Apuntes sobre Pintura Renacentista PDF

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El documento incluye lo siguiente: características principales de la pintura renacentista,etapas del renacimiento,autores y análisis de varias obras...

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RENACIMIENTO: PINTURA GENERAL CARACTERISTICAS PRINCIPALES: • La temática es religiosa o profana (mitológicos, alegóricos, retratos o históricos.). • Tratamiento del escenario arquitectónico y del paisaje que sirve para dar profundidad a la escena y encuadrarla. • Se va perdiendo lo estrictamente lineal frente al interés por la luz y el color. El modelado se consigue con efectos de luces y sombras. • Gran importancia a la figura humana bella y proporcionada desarrollándose el desnudo. • El dominio de la ciencia de la perspectiva se convierte en una obsesión para los pintores y en lo novedoso de la época (la luz y el color ayudan a crear este efecto). • Se prefiere la simetría y la compensación de grupos, pero en el manierismo se inclinan por composiciones inestables y asimétricas. • Las técnicas son variadas, pintura mural al fresco como pintura de caballete, en principio sobre tabla y después sobre lienzo, con temple hasta la segunda mitad del siglo que por influencia flamenca se introduce el óleo.

ETAPAS DEL RENACIMIENTO, AUTORES Y OBRAS: • TRECENTO XIV (prerrenacimiento o “ante sala”) Cambio en el que el foco se fija en IT y no en FR. Se asientan las bases de renacimiento y es considerada una etapa bisagra desde el gótico. Las obras que destacan en este periodo son los trípticos en los que nos encontramos con personajes ubicados sin perspectiva ni profundidad. Escuelas: -Florencia: destaca Giotto do Bandore que domino el dibujo y la luz, en su obra destaca el fresco e inaugura la tridimensionalidad y abre camino al volumen. Sus discípulos mas importantes fueron Taddeo Gaddi y Bernardo Daddi. -Siena: Inicia con Duccio fiel a lo bizantino cuya obra más representativa es Madonna Rucellai y la Anunciación de la Catedral de Siena , pero el máximo exponente fue Simone Martini con las obras del Gran Salón del Consejo del Palacio de Siena. -Venecia: Gusto por o bizantino donde destacan los hermanos Veneziano(Pablo y Lorenzo: Políptico de Lion) y Guariento di Arpo que pintó el retablo de la coronación de la virgen de Sala del Gran Consejo del Palacio de los Dogos de Venecia. • QUATTROCENTO XV “Primer renacimiento” donde la principal característica es la evocación de lo antiguo y reflejar la naturaleza fielmente. Dominio de la perspectiva aportando una mayor sensación de realidad gracias a Giotto en el SXIV y a Fra Angélico y Masaccio que perfeccionan dicha técnica. Predomina el mural, se pinta sobre tabla y muebles determinados en ocasiones especiales (Bodas). Pintura al temple con huevo o cola como aglutinante y más adelante el óleo. En esa 1

época el centro de atención es la figura humana y los temas a tratar son religiosos, aunque también nos encontramos alegorías y escenas mitológicas. El retrato se independiza de lo religioso. 

Masaccio: (Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai) fue un pintor italiano. Que tuvo una vida breve 21/12 1401 hasta otoño 1428. Su obra tuvo una importancia a lo largo de la historia de la pintura ya que se considera como el primer pintor en aplicar la perspectiva científica en sus obras (desarrollada por Brunelleschi). Rompe con el periodo anterior; en su obra nos encontramos con cuerpos muy definidos mediante el volumen y un gran desarrollo de los pliegues de la ropa; escenarios tiene profundidad. Destaca El Tributo a la Moneda; La expulsión del paraíso de Adán y Eva; La Trinidad.

