Pintura Renacentista Italiana DEL Siglo XV PDF

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Apuntes de clase...

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PINTURA RENACENTISTA ITALIANA DEL SIGLO XV Características: 1. Superación de los convencionalismos góticos. 2. Búsqueda de la belleza 3. Preocupación por la profundidad, conseguida por una perspectiva cada vez más perfecta, y con una mejor adaptación de las figuras a su entorno. 4- Preocupación por los volúmenes de figuras y objetos, como si estuviesen en relieve. 5. Despliegue deliberado de minuciosas arquitecturas "a lo romano", enfatizadas por unas perspectivas que llegan a ser a veces ilusionistas y espectaculares. Algunas de estas conquistas técnicas las recoge Alberti en la escultura y su tratado "De Pictura" (1436). 4.1. Pintores vinculados a Florencia 4.1.1 Tommaso Masaccio (Arezzo, 1401-Roma, 1428) Masaccio, pese a su corta vida, es una figura clave dentro de la pintura del siglo XV florentino. Es el primer gran pintor que marca la transición del Gótico al Renacimiento, poniendo las bases de la pintura posterior. Fresco de Masolino (1425) en la capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmen de Florencia. De izquierda a derecha: Masolino, Masaccio, Alberti y Brunelleschi. - Crucifixión (Museo de Capodimonte, Nápoles; 1426) Temple sobre tabla 77 x 64 cm: En esta pintura se observa todavía la herencia gótica especialmente en el fondo dorado. Pero la volumetría de Jesucristo y las actitudes de los personajes (entre el dolor delirante de María Magdalena y la silenciosa y contenida congoja de la Virgen María y de San Juan Evangelista), son un punto de avance y sobresalen magistralmente en esta pintura. Masaccio se hizo famoso por los frescos de la capilla Brancacci (Iglesia del Carmine, Florencia, hacia 1425-1427), dedicados a San Pedro Apóstol. En estas pinturas Masaccio creó el fresco renacentista, y fueron muy estudiadas y admiradas por otros pintores. En la misma capilla pintaron también Masolino y Filippino Lippi. Los frescos se disponen en bandas narrativas relativas a episodios del Antiguo Testamento. - El tributo de la moneda: Aparecen los rasgos de toda la serie: representación del espacio tridimensional de acuerdo con la perspectiva de Brunelleschi, monumentalidad de las figuras, sobriedad y ritmo majestuoso. Masaccio logra una perspectiva pictórica, rodeando las figuras de luz y aire, de modo que por fin se despegan del fondo y se

mueven libremente en el espacio. - Fresco de la Trinidad (1426-1428): La Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan Evangelista y Donantes (Florencia. Iglesia de Santa María Novella). Completo con altar pintado en la parte inferior. Fue redescubierto el fresco en su integridad en 1861, después de ocultarse en el siglo XVI por un retablo de Vasari y un altar de piedra. Se considera una de las primeras pinturas emblemáticas del Renacimiento. Características: - Perspectiva - Verosimilitud - Ilusión espacial - Punto de vista bajo: nos permite ver la bóveda de cañón. Pero los Donantes, arrodillados en primer término, proporcionan a la vez otro elemento básico de esta ilusión de realidad (Trompe l’oeil), pues al tapar las pilastras dan la impresión de ocupar realmente el primer plano. Donantes (Berti di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra). 4.1.2. ANDREA DEL CASTAGNO (San Godenzo, 1423, Florencia, 1457) Su obra cumbre es la Santa Cena del convento de Santa Apolonia de Florencia. Acabada hacia 1447. Sin tener la monumentalidad espléndida de las obras de Masaccio, Castagno recrea la Santa Cena en un triclinium romano. Domina la perspectiva, la volumetría de las figuras, y la recreación marmórea embutida en los muros. Jesucristo, San Pedro a su derecha; San Juan Evangelista (recostado) y Judas Iscariote en primer plano. 4.1.3. PIERO DELLA FRANCESCA (Borgo del Santo Sepolcro; cerca de Arezzo, 1414- 1492). Pintor toscano vinculado a la escuela florentina, aunque trabajó también en Urbino (Marcas). "De Prospectiva Pingendi" (1460) habla en este tratado de que la obra pictórica debe parecer real mediante la perspectiva de las arquitecturas y la volumetría de las figuras, como si fueran estatuas. Vasari afirma que Piero hacía modelos de arcilla, que luego representaba en la superficie pintada. Se ha pensado que creara efectos de luz artificial con una bujía. Estos recursos llevaron a incurrir en el estatismo. Sus figuras en varios de sus cuadros están congeladas, como suspendidas en sus mismos movimientos. - La Resurreción de Cristo (1463-1465. Fresco y temple. 225 x 200 cm. Museo Cívico de Borgo del Santo Sepolcro): Se trata de una composición solemne dispuesta en tres planos: el paisaje, Cristo saliendo del sepulcro y los soldados dormidos. La composición es piramidal, formada por la hierática frontalidad de Cristo y los soldados dormidos (con el autorretrato del pintor) en la base y ante el sepulcro.

