Apuntes completos de Arte Contemporáneo con fotos PDF

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Apuntes completos de la asignatura con fotos y demás. Hecho durante clases online del curso 2020-2021. Contiene todos los temas tratados, algunos no están tan completos como otros....

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Arte Contemporáneo 2n trimestre Curs 2020-2021

Neila Franch González

Arte Contemporáneo 1. Introducción. ¿Es el arte contemporáneo? ¿Hasta qué punto es el arte contemporáneo? En el siglo XIX se realizan ciertos avances en la psicología. Se empieza a entender que hay una relación entre ojo y el cerebro, hecho que muestra que querían saber cómo el arte entraba por los sentidos en general. Esta característica se da en el impresionismo. El ejemplo con el que nace, de manera despectiva, el impresionismo es un cuadro de Claude Monet de 1872, Impresión del sol naciente.

El arte impresionista era un tipo de arte escapaba del tipo de arte académico. Además, en el siglo XIX también se empieza a relacionar el arte con los movimientos sociales con la aparición de personas en obras pictóricas que hasta entonces no tenían cabida en el arte. Esto se da por la previa aparición de movimientos dentro de la revolución industrial, así como el surgimiento de grupos como el proletariado en la creciente sociedad. El arte también se transforma en este momento en una herramienta de conocimiento (también ocurre en el ámbito de la escritura). Los pintores impresionistas, por lo general, siguen el modelo que Claude Monet presenta en el cuadro anterior y que marca el principio de este movimiento. El impresionismo pretende dejar una huella en nosotros, una marca que proviene de los sentidos, tal y como marcaban las investigaciones psicológicas de la época. Con este tipo de arte se buscaba una interioridad en el exterior, con un carácter de crear una impresión, presentando de esta manera lo que sucedía en el momento. Artistas como Duchamp, que tendrá mucha influencia en el arte del siglo XX, de algún modo empiezan como impresionistas (se les definía como postimpresionistas). Si bien el origen del impresionismo está en la impresión, vemos que el expresionismo es expresar y sacar algo hacia fuera, en una relación fronteriza entre lo que somos y lo que vemos.

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El expresionismo es lo contrario, otra vía artística que no pretende crear una huella en nosotros, sino que busca la expresión o subjetividad. Se trata de un lazo con las cosas que ocurrirán artísticamente en el siglo XX, considerándose la máxima influencia del siglo siguiente. Sin embargo, como movimiento no va a tener una gran continuidad. Este movimiento se centra en las zonas sociales, dejando de lado la naturaleza o imágenes de paisajes. Los artistas empiezan a retratar a gente en bares y otros sitios sociales, como ya Van Gogh y Lautrec habían hecho. Sin embargo, el expresionismo apuesta por la abundancia del color rojo en las obras, color que va a tener mucha influencia en los artistas expresionistas (que son señalados como “pintores nerviosos” por ello). Lo podemos encontrar en El Grito de Munch.

El concepto de expresionismo une, por ejemplo, a Matisse con los cuadros futuristas, es decir, el término expresionismo es más un modo de ver las cosas que un estilo. Por tanto, es muy difícil saber exactamente qué es el expresionismo o dar una definición exacta del término, pero sí que queda claro que surge como una reacción contra el modo de ver del impresionismo y del naturalismo (la violencia de la subjetividad). Es un movimiento que tiene mucha importancia en la filosofía de Nietzsche con la muerte de Dios. En una especie de vida bohemia atópica, los artistas expresionistas estaban presentes en la sociedad de su tiempo. En el siglo XIX, en el intento de abarcar una visión general de lo que significaba el arte, de repente aparece la tercera vía artística.

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Esta vía se introduce en el 1884 con el Combate de negros en una cueva durante la noche de Alphonse Allais. Se trata de una alegoría a ese fin de siglo con la muerte de Dios, de la ciencia y del sistema que había hasta aquel tiempo, así como la consideración de que el conocimiento y el progreso iba a aportar una elevación en el humano.

