Introducción a la Historia del arte II USAL Nota 9\'7 prof. María Diéguez PDF

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El Renacimiento 5 FEBRERO Término: periodo histórico que sucede a la Edad Media occidental. Se caracteriza por recuperar valores clásicos grecolatinos. Descubrimiento e interpretación de ruinas. El arte se convierte en forma de demostrar el estatus social. Mecenas, como los Médici, utilizan el arte como propaganda. Terminología: El nombre procede de Vasari y aparece en su obra Vidas de pintores escultores y arquitectos famosos (1570). Este libro no es objetivo pues ensalza la figura de Miguel Ángel, pintor cercano a su persona, al cual admiraba. Según Vasari se da un nuevo nacimiento del arte antiguo con una marcada conciencia individual en la actitud del artista. El término se universaliza con J. Burckhardt y su tratado Die Kultur der Renaissance in Italia (1860) en el que habla del cambio social que provoca su surgimiento. Este concepto no recibe interpretación histórico-artística hasta el siglo XIX.

Contexto artístico: El artista renacentista no era consciente de que estaba creando un nuevo estilo, para él, solo estaba realizando la obra "a la antigua", contrario a hacer el arte a la moderna, término con que se referían al arte gótico. El Renacimiento rompe la tradición artística de la Edad Media. Despreciaban el arte medieval, al cual definían como bárbaro. Se opone también al arte contemporáneo del norte de Europa. En el Renacimiento surge la figura del mecenas, personas adineradas provenientes de familias de origen a veces dudoso, como por ejemplo mercenarios, que usan el arte para dar prestigio a su familia. Protegen al artista porque este les ofrece el valor propagandístico del arte, que legítima su influencia. Algunos ejemplos son los Médici o los Rucelli. Como explica Vasari, los artistas renacentistas desarrollan una mentalidad individualista. Esto se traduce en que comienzan a firmar sus obras, a mostrarse orgullosos de sus ideas, y en el intento de demostrar el carácter intelectual de su profesión. Primeramente, los arquitectos, aludiendo a sus conocimientos matemáticos y geométricos, tratan de diferenciarse de la figura del artesano. Tras ellos los pintores y por último escultores hacen lo mismo. El arte ya no es controlado por el gremio, sino que queda bajo la protección de príncipes y burguesía. Tendrá mucha importancia la formación del artista, tanto práctica como teórica, basándose en tratados como el de Vitruvio que recuperan la antigüedad clásica en cuanto a sus órdenes y proporciones. El taller del maestro controla el acceso a la profesión de oficiales y aprendices. Surge el concepto del artista genial. Características. Determinantes estéticos principales, determinados en el esquema de Wölfflin. •

Simetría

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Equilibrio: en cuanto a la composición, el orden permite una lectura clara. Claridad Formas idealizadas Búsqueda belleza.

Vuelta a la antigüedad, búsqueda ideal clásico. El mundo grecorromano es el modelo para la sociedad contemporánea. No solo adoptan sus elementos visuales, sino la teorización del arte: en cuanto al orden, el movimiento o la arquitectura clásica greco-romana. Visión profana de temas religiosos: los valores clásicos, vistos desde el punto de vista cristiano, son considerados paganos. Para evitar la censura de la Iglesia, se integra el mundo cristiano con la recuperación de ideales clásicos propia del movimiento renacentista. Esto se realiza mediante escenas desacralizadas y edificios hechos a la medida del hombre, que nos indican el cambio de mentalidad antropocentrista. El Papa, como cargo político, proviene del cargo de la antigüedad “pontífice”. Por tanto, también se beneficia de la recuperación de la antigüedad pues afianza su postura y lo legitima. También la propia Iglesia encarga obras que recuerdan el mundo clásico y lo reinterpretan, como por ejemplo la Escuela de Atenas de Rafael. Puesto que las raíces del Renacimiento son de carácter profano, no resulta sorprendente que su cuna sea Florencia, ciudad donde el gótico tuvo poca trascendencia.

La Iglesia trata de unir filosofía y religión. Rafael, de forma anacrónica, reúne filósofos de diferentes momentos históricos y los asocia con rostros contemporáneos.

La naturaleza tiene gran influencia en los artistas. Esta se considera obra divina y por tanto un elemento perfecto en el que inspirarse. Imitación del natural como método de aprendizaje. Los artistas la utilizan como fondo o como elemento decorativo, aunque nunca como protagonista de la obra. Con el antropocentrismo, el hombre se entiende como medida del Universo y no como ser creado a imagen y semejanza divina. Por tanto, será el protagonista de las manifestaciones artísticas, cobrando una relevancia superior a la que tuvieron en época clásica. Elementos constructivos, recuperados de la antigüedad clásica, se descubren gracias a los hallazgos arqueológicos en Roma. • •

Elementos sustentantes: arco medio punto, columna. Elementos sustentados: cúpulas, bóvedas de cañón, cubiertas planas decoradas con casetones.

