Romanticismo, Realismo y Simbolismo PDF

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Lunes Pintura a una serie de elementos a del trazo del color, del uso de una materia a de una materia bidimensional. Aquellas artes que los que el estorbo de la materia que no hacer lo que las pinturas. Pintura es una pintura de hechos protagonizados por hombres lo que tienen un papel principal y el...

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Lunes 11/2/19 Pintura romántica potenciación a una serie de elementos a través del trazo del color, del uso de una materia a través de una materia bidimensional. Aquellas artes que los románticos decían que tenían el estorbo de la materia que no podían hacer lo que las pinturas. Pintura histórica es una pintura de hechos protagonizados por hombres lo que tienen un papel principal y el paisaje tienen un papel secundario representan un hecho realizado y protagonizado por los hombres y muchas veces había una naturaleza que estaba allí para el orden a todos los elementos y que da un sentido a la vida de los hombres. Esto en el romanticismo aquello que había tenido un papel subyugado del hombre se libera y pasan a tener un papel principal. Forma de monologo, de introspección, riqueza de ser observado. Encuentran en esa fuerza creadora inacabable. La naturaleza tiene una lógica del desorden, de la sublimidad. No se ha de construir una narrativa a aquello que es sublime como hicieron los clasicistas. Es un universo del mundo natural que el artista encuentra como una vida para despojarse de las cadenas de la sociedad, es un camino hacia su introspección y a su singularidad. Es un desplazamiento del centro de importancia. Es un dialogo de mirada sencilla, mirada no pervertida del niño el artista quiere volver a esa mirada y despojarse de todos los condicionantes (educación, sociedad). Es voluntad de dar importancia al paisaje. Sobre el paisaje se le ha puesto una mirada que va cargada de sentido moral, histórico, cultural... entonces ha de ser un paisaje, una naturaleza que con mirarla sea capaz de provocar la introspección y está cargada de sentido cultural, histórico, moral, etc. Todo esto se expresa en la pintura, pero de maneras distintas. Una de las primeras poéticas artísticas que tuvo mucha importancia y resonancia. Temas de reflexión: angustia, retrospección, un camino al interior. Desposeer al arte de su actividad comunicativa. Como lentamente esta pintura hay una minimización del hombre y se da más importancia al paisaje, es el protagonista, figura cargada de significado simbólico. Figura humana de actitud contemplativa. Acto de enfrentamiento de la pequeñez humana frente la magnificencia de la naturaleza. Paletas oscuras. No en toda Europa hay esa necesidad o se manifiesta de mostrar la pequeñez humana o el cambio de protagonismo del hombre a la naturaleza. Frente esta tradición hay otras como la inglesa, donde hay simultáneamente, en la Royal Academia de Londres empezaba llamar la atención un pintor por su mirada violenta y agresiva que disparaba su pintura, colores agresivos y es Turner. Pinto las cataratas del Rin en Schaffhausen. Turner fue una gran paisajista.

Turner elabora un código muy característico suyo: ocasión para que a través de su imaginación muestra una manera de relación entre el hombre y la naturaleza. Turnes necesita que la naturaleza sea su recipiente donde pueda volcar sus inquietudes: sentido moral de la vida, la pequeñez del humano contra la grandeza de la naturaleza, etc. En su cuadro la naturaleza tiene una gran carga de significado simbólico, en el que Turner plasma sus angustias. Sensación de agobio de los Hombres y su pequeñez mediante la sublimidad de la naturaleza. Paleta de colores agresivos. Contornos difuminaos para mostrar más esa sensación de agobio. Furia desatada de unos elementos naturales que el hombre no comprende. Ruina como elemento que invita a la reflexión. Turnes esa reflexión se consigue a través de la mano con la que representa el telurio de los elementos de la naturaleza. Turner lo que hace mover todos los tópicos que la tradición de lo sublime ha ido depositando. Los cuadros son muy difíciles de mirar, obligaban al espectador a ponerse en una posición difícil, distinta a la que estaban acostumbrados. Turnes obligaba a sacar de sus convenciones a unos espectadores que se sorprendían con sus obras. Goya da comienzo de su carrera hace su viaje a Italia. Allí se presenta a un premio para que sea pintado un motivo que la academia señala. Invita a los pintores que representen a Aníbal cuando mira Italia. No gana, queda en segundo puesto. Cuadro de su primera línea de creación muy influida por el barroco. Cuadro de tema mitológico. Su planteamiento es original ya que la mirada de Aníbal quien es el prota de la pintura es lo que se representa, pero no se ve lo que mira. Los cielos de Goya Siempre llaman la atención, son misteriosos, inquietantes y perturbadores. Sus cuadros nunca respiran tranquilidad. Es una paleta fría. Cumple con los requisitos del tema clásico. Ese mismo tema adelante se retomará. Turner lo retoma también y los requisitos pictóricos han cambiado. El protagonismo se lo llevan las fuerzas de la naturaleza. Aníbal y sus tropas aparecen relegados en un lugar donde se ve su pequeñez. Muestra su indefensión frente los elementos de la naturaleza. Dudas de cual es nuestro lugar en el mundo. Naturaleza como elemento central para promover su reflexión. Sentido filosófico que Goya no tiene, ya que se pliega a unos requisitos del canon o la tradición clásica señalaba. Turnes se aficionó a la observación de los fenómenos meteorológicos. Siempre hay un vórtice que amenaza con arrastrar la caducidad de la vida de los hombres. El color y el trazo transmiten emoción, Turner se da cuenta de ello. Aquello que el ojo humano ve en el tratamiento de algo que queda disuelto en lo que el ojo humano en cada momento deconstruye y construye. Turner es un importantísimo precursor a ese camino de la liberación del color, de la representación de ese paisaje, etc.

