Resumen + Esquema Barroco Tema 6 - Rococó (listado artistas y obras comentadas) PMD def PDF

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TEMA 6 - ROCOCÓ NOMBRE

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Introducción El término Rococó procede de una asociación de las palabras barroco y rocaille, o ‘rocalla’, un motivo decorativo en forma de concha, usado desde el manierismo y generalizado desde el XVII. Los ilustrados adoptaron el término de manera despectiva para referirse al que consideraban un arte frívolo y carente de valores. Pese a que a veces se ha considerado una mera prolongación del arte del XVII, el Rococó contó con muchos elementos que contribuyeron a disolver los principios artísticos anteriores y a anunciar innovaciones que marcarían el origen de la modernidad. El Rococó contuvo ya el germen del arte burgués, que culminó con el Neoclasicismo y con las tendencias artísticas del siglo XIX. La Ilustración se empeñó en enfrentar el Rococó y el Neoclasicismo, pero convivieron ambas tendencias. En el siglo XVIII confluyeron todas las tradiciones anteriores (renacentista, barroca, rococó, etc.). La tradición clasicista académica colisionó con las novedades arqueológicas surgidas de la proliferación de las excavaciones y de los debates teóricos. El racionalismo chocó con la aparición de una nueva actitud hacia lo sensible, y además se dieron importantes avances en el análisis teórico de la belleza. Pese a que los ilustrados se empeñaran en hacérnoslo creer, el Neoclasicismo no fue la negación del Rococó. Sus representantes no querían negar la emotividad del arte, sino simplemente encuadrarla en un nuevo orden racional y moral. Fue una época compleja en la que convivieron el gusto por un sentido libre de la vida con la protesta por el abuso de la misma libertad. Tuvo en Francia y en Inglaterra sus focos más importantes, siendo París la capital intelectual de Europa. Por toda Europa se expandió la cultura francesa, convirtiendo el francés en la lengua franca que sustituía al latín. La frivolidad, la sensualidad, el divertimento y el apasionamiento se instauraron en Francia durante la regencia de Felipe de Orleans, alterando los antiguos valores de la monarquía de Luis XIV. Las frivolidades de los nuevos ricos convivían con los crecientes anhelos de aprender y de divulgar el conocimiento. Fue a partir de 1751 cuando empezó a publicarse la Enciclopedia, gran proyecto de los ilustrados, leída en los mismos salones y por las mismas personas de los ambientes inmersos en el Rococó. El monarca había perdido su primacía, y ahora la aristocracia, la Iglesia y la burguesía tenían un poder inquebrantable, y el laicismo iba invadiendo Europa. Todos estos cambios dieron lugar a nuevas relaciones entre artista y comitente, y se multiplicó la variedad de marchantes y coleccionistas. Luis XV siguió los mismos pasos que Felipe de Orleans hacia la adopción de un estilo gracioso y ligero, lejos de la grande manière ostentosa de Luis XIV. Pero fue su amante, Madame de Pompadour, quien monopolizó muchas actividades de la corte, y en un determinado momento alentó el rechazo hacia el Rococó y defendió la vuelta al buen gusto de la grandeur de Luis XIV. (Cuadro de Quentin de la Tour, 1751, Louvre)

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En el siglo XVII se regularizó más la enseñanza académica (Academia de Pintura y Escultura), y se crearon escuelas paralelas para la formación de artistas. Si un alumno de la Academia ganaba el grand Prix se le abrían las puertas de la academia de Francia en Roma, y durante este periodo se diversificaron los temas con los que los jóvenes artistas podían presentarse a este concurso. De todas las instituciones de la época, cobró protagonismo durante el XVII el Salón, que se venía celebrando a lo largo de la segunda mitad del XVII, pero sin regularidad. Desde 1737 se hizo periódico anualmente, y en 1748 bienal, siempre el día de San Luis, en el Salón Carré del viejo Louvre. Un programa oficial recogía la lista de las obras, y aparecieron las críticas de los salonniers, entre los cuales destaca Diderot. Aparte de los salones, en París se celebraban otras exposiciones anuales en la plaza Dauphine, o la conocida como Exposición de la juventud. A pesar de que el Rococó fue un fenómeno europeo y especialmente francés, debió mucho a su contacto con el exterior, y nació el gusto por lo exótico. De China llegó la moda de las chinoiseries, decoración que ilustraba escenas imaginativas sobre la vida y las costumbres del Extremo Oriente.