- Flagelación de Cristo (1455) Urbino. Palacio Ducal: Composición concebida con rigor matemático. Protagonismo de la perspectiva. figuras en relieve dispuestas ante alementos arquitectónicos para denotar las distancias, con una escala arcaizante y arbitraria todavía entre los personajes y dicha arquitectura. La tradición ha visto un paralelismo temático entre las dos escenas y supone que los tres personajes de la derecha, son el hermanastro de Federico de Montefeltro flanqueado por dos de los perversos consejeros suyos que tomaron parte en la conjura de los Serafini para matarle. 4.1.4. BENOZZO GOZZOLI (FLORENCIA, 1421-Pistoia, 1497) - Corte de los Reyes Magos (Palazzo Medici Riccardi): De estilo inconfundible, llama la atención su forma de componer, de tipo renacentista con caracteres medievalizantes. Utilizando probablemente miniaturas persas, compuso Gozzoli escenas con estratos rocosos y escarpados y estrecha faja de cielo. Por este escenario avanzan los Magos; un pretexto para componer un triunfo de ascendencia romana, con retratos de los Medicis. 4.1.5. DOMENICO GHIRLANDAIO (FLORENCIA 1449- FLORENCIA 1494) Uno de los mejores pintores florentinos de la segunda mitad del siglo XV. Supuesto autorretrato de la Adoración de los Reyes Magos (1488). Tiene dos grandes vertientes: 1.- El fresco ilusionista y perspectiva, de tradición ya en Florencia desde principios del siglo XV. 2.- La pintura de caballete, con empleo del óleo, procedente de la pintura del Gótico flamenco. De esta fuente aprende la minuciosidad en algunos de sus lienzos. - Exequias de Santa Fina, 1475. Colegiata de San Gimignano (Cerca de Siena): Adaptación al marco arquitectónico real; protagonismo de la arquitectura pintada; y personajes colocados simétricamente en torno al lecho de la santa. PRIMERA VERTIENTE - Última cena de ognissanti (1480). Refectorio del Monasterio. Florencia: Tuvo varios encargos de este tema para cenobios florentinos. Igualmente adaptación al marco arquitectónico real: ilusionismo espacial; mesa recordando un triclinium romano. San Juan junto a Jesucristo y Judas en primer plano. - Escenas de la vida de la Virgen. Serie. Capilla Tornabuoni. Florencia. Santa Maria Novella (1485- 1490): Destaca el detallismo de la decoración grutesca (arquitectónica). - La Visitación de la Virgen María s u prima Santa Isabel: Refleja el interior doméstico de la vida de la nobleza italiana del siglo XV. Realismo,

protagonismo y recreación excepcional de la arquitectura renacentista. SEGUNDA VERTIENTE - Retrato de un anciano con su nieto (Louvre; hacia 1485; técnico del óleo con temple): Realismo procedente del retrato flamenco. La naturaleza a través de la ventana es más italiana. Contraste de mirada (experiencia e inocencia). - Adoración de los Magos (Uffizi, Florencia. Temple sobre tabla 1488): Composición monumental llena de figuras y dominio de la simetría. Utilización de la perspectiva y de planos superpuestos para crear profundidad. Clasicismo de las columnas con grutescos ornamentales....