-TRIBUTO DE LA MONEDA: El Tributo se ubica en el compartimento superior del lateral izquierdo de la capilla Brancacci. Se narra la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaúm, encontramos tres episodios dentro de la misma composición: en el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de la boca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción. - Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje, formando un ovalo y vestidas a la manera griega. Conviene destacar la expresividad de los rostros, que aportan una sensación de realismo, reforzada por los gestos. -Al ubicar al recaudador de espaldas, el maestro intenta involucrarnos en la escena y hacernos partícipes del episodio. -Luz en toda la composición, resaltando los colores y el efecto de volumen de los personajes, interesándose Masaccio por la anatomía, como se observa en las piernas(recaudador) -La arquitectura de la derecha es aún algo arcaica, pero sirve para obtener perspectiva se alterna con los paisajes. -Respecto al significado que Masaccio pretende transmitir con este fresco existen diversas interpretaciones; se ha apreciado una referencia a la reforma tributaria que se produjo en Florencia durante el año 1427, que obligaba a declarar las rentas propias con la introducción del catastro. -LA TRINIDAD: En la parte superior la Trinidad con Dios padre, la paloma como espíritu santo y el hijo crucificado, en el segundo nivel María y Juan, y en el tercer nivel dos donantes. En la zona inferior se simula un altar entre columnillas y un esqueleto en un sarcófago símbolo de la muerte, por la que han de pasar los hombres. La escena recogería el momento de la muerte de Cristo, acudiendo a Dios, junto al Espíritu Santo a acogerle y llevárselo con él. La composición es cerrada, cierran la composición los dos donantes de color azul y rojo y simétrica ocupa el eje central la cruz. -Inserción o ubicación de la escena en un marco arquitectónico, que recuerda a la arquitectura de Brunelleschi y al mundo clásico: pilastras corintio con entablamento, clípeos, bóveda de cañón decorada sustentada por columnas adosadas de orden jónico. 2

-En la composición se pueden observar esquemas triangulares: ejemplo la base del triángulo se sitúa en los donantes y el vértice en la cabeza de Dios padre; otro triángulo cabeza de Diosbrazo de la cruz o brazos de Cristo. - Distribución armónica del color con dominio del rojo, azul y colores ocres o terrosos. - Efecto perspectiva empleado mediante el uso de las matemáticas, el punto de fuga es el pie de la cruz. Es la primera pintura conocida que emplea una perspectiva racional correcta, técnica que introdujo en Florencia Brunelleschi. El efecto se nota en el interior de la bóveda de cañón - Se busca un sentido narrativo mediante la relación entre los personajes: Dios sujeta a Cristo, Juan mira hacia Cristo; María señala a Juan María nos introduce en la escena mirando al frente. -Función y significado religioso: simbolismo de la muerte y resurrección El hombre

muere(esqueleto) pero la muerte de Cristo tranquiliza al hombre y su posterior resurrección es la esperanza de vida eterna. 

Fra Angélico: (Beato Angélico O.P) fue un pintor cuatrocentista italiano que combinó la vida de fraile con la de pintor. Llamado así por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y su devoción (beatificado por Juan Pablo II en 1982). Su pintura es un nexo con el periodo gótico caracterizada por la belleza idealizada y las actitudes serenas. Destaca la Anunciación del convento de San Marcos.

-LA ANUNCIACIÓN: El tema Evangelio de San Lucas donde describe el momento en el que el arcángel Gabriel es enviado a visitar a María para darle la noticia de que será madre del Mesías. Escena encuadrada en un espacio arquitectónico que se abre a un jardín y a un bosque aportándole profundidad y perspectiva a la obra. -La composición es simétrica. Una columna divide la escena en dos partes en las que se encuentran los protagonistas el arcángel y María. -El dibujo delimita todas las figuras y se observa especialmente en las alas que están realizadas con detalle. -Las figuras presentan cierto hieratismo y rigidez, los pliegues rígidos, y sobre sus cabezas nimbos. Pero estas figuras son delicadas y transmiten dulzura y serenidad, así como algunos detalles del jardín, de los árboles. -Los colores son suaves y proporcionan delicadeza. Color cálido en Gabriel y color frío (azul) y cálido en María. Poco volumen. -La luz procede de la izquierda y cae sobre la espalda de Gabriel. -Existe un inicio en la profundidad mediante la perspectiva de la puerta y la pequeña ventana - No existe una gran expresividad, serenidad en la comunicación y una aceptación y por parte de María que acepta ser la madre del Mesías. Monjes observan desde la distancia. 3

-La parte izquierda de la tabla está ocupada por la expulsión del paraíso de Adán y Eva. Ambos ya vestidos y completamente avergonzados son expulsados del Edén por un ángel. Sobre ellos, en la esquina superior derecha, las manos de Dios asoman resplandecientes enviando un haz de luz y al Espíritu Santo(paloma).