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Al morir Luis XIV, fue nombrado como regente Felipe de Orleans, era un hombre culto y amante de los placeres. Continuó viviendo en el palacio real de París y traslado al pequeño Luis de Versalles a las Tullerías. La élite francesa regresó a París, a sus antiguas viviendas o construyendo nuevas residencias de lujo llamadas hôtels, en un estilo rococó que, en 1771, Jacques François Blondel calificó de frívolo y licencioso. Un nuevo marco financiero favoreció la creación rápida de grandes fortunas y el ascenso fulminante de una burguesía especuladora de financieros y comerciantes. El aumento del nivel de vida hizo que creciera la demanda de lo superfluo, que hacía la vida más cómoda y agradable. La arquitectura oficial en Francia, bajo las órdenes del rey, era administrada por la Administration des Bâtiments du Roi:  En 1708 fue elegido director el duque d’Antin que terminó aplicando las mismas políticas de clasicismo atemperado de Mansart, pese a haberle criticado, con nuevos motivos decorativos, con ayuda del arquitecto del rey, Robert de Cotte (1656-1735), cuñado de Mansart.  En 1736 le sucedió Philibert Orry (época apogeo arquitectura rococó en Francia).  Le sustituyó Lenormant de Tournehem, tio de Madame Pompadour, su actividad se dirigió a la decoración pictórica  Le sigue el marqués de Vandières, futuro marqués de Marigny, hermano de Pompadour, entre 1751-1773.Hizo un viaje a Italia en el que se empezó a fraguar la reacción antirococó 2

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Los Hôtels de París y las casas de recreo de sus alrededores (maisons de plaisance), empezaron a proliferar desde principios de siglo, en las zonas de Faubourg Saint-Germain y Faubourg Saint-Honoré, contaban en su mayoría con un exterior de dos pisos simétricos. La altura de sus mansardas de pizarra era más reducida y la piedra empezó a sustituir al tradicional ladrillo. A menudo, desaparecían los órdenes o las grandes columnas de las fachadas. Y casi siempre los arquitectos hacían una neta distinción entre el interior y el exterior del edificio, lo que respondía a una sociedad decorosa de puertas afuera, pero liberada en su vida privada. La distribución interior estaba fuertemente marcada por la funcionalidad de los espacios. A la distribución y decoración de interiores se consagraron varios tratados como el de Blondel, De la distribution des maisons de plaisance et de la decoration des edifices en géneral (1737) y el de Charles-Étienne Briseux, l’Art de bátir les maisons de champagne (1743). La organización en pabellones facilitaba la reagrupación de los espacios interiores en función de su utilidad, liberados de las limitaciones de la vieja distribución de espacios en enfilade (alineados). En la medida en que el confort y la intimidad primaban, las piezas o estancias se hicieron más pequeñas, agradables y prácticas. Se avanzó en el campo de la higiene y la climatización de los espacios, proliferando los cuartos de baño, los cabinet de toilette (tocadores) y los depósitos de agua, y se perfeccionó el tiro de las chimeneas. Aparecieron las persiennes como contraventanas exteriores que sustituían a los postigos interiores. La sociedad galante apreciaba los espacios luminosos y ahora los hôtels contaban con aperturas más grandes y con mobiliario más ligero. Fueron de uso común los espejos, las paredes de tonos claros pastel y la decoración con presencia de dorados. Este tipo de hôtels se siguieron construyendo en Francia hasta la Revolución, pero, a partir de 1750, con mayor contención de sus formas. Las artes decorativas sufrieron una gran renovación. Los arquitectos se adaptaron aunque siguieron la tradición de J.H.Mansart. Se encuentran algunas innovaciones como los dos hôtels levantados por Pierre Ballet (1639-1716) para el rico financiero Antoine Crozat. Este doble hôtel estaba compuesto por dos pequeños apartamentos terminados cada uno en un gran cabinet, uno de ellos con decoración à la chinoise, y ambos con grandes ventanales abiertos al jardín. El dormitorio principal, con esquinas redondeadas, contaba con su grand cabinet y sus petit lieux, los servicios con las últimas novedades higiénicas. Una terraza enlazaba el hôtel del padre con el de su hija. Una grande antichambre funcionaba como salón comedor justo encima de la cocina. Otros ejemplos de hôtels con distribución a la moderna fueron el hôtel de Matignon, construido por Jean de Cortonne, (1671-1739), en 1720 donde se percibe un nuevo refinamiento de gusto clásico en la fachada. Otros hôtels destacados fueron el Biron, el Soubise o el Rohan. Proliferaron además las maisons de plaisance, como el Château de Champs del arquitecto Pierre Bullet y su hijo J.B. Bullet de Chamblain. Otro tipo de casa de recreo eran las folies, pequeños edificios inmersos en la naturaleza con figuras eróticas en bajorrelieve decorando las paredes. Estas construcciones estaban animadas por la aparición de un nuevo concepto de la naturaleza en relación con el hombre.

