TEMA 7 - APUNTES RODA PEÑA PDF

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APUNTES RODA PEÑA...

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TEMA 7: EL ESTILO DULCE DE LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482) Desconocemos su formación artística y sus maestros. Nanni di Banco se baraja como posible maestro por su influencia estilística. A través de su obra nos habla con un lenguaje clásico y sereno que impacta en la consciencia de los espectadores. Su estilo “dulce” es una contraposición al estilo de Donatello. Gran versatilidad de materiales, mármol, bronce y sobre todo, la terracota esmaltada, su gran aportación personal. El barro vitrificado constituye una solución económica a la síntesis de las artes. Esta se usó como un ornamento arquitectónico y también como escultura exenta. Aunque aparentemente parezca una técnica frágil, ha demostrado ser duradera, lucrativa y de mucho éxito. Con este tipo de escultura se demostraban más beneficios que con el mármol o bronce. Esto favoreció su difusión técnica en manos de sus herederos.

Cantoría de la Catedral de Florencia, 14311438. Debido al gran prestigio del cliente entendemos que Lucca della Robbia debía tener obras anteriores que desconocemos. Aquí se advierte la influencia de la arquitectura de Brunelleschi, rector de la dirección artística de la Catedral. División con pilastras pareadas que dividen la cara central. En total son 10 relieves que representan el contenido del Salma 150 “Laudate Dominum”. La totalidad aparece escrita en frente. Representa instrumentos musicales citados en el salmo. Respira una gran frescura. Es probable que fuera asesorado por un músico para representar los elementos. Aparecen niños de diferentes edades que constituían los coros. Su personalidad contenida y seria, hace que esté cargada de un tono apolíneo, que contrasta con el tono dionisiaco de la Cantoría de Donatello.

Sagrario / Tabernáculo de Santa Maria a Peretola, 1441-1443 Terracota esmaltada combinado con mármol y bronce (portezuela). La terracota está limitada a zonas concretas. Su repertorio cromático característico y sobrio en verde, violeta y azul de diferente tonos. Proyecta cierta contención cromática.

Decoración de la Capilla Pazzi de Brunelleschi (cúpula del pórtico y tondo de San Andrés 14401461) La decora interior y

figura de presenta (estos las

de

la

exteriormente. Hay otro tondo con la San Andrés (santo de Andrea Patzzi, en patrocinador). En el interior, en tondos se la totalidad del colegio apostólico. En las 4 pechinas, los 4 evangelistas, muy coloridos todos se atribuyen a Brunelleschi (los de pechinas) San Juan con unos colores más estridentes.

Resurrección 1442-1445 sacristía norte Catedral de Florencia Brunelleschi le

encarga cubrir el tímpano ojival con este relieve. Bicromía blanca y azul. Muestra una resurrección con una distribución parecida a la de Lorenzo Ghiberti en las puertas 2 del baptisterio. Esta puede ser la primera interpretación de esta escena en el Renacimiento. Tras terminar este, se le encarga el...

Tímpano de la Sacristía Sur , con el tema de la ascensión 1446-1451. Resurrección 1442-1445 sacristía norte de la Catedral de Florencia Brunelleschi le encarga cubrir el tímpano ojival con este relieve. Bicromía blanca y azul. Muestra una resurrección con una distribución parecida a la de Lorenzo Ghiberti en las puertas 2 del baptisterio. Esta puede ser la primera interpretación de esta escena en el Renacimiento. Tras terminar este, se le encarga el... La Visitación, 1445 Color blanco lechoso, solo las pupilas negras rompen con esta pureza. En su obra no hay sobreactuación, son todos momentos acompasados. Sus mayores éxitos siempre están en el campo del relieve. Nunca repite los motivos.

Tondo de Orsanmichele Virgen con el niño entre azucenas 1460 Una de sus obras más famosas. Responde al encargo del gremio de Doctores y Boticarios de

Florencia. Mayor explosión de colores, el rubio de los cabellos, manto azul con vueltas verdes y las azucenas como símbolo de la pureza de la virgen.