-El simbolismo de la obra Adán y Eva, los primeros padres, fueron el origen del pecado, la caída del hombre. María, es la madre del Salvador, con ella comienza la salvación del hombre y el fin del pecado. • CINQUECENTO XVI Búsqueda de lo clásico y la imitación de la naturaleza, predominio del color sobre el dibujo, uso del volumen y el sombreado con el fin de aportar profundidad a las obras; tematización del paisaje con efectos luminosos. El retrato se convierte en un género visual 

Da Vinci: (Leonardo di ser Piero da Vinci) ingeniero, pintos y artista…italiano. Estudio con Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos importantes fueron en Milán, más tarde en Roma, Polonia, Venecia y sus últimos años de vida los paso en FR (Francisco I). Dominó la profundidad de modo natural, busca en equilibrio formal. Técnica del sfumato que consiste en captar el ambiente envolviéndole en una neblina abandonando la definición de los contornos. Destacan La Gioconda, La última Cena y la Virgen de las Rocas.

-LA GIOCONDA: Identidad: amante de Giuliano de Médicis, pero se cree retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco Giocondo un comerciante de Florencia. -La técnica es óleo sobre tabla de álamo que luego se trasladó a lienzo, aparece sin cejas al parecer por una errónea restauración. -Sentada lateralmente y cabeza levemente girada, brazo izquierdo que descansa sobre el brazo de la silla en sentido contrario a la cabeza. -Fino velo, encajes, estudio naturalista de los pliegues del vestido y de los finos dedos alargados de gran elegancia. -La composición es clásica, triangular con el vértice en la cabeza que crea equilibrio. -Rasgos y el contorno de la figura están difuminados por el sfumato. -La luz se concentra en el rostro y crea un suave sombreado nuestra derecha. Fino velo, símbolo de la castidad. -El paisaje en el que se sitúa la figura es muy importante tanto por el hecho de conseguir la profundidad como por resaltar su sonrisa. -En este paisaje en el que combina, lagos, montañas y niebla aparece todo muy difuminado con lo que crea la profundidad que se consigue con el sfumato y con gamas de color frías: azules, plateadas. -Paisaje la línea del horizonte no coincide es más alto a nuestra derecha por lo que arrastra la mirada hacia abajo y el de la derecha lo hace hacia arriba pareciendo más alta. 4