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La decoración rococó no gozó de un apoyo unánime entre los teóricos, que llegaron a tolerarla para espacios pequeños privados, pero la abominaban cuando se hablaba de espacios grandes o exteriores. Blondel criticó en 1737 la obsesión decorativa del Ral tiempo que la aceptaba para espacios pequeños de interiores al igual que el arquitecto y teórico Germain Boffrand. Pese al poco apoyo institucional, el Rococó se llegó a convertir en una auténtica moda. Un grupo de ornamentistes (decoradores), que trabajaban bajo las órdenes de algún arquitecto, dieron a conocer sus repertorios a través del grabado, extendiendo esta moda incluso fuera de Francia. Algunos de los nombres influyentes fueron: -

Jean Bernard Honoré Turreau (el Toro) que difundió la decoración rococó en Rusia

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Juste-Aurèle Meissonnier, (1695-1750), fue nombrado, en 1724, orfebre del rey y dos años después dibujante del Cabinet. Su repertorio fue muy copiado por grabadores y decoradores, lo que permitió su rápida difusión. Al morir le tacharon de caprichoso y enemigo del buen gusto.

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Gilles-Marie Oppenord, (1672-1742), fue el responsable de decorar, en 1717, la gran galería del palacio real para el regente Felipe de Orleans.

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François Antoine Vassé, (1681-1736), decoró la galería del Hôtel Toulouse con una audaz decoración de curva y contracurva.

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La obra maestra llegó en 1735 con la decoración del salón oval del hôtel Soubise de Boffrand (obra comentada) por Jean-Baptiste Lemoyne y Charles-Joseph Natoire.

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Jacques Verberckt, (1704-1771), decoró los interiores del palacio de Versalles con decoración rococó, aunque en un estilo que evolucionaba hacia la simplificación clásica de las formas.

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Jean-Baptiste Lemoyne y Charles-Joseph Natoire

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Hôtel Soubise de Boffrand, 1735

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OBRA COMENTADA El salón oval fue proyectado por Boffrand en 1735, por encargo de su propietario, el príncipe Hercule Mériadec de Rohan-Soubise, que con motivo de su reciente matrimonio con Marie-Sophie de Courcillon había emprendido amplias reformas en el palacio para adecuarlo a la nueva moda rococó. El palacio había sido construido por Delamaire en 1704. Tres décadas después su propietario quiso incorporar una decoración moderna y de ello se encargaron Jean Baptiste Lemoyne y Charles-Joseph Natoire bajo las órdenes de Bofrand. El salón oval formaba parte de los apartamentos de la princesa. Allí logró una decuación perfecta entre el programa pictórico y el programa global de decoración del espacio. Sus ocho aperturas, entre puertas y ventanas, obligaron a idear unas boiseries o paneles verticales en blanco y dorado coronados por cartouches, que enmarcaban ocho telas de Natoire que narraban episodios amorosos del mito de Psique, en orden cronológico. La complejidad de las molduras de los panneaux en su integración en el espacio arquitectónico exigía a los decoradores una amplia formación académica. Boffrand renunció en este espacio al orden clásico y se anticipó al racionalismo que imperará en la arquitectura de la Ilustración, al considerar que la decoración, así como la organización estructural, debían someterse a la función del espacio arquitectónico al que iban destinados.

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La decoración de los espacios interiores fue protagonizado por el mobiliario que se replanteó para atender los principios de comodidad imperantes. Entre los distintos asientos aparecieron:  los meublants o à la Reine, sillas de respaldo plano que se pegaban a la pared con finalidad ornamental,  los courants o en cabriolet, sillas para ser colocadas en el centro de una sala, con respaldos curvos, adaptados a las personas.  grandes sillones o bergères entre los que se encuentran: los de commodité, los tête-à-tête o marquise (para acoger a dos personas, o la chaise-longue para estirar las piernas. Se generalizaron los modelos de canapés o divanes, mesas y cómodas cada vez más ligeras. Existió en París una corporación de ebanistas que velaban por el respeto de las normas de fabricación de estos muebles. Destacan entre los ebanistas Roger Vandercruse, llamado Lacroix, (1728-1799), Van Risen Burgh, ambos en la 1ª mitad siglo y en la 2ª, tJean-François Oeben, (1721-1763), o Jean-Henri Riesener (1734-1806),que fueron introduciendo modelos a la griega Las tres grandes fábricas de tapices francesas eran las de los Gobelinos, la de Beauvais y la de Aubusson. Durante el siglo XVIII dejó de usarse el tapiz para ser colgado delante de una pared y pasó a integrarse en ella, enmarcado como un cuadro. Los tapices solían copiar los temas de moda de la pintura: escenas galantes, pastoriles o exóticas.  El amor amenazante,1757-66. Biscuit de Falconet Desde principios de siglo llegaban a Francia porcelanas de la fábrica de Meissen, Sajonia, Sevres. Louvre pero a finales del reinado de Luis XV, Francia pudo empezar a competir con sus propios productos. La más importante manufactura de porcelana de pasta blanda, la de Vincennes (cerámicas con fondos coloreados) se trasladó por deseo de Pompadour a Sèvres en 1756. El procedimiento del biscuit (bizcocho) permitía la realización de figuras de cerámica, de pasta blanca, mate, muy delicadas y elegantes, basadas en modelos de Duplessis, orfebre del rey, y del escultor Falconet.