Además, a este final de siglo (y época) se le añaden los preparativos de la 1ª Guerra Mundial, que también explica este tipo de propuestas. De hecho, del mismo cuadro de Alphonse Allais encontramos una versión en verde, rojo y blanco. La conclusión es que en el siglo XIX ya se empiezan a realizar este tipo de obras que podremos ver más adelante. La publicación en una de estas caricaturas de Allais del cuadro totalmente negro da pie a la aparición de otros tipos de arte como el grabado, la impresión, otras caricaturas, etc. El arte, por tanto, empieza a salir de esos espacios clásicos y académicos para situarse en otros lugares. De hecho, estas nuevas formas de arte van a tener mucha importancia en un futuro. Podemos ver que, juntamente con el cuadro de Allais, encontramos otro de los ejemplos a los cuales se relaciona el minimalismo. Se trata del Cuadrado negro de Malevich de 1915, que contribuyó a su vez a cambiar la constitución del arte, planteando la cuestión del fin de la pintura. Ya no se trataba de la obra de un genio con gran sensibilidad y técnica. Durante un siglo los historiadores se han preguntado qué quería decir Malevich con su cuadrado negro y qué camino iba a seguir la pintura cuando esta se presenta en un solo cuadrado de color. Sin embargo, hace pocos años se realizó un estudio de este cuadro con tecnología avanzada y se encontró una pequeña nota en la obra que explica que el cuadrado es un simple comentario a la obra de Allais. Las vanguardias aparecen en Europa con el grupo “dada”, constituido por personas que escapaban de enrolarse en la 1ª Guerra Mundial y se reunían en un pequeño bar de Suiza (país neutral) donde se hacía teatro sin apenas público (hecho que muestra que son movimientos minoritarios, y más aún en el periodo de entreguerras1 con el enfrentamiento de la guerra tan reciente). Estas personas acabarán rompiendo la tradición pictórica,

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Ahora vivimos en un periodo pacífico en Europa, pero no debemos dejar de pensar en que Europa siempre ha estado en guerra y estos hechos influyen en los artistas y sus obras.

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enfrentándose directamente a ella. El grupo “dada” se muestra en los años 20 en la portada de la revista La révolution surréaliste. París deja de ser el centro de las vanguardias, desplazándose a América (norte-américa y sud-américa). En Norte-América se empeñan en desligarse de las tradiciones europeas, rechazando de alguna manera a Europa. En cambio, en Latino-América encontramos obras con influencias europeas y más parecidas. Aún el rechazo hacia las tradiciones europeas en Norte-América, hay mucha inmigración de lugares de Europa. Por tanto, se continúa con la sensación de oscuridad o de visión minimalista, trasladando el cuadrado negro que hemos visto ya a través del tiempo. Lo podemos volver a ver en 1963 con el pintor Ad Reinhardt, quien también estuvo muy involucrado en el movimiento de la Revolución 35. Este movimiento consistía en reuniones de artistas para hablar de lo que significaba el arte. Los artistas se planteaban, de hecho, el sentido de pintar paisajes o pintar como Picasso en un mundo global y en movimiento (el siglo XX era el siglo del mundo del cine). Sin embargo, las nociones de los europeos en Estados Unidos era bastante distinta a los locales. Por ejemplo, las experiencias distintas con la guerra marcaban una clara diferencia. En Sud-América encontramos a Lygia Clark con sus Máscaras sensoriales de 1961. Fue una de las primeras artistas en hacer performances. Lygia Clark, que era capaz de hacer obras con acciones, también contrasta con los pensamientos de Malevich, Allais o Reinhardt con el cuadrado negro. Hay una serie de movimientos que caracterizan la vivencia del arte de otra manera y que defienden la integración de otras disciplinas fuera de la pintura y la escultura dentro del arte. Un ejemplo es la fotografía, que cuando surge se usa simplemente para hacer fotografías familiares, sin el espíritu artístico que tendría después. De hecho, hay muchas técnicas que surgen en el siglo XIX, pero que van a tardar a tener características artísticas. Hasta 1950 el arte tenía mucha relación con lo que ocurría en el espacio político (por ejemplo, las guerras), ya que los artistas recrean la represión política y aprovechan sus obras para denunciar hechos, con un claro objetivo político. A partir de entonces, el arte va a ir cambiando y se va a acercar a la sociedad del bienestar, junto a los triunfos del capitalismo (las sociedades van avanzando hacia este tipo de modelos). El arte contemporáneo ya no solo va a ser pura materia artística, sino que también van a ser un símbolo de status. El propio arte se convierte en un objeto capitalista, aplicando

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técnicas de economía o empresariales al mundo del arte. Jeff Koons, autor del Puppy del Museo Guggenheim de Bilbao, hace la obra más cara de arte: Rabbit, de 1986.

El Rabbit nos plantea si un artista con una obra más cara es mejor artista y cómo ha evolucionado la tarea artística, al estar hecho en serie. Los contrastes dentro del arte contemporáneo hace que no sepamos definir lo que es el arte contemporáneo. Jeff Koons es el paradigma de la obra de arte de la postmodernidad y, además, también sienta un precedente en cuanto al saber popular de la vida privada de los artistas, ya que con su matrimonio se empieza a hablar públicamente de la vida personal de estos. A finales del siglo XX encontramos otra obra de este artista: una bailarina gigante sentada hecha con material hinchable y expuesta en la calle.