Tumba de Benozzo Fedrighi 1454-1457 Iglesia Santa Trinidad de Florencia Obedece al formato cuadrangular rehundido en el muro. Terracota esmaltada con guirnalda de ramas y flores. En el interior de las guirnaldas aparece el epitafio. Sobre este las figuras de Cristo, San juan y la Virgen.

Monumento Sepulcral en la Capilla del Cardenal de Portugal 1461 (cardenal de curia) Él decora la bóveda, completamente revestida de cerámica esmaltada. Paloma rodeada de 7 candeleros (tradición judía), y en los ángulos, las 4 virtudes cardinales (prudencia, templanza, fortaleza y justicia) La cubrición es un inmenso mar de formas cúbicas de azulejos dorados y verdes. Los medallones se rodean de escamas de diferentes tonos azules que generan un efecto de estar aún más rehundidos.

Puerta de bronce 1464-1469 de la sacristía Norte de la Catedral de Florencia Todos sus paneles representan a figuras parejas de ángeles:

flanqueadas por

- virgen con niño - 4 evangelista - 5 santos 10 paneles en

total.

El marco exterior, es diseñado por (terminamos su producción y próximo día a sus herederos

Michelozzo. analizaremos el

1. ANDREA DELLA ROBBIA

(1435-1525)

Su taller y clientela la heredó su sobrino conocido como Andrea della Robbia que hace en 1435-1525. Este se vio auxiliado por sus 5 hijos varones que conquistaron este taller hasta bien entrados el siglo XVI, hijos de entre los cuales destacó la figura de Giovanni della Robbia como la última figura de esta saga de escultores. Podemos decir en términos generales que lo que pierde en nobleza, en gravedad la producción escultórica de Andrea della Robbia respecto a su tío Luca lo gana en cambio en sensibilidad popular, siendo una práctica total te industrializada y los relieves precisamente por repetitivos resultan de menor calidad, pero eso no es un obstáculo para que reconozcamos el importante papel de estos relieves que jugaron en el papel de la religiosa d popular de la piedad e los florentinos de finales del siglo XV comienzos del siglo XVI. De este taller salieron altares completos hasta las piezas de mobiliario litúrgico tales como Aguamariles o pilas de agua bendita hasta por supuesto elementos relacionados con el ornato arquitectónico como lunetos, medallones, etc. Presintiendo ese carácter casi seriado que permitió que se expandiese por toda Europa, viéndose un ejemplo de importancia italiana desde la ciudad de Sevilla, situado en la catedral, en la capilla del obispo de escalas “relieve de la virgen de la granada ”, que proviene del enclaustrado convento de María auxiliadora y fue restaurado y recompuesto a compensó del siglo XX que lo dejo en u buen estado, siendo el típico relieve familiar con la virgen con el niño junto a 4 santos, de izquierda a derecha San Francisco de Asís, domingo de Padua, santa Casilda y San Sebastián, siendo el fruto que ofrece María a Jesús de una granada, donde se mantiene la bicromía del blanco lechoso y el azul añil que se reserva para el fondo de la escena y colores como verde y amarillo de las pilastras en los candelieri. “La virgen del cojín” capilla De Santiago de la catedral de Sevilla done la focalizad del relieve está en los dos protagonistas lo que sería la aparición de la virgen con El Niño Jesús con ese aspecto materno-filial donde desborda simpatía.

TONDOS DEL HOSPITAL DE LOS INOCENTES; FLORENCIA, 1487 Como obra personal de Andrea Della Robbia están los “Tondos del hospital de los inocentes” donde se realizará en 1487, haciendo alusión a los niños inclusa, a los niños que eran abandonados y se recogía en establecimientos como este hospital, envueltos en fajas representados en tondos cerámicos cuyos actuales están en el museo de hospital. Estos medallones que fueron a colmatar los primitivos huecos de las enjutas de los arcos de medio punto, traicionando el sentido decorativo de Brunelleschi.