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La pintura del periodo rococó desarrolló una variedad de fórmulas, desde el género frívolo con mezcla de motivos arabescos, grutescos y de fantasía, hasta una pintura de carácter más realista (Chadin) pasando por otra pintura con carácter de crítica social. Desapareció casi toda la demanda de pintura decorativa con temas históricos y alegóricos complejos. Los boudoirs o cabinets exigían una decoración basada en cuadros de pequeñas dimensiones, diseños de tapices, o retratos de familia. Se demandaban obras con temas lúdicos y eróticos (amores de los dioses en tono galante) de superficies gráciles y exuberantes, pero con tratamientos delicados para su disfrute en la intimidad. Las escenas cotidianas e íntimas flamencas brindaron el perfecto modelo. Se multiplicaron los encargos de boiseries, paneles pintados de madera colocados en las paredes, de gran éxito en su época. La gran demanda durante el Rococó fue un negocio muy lucrativo para los pintores de la época con la producción cas en serie de representaciones de los amoríos de los dioses, paisajes fantásticos o escenas pastoriles amorosas.

Antoine Watteau 1684-1721

Fue uno de los principales intérpretes de las ensoñaciones de la elite e influido por la sociedad galante y fantasiosa, que llegó a generar una nueva cultura visual bastante alejada de la Academia. Fue una sociedad que preconizaba valores o formas de vida al margen de la vida cortesana y del favor real como la honnêteté, el saber conversar con agudeza; era un ocio estudiado y refinado el suyo. Estaban abiertos a ciertas formas del "placer popular" y expresión colectiva. Pintores como Watteau encontraron respuestas e inspiración en las formas populares y callejeras, a la vez que las clases bajas parisinas empezaban a adaptar recursos de la alta cultura a sus propios fines. Watteau era de origen muy humilde y llegó a París en 1702 para trabajar como copista de cuadros de género holandeses. Hacia 1705 trabajó en el taller de Claude Gillot. Desde entonces se movió en un entorno de actores italianos, les hizo partes de sus cuadros y les realizó decorados y carteles; incluso llegó a regentar un teatro de marionetas. Estas farsas, o parades, eran del gusto de la aristocracia y la burguesía, celebrándose en muchos hôtels y maisons. Este ambiente de actores y de la sociedad 7

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Antoine Watteau (cont.)

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Los placeres del baile, 1717. Londres, Dulwich Picture Gal

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galante fue el que retrató Watteau, con una mirada poética, nunca realista y jamás moralizante. Retrató a una naciente sociedad formada por enriquecidos amateurs burgueses que anhelaban el poder y se servían de la cultura para ello . Hacia 1708 Watteau rompió con Gillot y pasó al estudio de Claude III Audran, que vivía en el palacio de Luxemburg, le acercó al poder y le permitió conocer de cerca el ciclo de la vida de María de Médicis pintado por Rubens. Audran, uno de los máximos decoradores de interiores de los hôtels de París, confió a Watteau la decoración del château de la Muette. También decoró una habitación del hôtel Nointel, entre muchos otros espacios rococós. En 1709 se presentó al Grand prix de la Academia y consiguió un segundo premio, y desde 1712 recibió una formación académica. En 1717 conoció al rico financiero Crozat, quien se convirtió en su protector, y pasó a vivir en su hôtel, donde conoció su importante colección con obras de Tiziano, Veronés, Rubens o Van Dyck. Sintió mayor atracción por Veronés y su influencia se aprecia en Los placeres del baile (1717). Crozat que admiraba las parades teatrales abrió una maison de plaisance y un parque de recreo al norte de París, que aparece representado en las primeras fètes galantes de Watteau, que con él adquirieron rango de género. Estas consisten en escenas de cortejo galante en un entorno natural en el que reina la ambigüedad y la teatralidad, transmitiendo la fragilidad de la felicidad humana. La cascada. (1719) conserva el recuerdo de los grutescos y arabescos que Watteau pintó en las casas privadas. Aprendió de la decoración de grutescos la manera de insertar las figuras en la composición pictórica como elementos accesorios que se pueden poner o quitar. Recibió la influencia de del Jardín del amor de Rubens copia que estudió en la colección de su protectora la condesa de Verrue como se muestra en Fiestas venecianas (1719) y La peregrinación a la isla de Citera (1717) que entregó para su ingreso en la Academia en 1717. En esta obra expresó los valores contemporáneos de la sociedad galante. En esta pintura el amante es un peregrino del amor que se dirige hacia las islas afortunadas. ...