuera del campo de visión que rompe el equilibrio. Algunos de las obras más destacadas de este estilo artístico son Vertumno de Giuseppe Arcimbolo en la pintura, el Palacio del Té de Giulio Romano en la arquitectura, y el Rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia en la escultura.

TIZIANO. Tiziano Vecelli fue el máximo representante del clasicismo de Venecia en el siglo XVI. Enviado a Venecia de niño, fue instruido por Gentile Bellini y después por el hermano de éste, Giovanni, pero hacia 1507 se asoció a Giorgione y en 1508 decoraron entre los dos el exterior del Fondaco dei Tedeschi. Contribuyó con espléndidas obras al arte renacentista con trabajos de distintas temáticas: pintura religiosa, retratos, mitología y paisajes con figuras. En 1516 fue nombrado pintor oficial de la República veneciana. Sus características más destacadas van a ser, la plena libertad en el uso del color, la importancia del paisaje, la gran carga de óleo en cada pincelada, su cuidada distribución de las figuras en el espacio y la expresividad que muestran los personajes en sus rostros y en sus posturas. Entre sus obras mas famosas destacan: el Retrato ecuestre de Carlos V, La Asuncion de la Virgen, Venus de Urbino, La Piedad, etc. PALLADIO. Fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. De familia humilde; apenas con 13 años ingresaría como aprendiz en un taller de cantería de la ciudad, donde iniciaría su formación. Con treinta años, Andrea entró en contacto con Giangiorgio Trissino, humanista y personalidad de gran relevancia en los ambientes culturales vicentinos, quien lo puso bajo su protección. Fue así como Andrea Palladio fue alcanzando notable prestigio en los ambientes ilustrados de la región del Veneto, siéndole encargados numerosos proyectos de palacios y villas señoriales suburbanas. Cuando este murió, Palladio conoció a otro mentor y llegó a ser nombrado arquitecto mayor de la República Véneta. Tres de sus construcciones más importantes: La Basílica de Vicenza, Il Redentore y la Villa Rotonda.

QUATTROCENTO Se denomina Quattrocento al periodo del arte italiano correspondiente al siglo XV que es uno de los más importantes del panorama artístico europeo y esta comprendido dentro de la corriente renacentista. En esta época aparece la figura del artista y surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Así pues, artistas e intelectuales humanistas querrán superar aquel mundo clásico, no solo imitar sus bases. Todo esto dio lugar a una nueva concepción del mundo: el antropocentrismo. El hombre es la obra más perfecta de Dios, el centro y medida de todas las cosas. Los máximos exponentes serían: escultores como Donatello (el David), pintores como Sandro Botticelli y destacan en la arquitectura Filippo Brunellesch CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES Autor (nombre): Brunelleschi Localización: Florencia, Italia. Cronología: 1471 (Quatroccento) Identificación y justificación del lenguaje estilístico:

Se trata de una cúpula -elemento sustentado- que culmina la catedral de Santa María de las Flores. De forma ligeramente apuntada, está compùesta por dos estructuras -uno exterior y otra interior- que se refuerzan una al otra, aligerando considerablemente el peso de la cúpula. La enervadura de la cúpula se apoya en un tambor octogonal y está reforzada por pechinas interiores. Está considerada la primera obra arquitectónica del renacimiento italiano. SAN PIETRO IN MONTORIO Autor (nombre): Bramante Localización: Roma, Italia. Cronología: 1502 Identificación y justificación del lenguaje estilístico: Edificio de caracter religioso (templete) promovido por los RR.CC. Para celebrar la toma de Granada. Su planta es circular, recordando a los templos circulares (tholos). Posee una columnata con peristilo y una cella cubierta por una cúpula. Está decorada en un estilo muy austero, con varios elementos del dórico y el toscano (capiteles, triglifos y metopas...). Se pueden observar aspectos relacionados con la armonía, la proporción y la búsqueda de perspectiva a la vez de la confluencia de varios de sus elementos sustentantes y sustentados. EL JUICIO FINAL Autor: Miguel Angel Cronología: 1537-1541 Localización: Capilla Sixtina, Roma, Italia Características: El Juicio Final es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina, es de género religioso cuyo tema es el Juicio Final, extraído del Apocalipsis de San Juan. Cristo es el centro de la obra, con un enérgico y aterrador movimiento separa a los justos de los pecadores. María, temerosa, se esconde junto a su hijo asustada. Alrededor a ellos están varios santos, representados sin perspectiva alguna. Debajo de este grupo central se encuentra un grupo de ángeles con sus trompetas y de una gran multitud donde se encuentra gente común. Del lado derecho están los condenados que están siendo arrojados por ángeles y algunas personas a las Tinieblas. LA ÚLTIMA CENA. Autor: Leonardo Da Vinci. Cronologia: 1495-1497 Localizacion: Convento Dominico de Santa Maria Delle Grazie Caracteristicas La ultima cena es un fresco original de Leonardo Da Vinci ejecutada con una tecnica novedosa de oleo y temple sobre yeso. En ella se representa a Jesus de Nazaret en su ultima cena antes de ser traicionado, es por eso que Cristo se encuentra en el centro de la obra justo debajo del punto de fuga. LA TRINIDAD Autor: MASACCIO. Cronología:1425-1427 Localización: Iglesia de SANTA MARÍA NOVELLA. FLORENCIA.