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Elementos decorativos: pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, volutas, grutescos, guirnaldas y medallones. 11 FEBRERO

Difusión del estilo Se difunde por Europa a partir del s. XV, conviviendo hasta desplazar gradualmente a los estilos anterior. Se establecen nuevos focos artísticos renacentistas en el Norte de Europa, en lugares como Alemania o los Países Bajos. Gracias a: - Desplazamiento de artistas y patronos. - Viajes de formación a Italia: Durero a Venecia; Machuca a Italia. - Establecimiento de artistas italianos en cortes europeas. - Educación humanista de los clientes: Fontainebleau. - Desarrollo del libro impreso permite la reproducción estándar de imágenes. -Tratados, y teoría del arte. Esto dio mayor valor intelectual al arte. Estos tratados eran . traducidos a otros idiomas, facilitando su difusión. Con estos tratados los artistas pueden . observar nuevos modelos sin tener que viajar o pese a no tener la oportunidad de visitar . ruinas clásicas. -En América no se conocen ni la técnica ni la iconografía. Gracias al detalle y . minuciosidad de estos tratados, el artista indígena puede copiar los modelos europeos.

Etapas S. XV: Quattrocento: • • •

Florencia y sus familias: máximos financiadores del arte. La caída de Florencia coincide con la caída de la familia Medici. En Italia, la recuperación de los valores clásicos se asienta en la recuperación de la gloriosa antigüedad romana, y por tanto se considera legado nacional. En el resto de Europa pervive el gótico tardío, pues el Renacimiento no comenzará a expandirse hasta el XVI.

S. XVI: Cinquecento: • • •

Roma: nuevo centro artístico. Papado: máximo financiador de obras. Caída: Il sacco de Roma.

Clasicismo: muestra de forma más pura las características del Renacimiento. Manierismo: ruptura de la norma. Período de transición hacia el Barroco que se inicia tras la obra de Rafael y Miguel Ángel, siendo este último partícipe de la corriente.

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Quattrocento italiano. Italia concebida como la nación actual no existía, sino que era una unión de estados. En muchos casos estos estados eran controlados por familias descendientes de antiguos mercenarios. Estas familias trataron de distanciarse de su pasado belicoso mediante el arte, instrumento utilizado para dar a la familia una imagen culta e intelectual. El financiamiento del arte no respondía a una motivación artística puramente, sino que también había intereses políticos. -

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En el Quattrocento, la ciudad de Florencia brillaba sobre las demás, especialmente en el plano cultural. La corte italiana: la imagen del príncipe difiere de la del cortesano. La literatura (El Príncipe, Maquiavelo) recoge cómo debe ser y actuar el príncipe, quien debe alcanzar el equilibrio entre magnánimo y tiránico, y debe emplear el arte a su favor, utilizando el mecenazgo, aparentemente altruista, para beneficiarse de estos patrocinios en el plano político y social. Esto supone el preludio del uso del arte por los monarcas absolutistas. También la literatura, de la mano de Castiglione, recoge cómo debe ser la corte del príncipe y cómo debe comportarse un buen cortesano: debe ser grácil y disimulado en sus adulaciones al príncipe. Así, la imagen del príncipe guerrero vista en los Condottieri, pasa a una más culta. Familia Malatesta: se hace representar de perfil para ocultar sus heridas de guerra, intentando distanciarse de su pasado mediante el arte que le aporta clase y prestigio. Cortesano Castiglione: este elevó su estatus a través del arte, concretamente de los retratos. Una de las características del Renacimiento fue la representación cortesana del tema religioso. Se realizaron obras sobre temas religiosos en los que la importancia de la propia temática de la obra quedaba en un segundo plano tras los usos de fondos arquitectónicos que recuperan elementos clásicos y la aparición de personajes cortesanos. Por ejemplo, en Aparición del ángel a Zacarías, la corte de los Medici, protagonistas de la vida social florentina de la época, aparecen representados en la obra distrayendo de la auténtica escena bíblica. Las artes escritas: Las artes comienzan a ser estudiadas de manera técnica y teórica, gracias a la recuperación de tratados antiguos, como el de Vitrubio; y a la redacción de nuevos. Los publicados en el S. XV fueron de corte más teórico mientras que los del S. XVI se apoyaron más en el aspecto visual.