Hay otros que utilizan una vía distinta para satisfacer la necesidad de liberación del canon clásico, como Jhon Constable o Claude Lorrain con u paisajismo que no se arriesga demasiado. Siguen en algunas perfectivas clásicas donde los humanos solo se muestran para indicar la escala. Invita a la reflexión del sentido de la vida, de crear una harmonía entre el hombre y la naturaleza, amistad entre hombre y naturaleza. Exteriorización de una emoción interior. Constable muestran una mirada singular. Es el pintor consagrado a la captación del instante fugitivo, aquello que solo sucede una vez. Captado el caso de la luz, las nubes, el juego de luces y sombras y lo eterniza. Captación del cambio atmosférico. Eternizar en un instante, captar la grandeza de la naturaleza en un momento determinado, como los pasos de la luz. Captación de un momento que el poeta solo verá una sola vez y no se repetirá de nuevo. Constable es la maestría en la gran cantidad de utilización de verdes. Observación atenta de la naturaleza para mostrar el temblor del instante. Mostrar el movimiento, el aire, el olor, la textura, sensación de humedad, el viento, el aire… Elementos sensoriales. Cosntable se recrea en la materialidad de las cosas, en su color, su textura, su sonido. Le bastaba con mirar. Profunda ley moral. Ley religiosa y moral de la naturaleza. Cuadro que consigue detener un instante. Arte ah de ser es ventana abierta l homenaje de lo humilde a través de una mirada abierta. Costable se ponía delante de un elemento de la naturaleza a distintas horas y épocas del año y lo pintaba y estudiaba para sumergirse en la grandeza de la superficie y textura de las cosas. Todo cambia y es distinto dependiendo del momento. Irrepetibilidad del instante se eterniza a través de una mirada atenta. Dos vías de liberación del clasicismo: Turner en la desfiguración de las cosas; y Constable es menos revolucionario y es el captar el momento fugaz y eternizarlo. Los dos vuelcan en sus cuadros sus inquietudes y reflexiones. Mirada que da una visión a la naturaleza. Importante desplazamiento de la importancia del humano para darle el papel principal a la naturaleza. Plasmación de la singularidad del artista. El arte ya no se valora en su relación o capacidad de ser más o menos fiel a la realidad, sino que es a través de si representa bien el proceso del pintor de construir y deconstruir. Pintar aquello que está dentro de sí. Abrir el ojo espiritual para hacer aforar al exterior. La naturaleza es la caja negra o caja de resonancia de la sensibilidad del artista. Busca la transmisión emotiva. Se espera que el espectador sea capaz de reproducir el camino a la interioridad del artista. Desplazar el arte al arbitrio del creador. Miércoles 13/2/19 ___ Lunes 18/2/19 La carta que habla de los caprichos de Goya, pero no lo redactó Goya. Habla de asuntos