-También cambia la expresión al mirarla de uno u otro lado - Su expresión está entre sonriente y nostálgica -LA ÚLTIMA CENA: Composición: rigor geométrico. Parte de una simetría marcada por Cristo como eje. Su figura, en forma piramidal ocupa gran parte de la obra y remarcando su figura. A sus lados, los apóstoles se ordenan en dos grupos de tres personajes que se relacionan entre sí a través de los gestos de las manos. Efecto de ola o vaivén. -Línea es muy débil y el sfumato afecta a ello. -Color: Azul y rojo-naranjas. Alternancia se culmina en la figura de Cristo, dividida en dos zonas cromáticas. El resto de la obra tonos terrosos. -Luz: Dos focos de luz en la obra. Uno procede desde el exterior, a nuestra izquierda para iluminar la escena y sus personajes suavemente. En el fondo, tras las tres ventanas abiertas, proviene otra luz, esta vez exterior y azulada. -Espacio: formas de conseguir un espacio tridimensional. Por una parte las paredes y el techo crean líneas de fuga a través de los tapices y casetones que nos conducen hacia la pared del fondo (perspectiva lineal). [definición del espacio a través de la nitidez de los perfiles que contrastan con el fondo azulado y borroso del paisaje tras las ventanas. (Perspectiva aérea)] Alternancia rítmica de zonas claras y oscuras en profundidad que consiguen crear la impresión 3d. -Figuras: Reacciones humanas ante la noticia de la traición, desde la placidez ira, la incredulidad, la duda..., representado mediante el lenguaje de las manos y los gestos de la cara(affeti). Anatomía no está estudiada en exceso. -Interés por la perspectiva, volumetría y composición; sentimientos y el carácter narrativo y emocional. -LA VIRGEN DE LAS ROCAS: - La escena la sitúa en un marco natural idealizado Junto a la arquitectura natural de las rocas=cueva, el curso del río, plantas, veg. y agua. La composición es clásica triangular o piramidal que da estabilidad y firmeza al conjunto. El vértice superior sería la cabeza de la Virgen A la derecha el arcángel Uriel señala al niño Juan. -Tratamiento de las figuras. Los personajes están idealizados, Virgen =ternura y elegancia. En cuanto al volumen en todas las figuras consigue este efecto de corporeidad mediante claroscuro y la gradación de tonos del color por ejemplo en los rostros -Los colores más utilizados son el marrón, el negro, el azul. Se observa fríos como cálidos.

tanto colores

-La Virgen viste con colores primarios un manto azul=pureza, que cubre un vestido amarillo=divinidad. -Color es usado para conseguir profundidad

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-Toda la escena está llena de misterio logrado por la técnica del sfumato. Los perfiles se desdibujan, se funden las figuras con el paisaje. -Luz: parece proceder de fuera, de nuestra izquierda. Entre un foco y otro la luz se va degradando dejando en penumbra la cueva y creando sensación de espacio. -El movimiento se establece mediante el juego de miradas y manos -Simbolismo: - la roca simboliza la firmeza de Dios; en las rocas en la parte izquierda la cueva representa el vientre de la madre y el paso a la otra vida, también simboliza el origen de la vida y de la resurrección ya que Cristo nació en una cueva y fue enterrado en una cueva. - El río y el agua simbolizan la pureza y también el bautismo. - La anémona a la izquierda simboliza la muerte. - Los pétalos rojos simbolizan la sangre. - La palmera se asocia con el martirio y la santidad

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Rafael Sanzio: también de Urbino, fue pintor y arquitecto. Sus obras son la fusión del orden, armonía, delicadeza e innovación; trata los temas con mucha sensibilidad (Madonnas = dulzura), creo composiciones de gran complejidad, escenas de desnudo. Junto con M. Ángel y Da Vinci formaban el trio de los maestros del periodo. Consigue mediante la profundidad que sus personajes no tuvieran una apariencia rígida y tosca. Destacan Retablo del beato Nicolás de Tolentino, La escuela de Atenas y La Crucifixión.

-LA ESCUELA DE ATENAS: La composición: Predomina la línea recta, el ángulo recto y las formas rectangulares y semicirculares. Platón =Da Vinci y Heráclito =M. Á -El color: Compensar los fríos con los cálidos para crear armonía -La luz: natural crear volumen por medio del claroscuro, luces y sombras. El foco procede desde arriba y procura distribuirla de forma homogénea. -Arquitectura de ideales renacentistas: bóvedas de cañón con casetones, esculturas…

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Miguel Ángel: Buonarroti (1475-1564) Genio del periodo, escultor, arquitecto, pintor y considerado uno de los artistas más grandes de la hª. Desarrollo su labor artística en Roma y Florencia. En pintura destacan las obras de la Capilla Sixtina en las que encontramos episodios desde la Creación hasta Moisés (1508-1512) pero en el testeo pintó un gran Juicio Final que acabó en 1541, en estas obras se refleja el tratado sobre las formas, luz y color; la exaltación de la anatomía y el desnudo con el que refleja que el hombre es el centro de todas las cosas (antropocentrismo). Sirve de influencia a artistas posteriores que estudiaran su obra.