2. GIOVANNI DELLA ROBBIA (1469-1529)

Siendo hijo de anterior, la producción escultórica de este se caracteriza por la expansión temática de tono popular con los nacimientos y otros santos de devoción local entre ellos San Sebastián como protector contra las epidemias sobre todo de las de peste unto a san roque. Relieve de cerámica esmaltada donde la policromía es exuberante, como el caso de “san Sebastián” del Louvre, o la “natividad” del Hermitage de san Petersburgo.

3. BERNARDO ROSSELLINO (1409-1464) Es el indiciador de esta generación de “La Gracia”, que trabajará tanto la escultura como arquitectura. Su obra más destacada es:

TUMBA DE LEONARDO BRUNNI. SANTA CROCE DE FLORENCIA; 1444-1447. BERNARDO ROSELLINO Fallecido en el 1444, siendo el inicio de la construcción e instalado en el 47 situado en Santa Croce en Florencia. A través de esta tumba se implanta una nueva de tipología de sepulcro humanista que sería como una transposición del campo funerario de un arco triunfal romano, sabiéndose como el arco desde el punto de insta simbólico alude a la idea de triunfo terrenal, pero también, este campo encierra un significado cristiano en referencia. La gloria celestial que se espera para el alma, siendo precisamente el aspecto que más interesa, recalcar a Bernardo Rossellino, destacando el arco más que su función estructural. El arco sirve de cobijo para la tumba dicha donde el difunto yace sobre una capa mortuoria apoyada sobre una pareja de águilas y en un nivel inferior se alza el

féretro, sarcófago en cuyo frente se lee el Epitafio escrito por el tratadista y poeta Carlo Marsuppini, sustentado por unos ángeles donde se resalta las cualidades, virtudes de Leonardo Bruni como gran humanista y político que fue, ya que estuvo al frente de la cancillería de la Republica de Florencia. Siendo una preocupación el representar con el mayor grado d realismo posible al difunto y ello se extiende hasta los ropajes y elementos que acompañan a su efigie yacente de manera que encontramos a Leonardo con una toga coronado su cabeza con laureles de tal forma con el fue enterrado, dándole imaginación y queriendo reflejar el trance de la exposición de tiempo. Esto estará siempre a medio camino de la exaltación de sus virtudes humanas con la iconografía cristiana con la figura intercesora de María con el niño Jesús entre una pareja de ángeles adoradores en este caso.

TABERNACULO DE LA IGLESIA DE SAN EGIDIO; FLORENCIA, 1450. BERNARDO ROSELLINO. Donde se combina el bronce para la portezuela del tabernáculo con el mármol del resto de compasión, que con esa microarquitectura del fastuoso marco de esa amplia bóveda acasetonada con la frecuencia de estos habitáculos de ángeles en actitud de oración.

TUMBA DE LA BEATA VILLANA. SANTA MARIA NOVELLA DE FLORENCIA, 1451. BERNARDO ROSELLINO Tratándose de un sepulcro dedicado a una religiosa dominica fallecida un siglo antes en el siglo XIV pero que ahora había sido beatificada por lo que se trasladaron sus restos al sepulcro donde se prescinde de arquitectura alguna y todo se concentra en la figura yacente de esta terciaria dominica en ese amplio pabellón o cortinaje, sujeto sobre una gruesa argolla siendo descubierto por una pareja de ángeles que sostiene una filacteria con el epitafio. El cortinaje s un poderoso reclamo simbólico con la presencia de la vida del mas allá en el mundo terrenal, se abre las cortinas del cielo para darnos la visión beatifica de estos difuntos.

4. ANTONIO ROSELLINO (1427-1479)

Hermano menor de Bernardo, abriendo su catálogo d obras fechadas y firmadas con un busto, de uno de los más prestigiosos médicos del momento, Giovanni Cellini:

RETRATO DE BUSTO DE GIOVANNI CHELLINI, VICTORIA Y ALBERT MUSEUM, LONDRES. 1456. BERNARDO ROSELLINO. Tratándose desde el uso de una máscara del natural en vida, siendo lógico que sus rasgos estén marcados con total y pura similitud, con lujo de detalles, sin idealizar alguno de sus rasgos. Incluso debido al procedimiento empleado de la máscara de cera de la cabeza narrada en mármol, debido a ese procedimiento las orejas del personaje están pegadas. Alas sienes, donde ese rostro muestra todo un mapa de accidentes vasculares, las venas prominentes, los surcos de la frente, las patas de gallo de los ojos, comisuras labiales, haciendo una idea cabal, veraz del personaje alargado en el que es representado y como si fuera poco, éste cogió personalmente un mármol de color ligeramente pardo, manchado de manera natural de manera que todo eso contribuye a acrecentar la sensación de una piel ajada con El Paso de los años ya que este era un anciano. La dependencia de estos retratos de busto masculino respecto a la retratística romana es incuestionable, pudiendo decir que hay autores como este que sobrepasan a los romanos en cuanto a refinamiento técnico y en cuanto al énfasis psicológico que logran extraer de sus modelos ya que no solo interesa la captación sin mas de los rasgos físicos, se trata de que la personalidad aflore en este sentido lo efectivamente seria de un salto cualitativo de lo que se había logrado de los retratos del mundo romano.

TUMBA DEL CARDENAL JACOBO DE PORTUGAL. SAN MINIATO AL MONTE, FLORENCIA. 1461-1467 Una tumba rehundida en el coro a través de un arco de medio punto acasetonados al que volvemos a ver desplegado un cortinaje con esa alusión simbólica al tránsito que se produce entre las glorias celestiales y las terrenales. Esta ambición realista que late para representar al difunto con la extracción de una máscara post-mortem, sobrepasando el realismo del rostro ya que se sacó un vaciado de las manos del difunto. No solamente es el arco del triunfo de estos arcos es que hay incluso elementos directos, copiados del mundo romano como por ejemplo reía el sarcófago que

contemplamos ya que este sarcófago está imitando uno que todavía se conserva hoy en San juan de Letrán, romano en pórfido (labrado), que sirve de modelo, una tumba que se ha mostrado las criaturas angélicas, esa parejas de amorcillos y esos otros dos ángeles mancebos semi arrodillados sobre las pilastras de fondo con una corona entre sus manos, al corona de la fama. Como es habitual con la ayuda e intercesión de la virgen, inscrita en una guirnalda de laureles, en ese medallón que es sujeto de Ángeles envueltos, viéndose como la tumba del cardenal no es una unidad aislada en si misma sino que parece integrada en un recinto arquitectónico, contando con su propio altar, por eso esta capilla tiene una perfecta síntesis en la introducción de e las artes y si recordamos tenemos un fragmento de la cubierta de a capilla con ese cielo de azulejos vidriados que se encomendó a Luca della robbia.

RETRATO DE BUSTO DE FRANCESCO SASSETTI. MUSEO DEL BARGELLO, 1468 Que fue director general de la banca medicea, siendo importante mecenas, con un retrato de busto donde este financiero está a la antigua con el toro cubierto con una toga senatorial al realismo del rostro donde se unen una captación de la psicología, sagaz que nos habla de la inteligencia de este banquero florentino.

MATEO PALMIERI, 1468, MUSEO DEL BARGELLO, FLORENCIA. Capta el rostro de un gran estadista y poeta, autor de tratados del titulado Diálogo a cerca de la vida civil como obra literaria destacable. Destaca la viveza, espontaneidad de su expresión, abiertamente sonriente y en este caso vestido a la moderna mientras que en caso anterior está representado como un senador en este caso con la túnica de paño de lana, el jugón de la rica burguesía del momento.

SAN JUANITO. MUSEO DEL BARGELLO (1477). BUSTO, 1470; NATIONAL GALLERY OF ART, WHASINGTON. Donde este último llama la atención altitud itinerante que lleva en sus manos la filacteria con el Ecce Agnus Dei, vestido propiamente con piel de camello de su madure como

la

la

profeta del desierto pro que lógicamente ha ido a constituir un elemento iconográfico característico. Algo anterior del exquisito busto de la National Gallery of Art de Washington, c 1470 que si no fuese por los mechones de animal se vería que era un niño de la adolescencia identificado donde de lo que debemos hablar es de un retrato excelente. Través de la suave pulimentación del mármol con el rostro reflexivo, sin reflejarse la risa abierta sino la preocupación interna.