caprichosos. Los pone dentro del cánon y del grupo de la sátira. la obra tiene dos intenciones: correctiva, crítica y satírica y el dar rienda suelta al ejercicio de la fantasía o imaginación. Se trata de asuntos caprichosos, no copiados de la naturaleza, ni observados directamente de la realidad, sino que son tomados de su propia fantasía y ámbito personal. Formas y aptitudes que solo han existido hasta ahora en la mente humana. Insiste mucho en la idea de que todo está sacado de su mente, que no se ha basado en la realidad. Declaración inter-clásica para cerrar la carta. (Mirar el último párrafo). En la frontera del año 99 Goya no es lo significativo por qué utiliza un término y no en otro. Para referirse para explicar la pintura de los caprichos tienen que utilizar unos términos que están fuera del límite de la imitación de la realidad, para reivindicar de hacer objeto de representación pictórica aquello que está dentro de los márgenes de la imaginación creadora. Los caprichos es fruto de una necesidad interior (fantasía, creatividad, imaginación...). Aparecerán términos relacionados con el carácter singular, único, personal. Dentro del ámbito de la tradición pictórica el termino capricho tienen una larga historia. Se refiere a algo surgido de su invención creadora. Los estudios de Carducci dicen que hay dos tipos de artistas: el “artista oveja” y el “artista cabra” (à capricho). El “artista oveja” era quien seguía lo instruido, la tradición, quien no aspiraba a alejarse del camino indiciado. El “artista cabra” era aquel que era capaz de saltar de un lado a otro, saltaba los márgenes, fronteras, zonas y experimentaba. Quería expresar que era una pintura distinta a la pintura de cámara o más clásica. Hay cuadros que tiene que son sacados de su imaginación e intenta buscar nuevos términos para poder expresar eso. Para poder explicarse hizo una carta en el año 94, justo cuando Goya se recupera de su enfermedad (no se sabe cuál) y que en el 92 le dejó sordo. Él dice que se ha dedicado a pintar algo fuera de lo que le suelen pedir por encargo. Goya usa unos términos que en la tradición clásica habían sido definidos como subordinados en la razón y frenadas por esta, porque se pueden descontrolar, la razón las ha de abrazar y contener. Estos conceptos en el camino que se abre a la segunda mitad del siglo 18 empezaran a definirse de una forma un poco nebulosa aún. Goya los usa para definir las partes de la mente que está por fuera de la razón, lo que la razón no puede controlar. Lo que el ojo no puede ver, lo paradójico. Goya los usa en el sentido moderno. Acude a unos términos que giran a esa orbita para referirse a la libertad del artista, obras de expresión personal, exteriorizar el mundo denso que esta buscando una salida que proviene del interior y que busca esa plasmación exterior en forma de capricho y que él plasmará con la serie de los caprichos pintado en forma de grabado.

El artista que se demuestra consciente de su condición de artista, que se muestra si mismo creando. Que es un artefacto fruto de un talento individual. Por ello hay autorretratos. Goya también hay autorretratos y uno de ellos abre la serie de los caprichos. El Autorretrato en el taller (1790-95): Goya se ha querido retratar pintando y detrás de él está una mesa con un papel y tinta, con eso quiere decir que Goya no solo crea, sino que reflexiona, eso significa que quería decir que su obra también es un acto de reflexión, un “artista filosofo”, no se quiere presentar solo como un ejecutor, sino como de pensador. No se trata de solo ser un artífice. Autorretrato (1796-97): se retrata como los signos de los artistas inspirados. Es una imagen tópica que retrata un hombre con el pelo largo y alborotado y esta mirada perdida y penetrante. Esta descripción en el romanticismo hace referencia a el artista genio, el artista imaginativo y creativo. Capricho 1º: Autorretrato à abre la serie con un autorretrato con mirada socarrona. Mira en oblicuo, no mira a cámara directamente. Mira el mundo con esa mirada.

El artífice

consciente, el recordatorio de su mano creadora, fruto de su labor creadora. Los caprichos: cambiara los elementos que han caracterizado los escritores anteriores sobre la sátira. Errores censurados entendidos como una aberración de la razón que puede y debe ser curada. En Goya esto aparecerá trascendido. Capricho 43º: El sueño de la razón produce monstruos àcritica a la sociedad y a sus costumbres. En las estampas ese propósito critico tiene en Goya una dimensión poco sospechosa. Vemos convivir en ellos aspectos procedentes de lo que es siniestro con una voluntad de lo humorístico. Esto el pensamiento contemporáneo lo denominara grotesco. Por eso los románticos europeos lo acogen como suyo a Goya con esta serie. Dentro de los caprichos se encentra la serie asnería que está protagonizada por burros, por asnos. Van todos seguidos. Las memorias de la insigne academia asnal: critica de la falsa sabiduría, de la pedantería, de los falsos sabios de la época y usan la figura del asno. La obra levantaba las risas por los dibujos y por los textos que acompañaban. Uso elemental plano del asno. Caricatura francamente ingenua. Un texto como este tuvo que circular bajo mano porque las composiciones poéticas y los dibujos hacían que no pudiese circular con el nombre del autor firmado. Estos mismos tópicos son los que Goya utilizará en la serie de las asnerías de los caprichos.