En conclusión, la evolución del arte contemporáneo nos puede hace entender lo que pasa en las sociedades.

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2. La contemporaneidad y la modernidad (1850-1900) El arte no era solo de hombres, tal y como nos muestra María Barshkirtseff, una de las precursoras del arte para mujeres. En 1881 encontramos Academia Julien un cuadro muy conocido esta artista, que ejemplifica muy bien cómo era la pintura en la época y la enseñanza del arte en las escuelas.

El mundo de mujeres que conversan y pintan contrasta con el mundo más conocido, el de los grandes artistas de esta época. La propia Maria Barshkirtseff cuenta en su diario cómo sus cuadros se sitúan en un rincón mas oscuro de la sala de exposiciones. En este diario nos da una noción, de la mano de la experiencia del artista, sobre qué es el arte contemporáneo. El origen de la historiografía y la idea del arte viene de Charles Baudelaire, poeta de las Flores del Mal y escritor de cuentos, aunque su obra no es muy extensa. Baudelaire habla de la transformación del mundo a la modernidad y es el ejemplo de la idea de que la crítica del arte tiene que penetrar en la sociedad, ya que la experiencia del arte que había hasta entonces era elitista. Después de Baudelaire, algunos poetas y escritores se hacen críticos del arte, por lo cual esta disciplina empieza a tener su propio espacio como herramienta artística. Los artistas de los que habla Baudelaire en su obra no son necesariamente los que han pasado a la historia como los más grandes. Sin embargo, sus escritos son aún de gran importancia para la teoría y crítica artística. Uno de los escritos más importantes es El pintor de la vida moderna, que trata sobre la vida de París, una ciudad que en el momento está sufriendo grandes transformaciones urbanas con un consecuente cambio en la sociedad.

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En esta época podemos apreciar una intersección de la vida contemporánea en el arte, que muestra episodios de la sociedad y de la vida. Se trata de una pintura de conversación, que va a constituir un estilo en las relaciones de las artes y las diferentes vidas contemporáneas. Por ejemplo, en siguiente pintura encontramos en un mismo espacio artistas hablando con músicos, novelistas, etc.

Se muestra, en definitiva, cómo se producía la vida en aquel momento, constatando a la vez que la naturaleza de la época es una naturaleza artificial: hay una gran masa de gente. De hecho, las grandes masas será otro gran tema de la época. Baudelaire también hace un análisis de los personajes de la época con el Elogio del maquillaje. Este texto habla de las relaciones del arte con la propia vida a través de una reflexión acerca de la cosmética (con un tono un poco machista), que significa rostro ordenado. De esta manera, elabora también la visión que se tiene del arte en la época. Aunque en el siglo XIX se vivía en esta aparente apacible vecindad y vida agradable, también debemos ver que no todo era tan apacible. La teoría estética o de historia del arte de Elie Faure, uno de los grandes historiadores de la época, hace una consideración sobre el nuevo arte en uno de sus textos de Introducción al arte contemporáneo, pero, sin embargo, acompaña el texto con imágenes de arte de épocas anteriores que no correspondían al tema del que se hablaba. Vemos de esta manera que se producen cambios en el arte a los que la sociedad se tiene que adaptar, y no siempre ocurre. Faure, en el mismo libro, hace un análisis del arte del siglo XIX por países, añadiendo los movimientos y artistas destacados (los más influyentes para el historiador) de cada uno de ellos. En la lista solo nombra a un par de mujeres a pesar del espíritu enciclopédico que tiene el autor al escribir el libro. Finalmente, encontramos a Walter Benjamin, el autor de Obra de arte en la época de reproductividad técnica, uno de los textos clave del siglo XX relacionado con la historia del arte y que escribe antes de morir. Benjamin analiza si la obra de arte es una cuestión epocal o eterna, idea cogida de Baudelaire en su cuento La pérdida del aura. Walter