Florencia S.XV -

Una conjunción de acontecimientos hace posible la aparición de renacimientos, en minúscula, que empiezan a interesarse en el pasado clásico greco-latino y a introducir sus elementos en la actualidad. o Surgen familias que contratan artistas para construir sus villas, palacios y etc. o La necesidad de completar obras heredadas del pasado, como la Catedral de Santa Maria del Fiore. El proyecto de la cúpula de Brunelleschi prendió la llama renacentista, aunque ya anteriormente se habían introducido algunos elementos clásicos, por

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ejemplo, la decoración con medallones, sobre edificios góticos, como sucede en la Catedral Nueva de Salamanca. La familia Medici asienta su poder gracias a su posición económica, fortuna obtenida por sus actividades comerciales y en especial bancarias. Cosme el Viejo puso interés en la construcción del prestigio familiar a partir de la promoción del arte, algo que legó a sus descendientes, en especial a Lorenzo el Magnífico. Esta familia alcanzó tal poder que históricamente se ha llegado a relacionar la Florencia quattrocentista exclusivamente con esta familia, ignorando otras que también financiaron arte. Cabe destacar, no obstante, que el auge y la decadencia de Florencia coinciden con el auge y la decadencia de la familia de los Medici. Especialmente durante el Romanticismo se construyó una imagen de esta familia como hombres ilustres dedicados en cuerpo y alma, y de forma altruista, al arte. Esta imagen llega hasta nuestros días, pero como hemos explicado ya, no es enteramente cierta pues ellos se beneficiaban de esta relación con el arte y sus creadores.

ARQUITECTURA Brunelleschi: La cúpula de Santa Maria del Fiori. EXAMEN -

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En el nacimiento del Renacimiento, la cúpula de la catedral de Florencia necesitaba ser finalizada. Aunque se habían presentado proyectos para su cerramiento, estos carecían de fundamento técnico que asegurara la posibilidad de su realización. Se trataba de una obra de complicadísima ejecución técnica, hasta el punto de que se plantearon ideas de un elevado grado de insensatez. Se propuso rellenar completamente la catedral de arena, para que al compactarse la misma sirviera de soporte para obreros y materiales, evitando así la construcción de altos y costosos andamios. Para su vaciado, se propuso esconder monedas entre la tierra, y utilizar así a pobres y mendigos de la ciudad como obreros a cambio de que pudieran conservar las monedas que encontraran. Si el proyecto suponía un reto técnico era porque la planta de la catedral gótico-italiana condicionaba increíblemente la forma que debiera tomar la cúpula. Además de sus grandes dimensiones, pues es la quinta catedral más grande, debía asentarse sobre un tambor octogonal en el que solo existían cuatro soportes. El gremio de la lana florentino organizó un concurso público para seleccionar un proyecto que asegurara la finalización de las obras de la Catedral. A este se presentó Brunelleschi, un importantísimo autor del quattrocento en el que apreciamos la figura del artista total de conocimiento universal. A él le debemos la codificación de la perspectiva cónica; y vivió la ruptura entre Gótico y Renacimiento. Como escultor, se presentó al Concurso Público para la realización de las puertas del Baptisterio de la Catedral. El proyecto exigía que se tratase el tema bíblico de El Sacrificio de Isaac en medallones polilobulados. No obstante, este concurso lo ganó Ghiberti, rival de Brunelleschi. Esta rivalidad volvió a aflorar con el concurso público para la realización de la Cúpula de la Catedral, ganado esta vez por Brunelleschi. El gremio de la lana seleccionó su sorprendente proyecto porque además de dibujos del resultado final, Brunelleschi presentó una maqueta y un módulo demostrativo del proceso de construcción,

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solventando así el problema de la ausencia de fundamento técnico y asegurando la posibilidad de realización y por tanto finalización de la obra. Los miembros del jurado se sorprendieron de que Brunelleschi no fuese a emplear andamios ni cimbras para la construcción de la cúpula. Esto se debía a que el diseño de su cúpula era auto sustentante, es decir, a medida que ganaba altura creaba el soporte de los niveles superiores. Además, se trataba de una cúpula doble, es decir, una interior y otra exterior de forma más peraltada que se unían por un andamiaje que permitía subir y que además ayudaba a afianzar la unión entre amabas. Empleó ladrillos en sustitución de la piedra porque estos son más ligeros y fáciles de trabajar. Estos se colocaban en forma de espina de pez, ayudando a conducir el peso de la cúpula hacia abajo. Además de sus magníficas obras artísticas, a Brunelleschi le debemos el diseño de máquinas de construcción, estructuras autosustentantes y poleas para subir materiales y obreros. Ghiberti y Brunelleschi fueron obligados a trabajar juntos en la construcción, Brunelleschi, ofendido por la impertinencia de Ghiberti y decidido a demostrar la incompetencia de este, se marchó a Roma. Ghiberti, ahora solo frente al proyecto, cometió errores graves de arquitectura y fue obligado por el gremio lanero a abandonar el proyecto definitivamente. El gremio pidió a Brunelleschi que volviera y remprendiera la construcción. La cúpula de Santa María Di Fiore supone la primera cúpula gallonada y la primera cúpula autoportante realizada desde El Panteón romano. Una vez construida la cúpula, se realiza otro concurso para la linterna, es decir, el remate. Brunelleschi ganó de nuevo, pero murió durante la construcción. Gracias a su proyecto detallado se pudo acabar la construcción en su ausencia.