5. DESIDERIO DA SETTIGNANO (1430-1464) Quien falleció muy joven pero que tuvo una gran fama entre sus contemporáneos, demostrándose con un firme conocedor de la obra de Donatello a quien siguió escrupulosamente en lo que se refiere a técnica de sus relieves que se despega en lo referente a la expresividad de sus obras. Digamos que, aunque su catálogo está integrado por un número de piezas, únicamente 2 están perfectamente documentadas y fechadas.

TUMBA DE CARLO MARSUPPINI. FLORENCIA. 1453-1458

SANTA

CROCE,

Sucesor de Leonardo bruno de la cancillería de Florencia, siendo una tumba que se inicia en el mismo año de su muerte en el 1453 hasta su instalación en Santa Croce en Florencia en 1458. Esta tumba desde el punto de vista de su diseño arquitectónico prácticamente no difiere de la que Bernardo Rossellino había concedido para Leonardo bruno en su composición arquitectónica, siendo muy similares, cuya principal diferencia está en que aquí el aparato ornamental es sobreabundante con esculturas exentas de manera que su Expósito arquitectónico queda perturbado esa claridad arquitectónica por la presencia de esos ángeles niños de las pilastras y el otro en lo alto de la cornisa. Una vez más cabe alude a realismo con el que se captó la fisionomía de los cadáveres, como fuentes de información, estando en lado diagonal para ser mejor divisado que se loqueen al pie de su tumba. Esa fastuosidad decorativa que hacía alusión se muestra en cómo es capaz de trabajar este paño como si se tratase de un damasco, fino relieve que caracteriza estos textiles de seda. El extraordinario diseño del sarcófago en cuyo frente está el epitafio donde está lo que sería la sabiduría de carácter humanista del personaje en cuestión.

ALTAR DEL SACRAMENTO DE SAN LORENZO DE FLORENCIA, 1461 Donde no solo hablamos del tabernáculo que también, es todo un altar que ocupa el testero de la capilla sacramental, cuya estructura está en un frente, basamento donde aparece un gran relieve que constituye una de las más hermosas y sosegadas reflexiones sobre el tema de la pasión de cristo viéndose representado a Jesús muerto en Brazos y a su madre María y San Juan evangelista con temas de la pasión donde se alude a la sangre de redentor donde prácticamente comulgan con el pan y el vino que se convierten con el sacramento de la consustanciación. Encontramos ángeles con candelabros a modo de abalastre con pinchos metálicos para colocar grades cirios y en el centro del tabernáculo del sagrario propiamente dicho con el marco arquitectónico clasicista encontramos más ángeles pero que quizás el elemento que más a trascendido sea la imagen de niño Jesús bendiciente que aparee reposando sobre un gran cáliz, digamos que dicha trascendencia la adquirió en pleno renacimiento que con motivo de las obras se extrajo la escultura del niño y que fue venerado a la altura de los fieles, con gran popularidad habiendo consenso en admitir que esta escultura es un lejano precedente de tantos y tantos niños Jesús de madera, lomo, etc que se difunden por toda Europa singularmente por Italia, Flandes, España hasta llegar a constituirse l más lejano precedente escultórico del niño Jesús de Martínez Montañez.

BUSTO DE MUJER. MUSEO DEL BARGELLO c. 1460 / Además, es el presunto autor, sin ser documentadas, son atribuidas de varios bustos de mármol de entre quizás uno de los más interesante es el de la izquierda. Donde Desiderio ha conseguido suavizar extraordinariamente los rasgos faciales fundiendo los planos, envolviendo los volúmenes, que constituye uno d los rasgos más específicos de su identidad como artista. No conoceremos el nombre de la modelo, siendo habitual que suceda en los raritos femeninos, por el hecho de que los retratos femeninos del reina ciento e suelen idealizar mucho los rasgos de las mujeres, hasta crear un tipo ideal de la belleza femenina, ícenos una diferencia d...