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Benjamin habla de que el arte tiene que ver con una cierta magia y que una obra de arte considerada como arte en su propio momento (cuestión epocal) puede ser considerada también obra de arte en el presente (cuestión eterna). Cuando hablamos de arte, por tanto, pensamos también en el pasado. El gran debate que plantea Benjamin es que si el cine y la fotografía han sido los grandes descubrimientos del siglo XX (para él será el gran arte del siglo XX), podemos pensar que toda la idea del arte comprendido como una cosa del romanticismo ha cambiado. ¿Qué cabida tiene el “arte antiguo” delante del “nuevo arte” del cine? Benjamin se pregunta cuáles serán las obras de arte del futuro, y finalmente concluye que el arte ya no es lo que era, ya que comienza a estar disponible al público con la apertura de museos y exposiciones. El contacto con el pasado es muy importante en la Obra de los pasajes, que hace referencia a los pasajes parisinos durante la transformación de la ciudad a lo urbano. Benjamin es, con ello, la gran influencia de la filosofía del siglo XX, no solo a nivel artístico, sino también con su trabajo sobre la modernidad del siglo XIX. Benjamin habla de un elemento del sueño que ayude a despertar (Capítulo 5, París capital del siglo XIX, Memoria). Benjamin se centra no solo a los salones (modernidad de Baudelaire), sino que también señala la aparición del turismo y las exposiciones universales. Por tanto, se produce un cambio en la manera de exponer el arte: de las exposiciones habituales a las exposiciones universales y las propias exposiciones de arte contemporáneo (bienales). El arte se convierte en mercancía, un movimiento que está empezando con el nuevo ferrocarril (mundo global con capitalismo global). Las exposiciones universales no solo tenían arte (pintura): tenían fotografías, es decir, se aprovechaban los avances técnicos. Los salones (foto 1) eran literalmente eso: unas salas (que podrían ser un salón de casa) con un montón de obras contiguas unas a otras, casi apiladas. Las nuevas exposiciones cambian radicalmente. Llama la atención, en la siguiente imagen (foto 2), los globos, palcos, gente caminando, etc. Hay un concepto casi teatral de la exposición.

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Las construcciones que se realizaban para hacver las exposiciones universales son de gran relevancia. Se adaptaban edificios al público y al carácter de la exposición. Era una especie de márqueting de las ciudades, es decir, la ciudad que realizaba la exposición universal del año recibía mucho turismo. El arte, por tanto, mobiliza a la gente. Las exposiciones universales se tradujeron en las bienales, que eran eventos que se realizaban cada dos años y tenían una organización por países. Había interés público por las bienales, como podemos ver por la larga cola que muestra la imagen. Para un artista, exponer en este tipo de pavellones era una especie de validación.

Consecuencia: las Vanguardias europeas (1900-1920) Hay artistas que quieren romper con el pasado. Es un sentimiento que se expanderá a América también. Es el resultado también de los sucesos que transforman esa época, como las 1ª Guerra Mundial, que tiene mucha influencia. La pintura va a dejar de ser algo visual. Podemos ver la obra futurista de Umberto Boccioni, de 1916. El mismo autor también tiene representaciones del conflicto de la Guerra Mundial. El arte, por tanto, se convierte en una exposición de episodios de guerra que suceden en ese momento. También se usan nuevas técnicas, como el collage. El futurismo, uno de los movimientos de Vanguardia más influyentes, muestra esto en sus obras, aunque no fue uno de los movimientos más marxistas o comunistas.

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Giacomo Balla, uno de los pintores y artistas más importantes del futurismo más importantes, muestra en una de sus obras un despacho con un mueble verde que contrasta con cuadros tradicionales franceses colgados en la pared. Por tanto, podemos observar el abandono del arte para que se convierta en otra cosa. El dadaísmo también tiene que ver con ello. El dadaísmo tiene la idea de artistas revolucionarios. No se sabe muy bien qué quiere decir “dada”, pues se suele explicar la idea de que estos artistas recortaron esa palabra del diccionario. Una de las mujeres importantes en el movimiento, ya que en el dadaísmo las mujeres tenían cabida, fue Emmy Hennings, quien también realizó obras artísticas performativas. En su estudio vemos que ella todavía es una pintora clásica con los cuadros que vemos alrededor suyo. Vemos la transición de los diferentes movimientos y los espacios donde se mostraban. Podemos ver una exposición surrealista en Inglaterra.

Un ejemplo de la época es Marcel Duchamp, quien, al pasar por diferentes estilos, muestra las diferentes transformaciones de la época. Las transformaciones notables también se dan con la relación que tiene el arte con las sociedades del bienestar y cómo se venden las obras en las exposiciones. Las publicaciones y revistas futuristas, que también anunciaban las exposiciones del movimiento, intentaban mantener una apariencia para poder vender. Un ejemplo es la revista 391, que fue una revista muy importante de este movimiento. (aquí habló de Pollock) Si ya en el siglo XIX se muestran los diferentes y nuevos avances tecnológicos en el arte, el arte contemporáneo también va a mostrar esta cuestión en el siglo XX. Se empieza a relacionar la pintura con los nuevos conceptos, lo que se llama arte conceptual. Se empieza a considerar dónde está el arte, si en un objeto o en el sujeto (subjetivo, como el expresionismo). Sin embargo, el arte empieza a tener tendencias fuera de su propia consideración, es decir, fuera del objeto y sujeto.

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