-EL JUICIO FINAL DE LA CAPILLA SIXTINA: -Composición giratoria: A la derecha de Cristo van ascendiendo para colocarse junto a los bienaventurados, los santos y los mártires; mientras, a la izquierda de Cristo precipitada los infiernos. 6

-Espacio irreal y perspectiva jerárquica en torno a Jesús (a sus pies San Lorenzo y San Bartolo) Naranja: ángeles con símbolos (cruz, espinas) Morado: mundo terrenal e infierno. Amarillo: entrada al infierno -Está restaurado. -Colores de gama cromática fría como el azul, blanco, verdes… • MANIERISMO La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento hasta el principio del barroco, pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII * Reacción anticlásica: en lugar de belleza, armonía y unidad, hay ‘tensión, desequilibrio, inestabilidad y ruptura. * Figuras estilizadas, de cánones alargados, con exagerados escorzos, dando sensación de inestabilidad. * Formas curvas y ondulantes que cubren el plano, negando la profundidad del espacio. * Rica gama cromática, dando a la obra un aspecto más decorativo que plástico. * Paleta de tonalidades frías, que no siempre se corresponden con el color real de los objetos que se representan. * Composiciones formadas por varios ejes, que normalmente son diagonales 

Tiziano Vecellio: Uno de los mayores exponentes de la escuela veneciana, reconocido entre artistas por el “sol entre las estrellas” por el Paraíso de la Divina Comedia de Dante, es uno de los pintores más versátiles, ya que, está capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o religiosas. El conjunto de sus obras se caracteriza por el uso del color ejecutado con una pincelada ligera y suelta. Destacan Carlos V a caballo en Mülberg, La Asunción y Ofrenda a venus.

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Veronés: Paolo Caliari/Caligari pintor italiano, figura central del manierismo veneciano. Prefiere trabajar en grandes formatos, estilo caracterizado por el lujo y el color destacando el tratamiento de tonos fríos y claros como el gris, plata, azules y amarillos. Destacan Bodas de Caná y Cena en casa de Leví.

RENACIMIENTO: PINTURA ESPAÑOLA La pintura renacentista española es la realizada a lo largo del siglo XVI en las Coronas de Castilla y Aragón. El Renacimiento italiano se difundió por la península ibérica a partir del litoral mediterráneo. Se incorpora antes Corona de Aragón, más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al centro peninsular. 7

España, en la época del Renacimiento, recibe la visita de algunos grandes artistas destaca la figura del Greco a finales de siglo. En cuanto a los museos en los que hoy en día pueden verse cuadros de esta época y estilo, tenemos el Museo del Prado y el Museo de Bellas Artes de Valencia.

CARACTERISTICAS PRINCIPALES: • Realismo, claridad y cuidado en los detalles con el fin de transmitir un mensaje en su mayoría religioso.

• Persisten las formas hispano-flamencas en el centro de la Península. • Formas y técnicas de origen italiano con el fin de la búsqueda de la perspectiva, volumen y tratamiento del paisaje • La temática más frecuente es la religiosa y en ocasiones mitológica, histórica, alegórica y el retrato que esta vinculado a sectores influyentes de la sociedad

ETAPAS, AUTORES Y OBRAS: • 1er TERCIO XVI A los pintores flamencos y góticos se les suma la influencia italiana (perspectiva y fondos arquitectónicos). El renacimiento penetra por valencia donde destacan Rodrigo y Francisco de Osuna “El Viejo y el joven”, en Castilla destaca Pedro Berruguete con la Anunciación.

• 2do TERCIO XVI Influencia de Da Vinci y Rafael. Vicente Macip y Juan de Juanes (hijo) divulgan-comparten este estilo donde destaca Sevilla como centro de producción artística por el auge del comercio con las Indias. •ÚLTIMO TERCIO XVI La mayor influencia de esta etapa es M. Ángel, predominan el retrato y el tema religioso debido a la contrarreforma. El pintor más destacado es El Greco y en cuanto a artistas madrileños tenemos a Alonso Sánchez Coello y Juan Pantoja de la Cruz.

EL GR...