La obra se encuentra realizada en una pared utilizando la técnica del fresco. Predomina la línea sobre el color. El autor ha creado con la luz y los colores unos claroscuros que refuerzan el carácter tridimensional de las figuras. Se recurre a las formas geométricas para organizar todo el espacio. En la parte superior la Trinidad con Dios padre, la paloma como espíritu santo y el hijo crucificado, en el segundo nivel María que mira al espectador y nos introduce en el cuadro y Juan, y en el tercer nivel dos donantes representados

ROMANTICISMO / MODERNISMO. PINTURAS NEGRAS (GOYA) Las Pinturas negras (1819–1823) son los catorce cuadros de Goya pintados con la técnica de óleo ―al secco ― como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo. En 1873, ante el inminente derribo de la finca, fueron trasladadas de revoco a lienzo.

Hay consenso entre la crítica especializada en proponer causas psicológicas (conciencia de decadencia física, las consecuencias de la grave enfermedad que padeció) y sociales (represión absolutista de Fernando VII) para la realización de estas pinturas. La composición de estos cuadros es muy novedosa, apareciendo las figuras descentradas. Muchas de las escenas son nocturnas, con ausencia de luz. Todo ello genera una sensación de pesimismo, de enigma y espacio irreal. Se muestra lo feo, lo terrible, todos los aspectos de la vida humana sin descartar los más desagradables. La gama cromática se reduce casi a ocres, dorados, tierras, grises y negros. Todos estos rasgos son un exponente de las características que el siglo XX ha considerado como precursoras del expresionismo pictórico. Algunas de las Pinturas Negras más conocidas son “El aquelarre”, “Duelo a garrotazos” o “La romería de San Isidro”. EL MODERNISMO El Modernismo es un movimiento artístico que se desarrolla en el último tercio del siglo XlX y comienzos del XX. Este estilo modernista afecta a la arquitectura, escultura, pintura, pero también al mobiliario, cristalería y artes menores. Además se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna y manifiesta una gran libertad creativa utilizando tanto materiales antiguos como nuevos recreando formas basadas en la naturaleza (modernismo ondulante) El nombre le vino dado al movimiento a raíz de una exposición de Munch en París, el año 1896, en la galería "Art Nouveau”. Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo. GERICAULT Théodore Géricault fue un pintor francés muy influyente en su época y uno de los principales y primeros artistas del romanticismo del siglo XIX. Su carrera pictórica se desarrolla tan solo a lo largo de diez años.

Se formó en París en talleres de Carl Vernet y Pierre Guérin. Para completar su formación artística copia las obras de Rubens y de Caravaggio. Su primera gran obra “Oficial de cazadores a la carga” una inusual escena de batalla que le valió un éxito inmediato. En 1818, emprende una gran composición sobre un suceso contemporáneo, el hundimiento del barco francés “La Medusa”. Esta escena de desesperación, lucha y dolor de unos hombres apiñados sobre una balsa de fortuna, suscitó pasiones, tanto en Francia como en el extranjero. En sus retratos de locos o maníacos, Géricault expresa de manera magistral el tormento psíquico. Con el cuadro “Coracero herido saliendo del fuego” de 1814, ilustra la desesperación que se apoderó de toda una generación a la caída del Imperio. Fascinado por la fuerza y fogosidad del caballo, utilizó su valor expresivo para dar mayor relieve a la imagen de la derrota. También realizó varias estatuillas en bronce, una excelente serie de litografías y cientos de dibujos y bocetos en color. LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO Cronología: 1830 Autor: Eugéne Delacroix Localización: Museo de Louvre, París Pintura de óleo sobre lienzo donde la composición tiene como eje central el elemento más importante es la mujer, que representa alegóricamente a la libertad que guía el pueblo, identificado en distintas clases sociales a las que parecen pertenecer los personajes del cuadro. Las pinceladas muy sueltas y onduladas, con la luz del lado izquierdo iluminando a ciertos ángulos del cuadro. Tratamiento de las figuras es realista y se utiliza la perspectiva aérea con los colores difuminados de fondo. La obra pretende ser una exaltación nacionalista y liberal del estallido revolucionario francés de 1830. EL TRES DE MAYO Autor: Francisco de Goya Cronología: 1814 Ubicación: Museo del Prado, Madrid Comentario: Se trata de un óleo sobre lienzo que representa un hecho histórico, concretamente los fusilamientos que tuvieron lugar el 3 de Mayo de 1808 a las afueras de Madrid tras el levantamiento popular de el dos de mayo. Goya utiliza una pincelada fina y un recurso luz tenebrista que recae sobre el grupo de ejecutados, a los que dibuja con gran dramatismo y expresividad mientras que los ejecutores quedan de espalda al espectador, con un deseo de deshumanizarlos por parte del pintor. La obra puede considerarse un alegato antibelicista y precursora del Expresionismo. LA SAGRADA FAMILIA Autor: ANTONIO GAUDÍ Fecha: Inicio 1882 Localización: Barcelona, España. La Sagrada Familia es el monumento más conocido y característico de Barcelona. Se trata de una construcción religiosa con consagrada como catedral. Su edificación, realizada en

estilo modernista, está concebida a partir de bocetos generales, improvisando algunos de sus elementos constructivos. Mientras fachada puede considerarse neogótica, siendo rematada la catedral por una serie de originales torres cónicas, su interior está caracterizado por el soporte de una bóveda en catenaria por una serie de columnas arborescentes, siendo de un plantel más naturalista. Se espera que la catedral pueda ser finalizada durante este siglo.

C...