Brunelleschi obtuvo gran fama como arquitecto, lo que propició grandes contratos de la familia Medici.

Iglesia de San Lorenzo. -

Lo primero que llama la atención es su cúpula, que se asemeja a la cúpula de la catedral florentina. Los Medici, en su Iglesia de patronato propio, encargaron un proyecto de un arquitecto famoso, Brunelleschi, y se hacen eco de una gran construcción como es la catedral de Florencia. Así, se igualan al estrato religioso en cuanto a poder e influencia.

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lucieveetate - Tiene planta basilical con tres naves. La central tiene más altura y permite la entrada de luz natural. - Fue encargada por Cosme el Viejo, quien se hizo representar a sí mismo en uno de los murales del interior. En este mural se le ve recibiendo el proyecto en forma de maqueta de la mano de Brunelleschi y Ghiberti. Así se atribuía el valor de sensibilidad artística y demostraba su poder. - En el interior de la iglesia nos encontramos una obra que recupera elementos clásicos, como las columnas, las cupulas vaídas, la nave central cubierta plana, que recuerda al arte paleocristiano. - Cuenta con dos sacristías: una vieja y una nueva. La nueva es obra de Leonardo, y la vieja de Brunelleschi. Esta sacristía vieja tiene una connotación funeraria.

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Su esquema central revuelve alrededor de una cúpula situada sobre la planta central y sujeta sujeta por pechinas. Vemos la imitación de modelos clásicos en los frisos corridos de medallones y las pilastras. Esta cúpula es gallonada, marcando los gallones mediante nervios, y con un óculo central que permite la entrada de luz natural.

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Como hemos dicho, esta se asemeja a la cúpula de la catedral de Florencia, pero aquí Brunelleschi no se vio condicionado por el tambor octogonal por lo que pudo crear una cúpula más circular, lo cual le da un aspecto más clásico.

Iglesia del Santo Spirito -

Cuenta con cinco naves: La central de mayor altura, para permitir la entrada de luz, y con cubierta plana. o En las laterales, dos a cada lado, las exteriores se son para capillas. o En el crucero vemos que la cubierta es una cúpula sobre pechinas. o

Hospital de los Santos Inocentes. -

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La arquitectura hospitalaria de carácter civil se utilizaba, además de para uso médico, como pensión y para la acogida de peregrinos (hospital=hospitalidad). Obra patrocinada por el gremio de la seda. Es de logia antigua, con elementos remiten a la antigüedad clásica: órdenes que vemos en las columnas de fustes gráciles y finos, etcétera.

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lucieveetate Capilla del Andrea Pazzi. -

La fachada recuerda levemente al arco de triunfo romano. Su frontón se sujeta por columnas de fuste fino. La sacristía está coronada per una cúpula gallonada con óculos y sobre pechinas decoradas.

13 FEBRERO Michelozzo di Bartolomeo -

Ejemplo de artista total : fundamentalmente se dedica a la arquitectura, aunque también esculpió. Colaboró con Donatello en el púlpito de la catedral de Prato. Muy preocupado por la antigüedad clásica y muy purista en el uso de las formas Trabajó sobre todo para Cosme el Viejo. Cuando este se vio obligado a exiliarse de Florencia a Venecia agradeció la hospitalidad de esta ciudad financiándoles obras artísticas.

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Convento dominico de San Marcos en Venecia -

Famoso porque contiene los frescos de Fra Angélico. Las pinturas de las zonas públicas tienen un carácter menos místico que el de las privadas. - Michelozzo realizó el plan general pero la parte renacentista clásica convive ahora con el barroco. - De él son la biblioteca, las dependencias y el claustro. o Claustro: recuperación de órdenes, elementos y cerramientos clásicos: ▪ Columnas cuyas bases descansan sobre murete de media altura. ▪ Arcos de medio punto. ▪ Bóveda de arista o

Biblioteca: Planta similar a la de una iglesia, tres naves. Atribución de aspecto religioso a la arquitectura civil mediante la utilización de plantas tradicionalmente religiosas (también puede ocurrir viceversa con el uso de la planta centralizada). • En las paredes laterales encontramos ventanas que permitían la entrada de luz natural necesaria para la función del espacio ▪ La limpieza y pureza de formas clásicas: • Columnas estilizadas. • Bóveda de cañón en la nave central y de arista en las laterales. ▪ Está biblioteca fue transformada durante el barroco. •

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lucieveetate Capilla de la Santissima Annunzziata en Florencia. -

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