¿Si sabrá más el discípulo? à Critica el proceso absurdo de aprendizaje en el que empiezan de burros y seguirán siendo burros después del aprendizaje. Pero hay algo inquietante y se muestra en todos los grabados de las asnerías: se han borrado las fronteras entre los burros y los humanos. Los burros de Goya gesticulan, abren la boca, tienen gestos de humano, la mirada es humana, van vestidos, cada uno de ellos refleja una actitud distinta, están sometidos a un proceso de tratamiento donde se borran las fronteras entre animal y humano. Son burros muy humanizados o humanos muy animalizados. Estos animales tienen una psicología. Juego de luces y sombras. Caras siniestras. Nobles aristócratas abusadores que se ven con la expresión siniestra de superioridad de ese burro. Gradación de sombra que le permite hacer un juego de sombras y luces con una técnica que le permitía plasmar la nocturnidad y lo siniestro (la plancha con aguafuerte, con ácido). Tonos grises para buscar una atmósfera determinada. Temas que ya había hecho en lienzos y que en los grabados son sometidos a procesos más siniestros, los plantea de forma más desgarrada. Los temas sobre la mujer dominante están más siniestros. Miércoles 20/2/19 Goya no es consciente de lo grotesco, pero sí que es verdad que por las mismas fechas en las páginas de la revista Ateneu se reflexiona sobre esos caprichos y, más adelante, Víctor Hugo también piensa sobre el en el prefacio de Cronwell. Los caprichos nacen con una intención crítica y satírica, aunque sabemos que el prospecto que no es suyo (le ayudan) que tenia otra intención y era evocar su fantasía, las figuras eran fruto de la libre imaginación de su mente. Él necesita echar mano de un lenguaje nuevo para describir su nueva pintura, inaugura una nueva expresión lingüística y artística. Goya se ha desplazado al polo expresivo. Como la intención critica y satírica se expanden para dar salida a un tipo de percepción y a su angustia. Él, un hombre con tantas carencias necesita hallar toda una serie de términos nuevos que pudiesen expresar su interior, pero no fue el mejor escribiendo. La asnería à caricaturas tópicas animalizadas en el que se borra la frontera entre el animal en el humano. Los humanos van cogiendo rasgos animalizados o de muñeco acaban teniendo una sombra en la que hay una mezcla de lo humano y la brutalidad. Muestra ese camino de paso. Los caprichos marcan un inicio en la pintura de Goya que es un proyecto ilustrado negativo en el que se muestran las carencias o criticas hacia el proceso de la ilustración y esto marcará la modernidad. Tomar conciencia de esas limitaciones y carencias y lo hace de forma moderna y ambigua y tienen su mejor expresión en el capricho nº 43: El sueño de la razón produce monstruos.

El sueño de la razón produce monstruos: iba a estar en el principio, pero al final Goya la puso en el centro de su creación. Imposibilidad de entender los títulos desde un punto de vista u otro, abre interrogantes a otros sentidos que acompañan paradójicamente a otro y que puedan convivir los dos es lo interesante. Desde el punto de vista ilustrado se refiere a que si se abandona la razón vienen los monstruos, la irracionalidad, el desconcierto, la aberración monstruosa, pero esa es la versión más convencional que se adecuaba en la época. Pero desde el punto de vista a la modernidad, la ilustración, la razón es un sueño que va siempre de inevitables monstruos que forman parte y conviven y son verdad, son ciertos. Es ese el espejo de la razón: la razón va acompañada de lo monstruoso y lo brutal que reside dentro del hombre, tan humano es lo uno como lo otro. El significado de la frase es muy ambiguo. En el grabado vemos el artista en estado durmiente sobre un fondo gris de nocturnidad en el que surgen todo de aves nocturnas y dos animales terrestres. La tradición iconológica identifica esta posición del artista como el insomnio o la pesadilla. Algunas de las aves indican la nocturnidad, la ambigüedad. La lechuza y el búho es el símbolo de la sabiduría, de la constancia, del trabajo, de la inteligencia y uno de ellos, el que le mira directamente coge una pluma instándole a seguir con su trabajo. El gato significa todo aquello paradójico, sinuoso, la nocturnidad, la ambigüedad, con sus ojos que ven la oscuridad, unos ojos distintos, también significa la mirada, la inteligencia del lince. Cuando el artista cierra sus ojos (estado de sueño) se abren otros ojos, otro ámbito de sabiduría. No solo hay una manera de ver, hay distintas y una de esas es la dimensión que se abre para la creación en el momento que los ojos se cierran y se abren los ojos de la imaginación y a fantasía. Motivo que la sátira ha utilizado en toda la literatura critica, satírica y utópica, entonces Goya lo que hace es recoger esta tradición. El grabado va con una leyenda, no se puede interpretar la leyenda sin el grabado, y la leyenda está dentro del grabado, lo que implica que se han de interpretar juntos. Artista que toma conciencia de la crisis de los valores de la época. Lo brutal también forma parte de la condición humana y eso se ha olvidado en ese momento. No hay elemento de contraste con una perfección. No hay nada que pertenezca al mundo de la razón o de la luz, no hay ningún contrapunto de la ambigüedad. Carácter individual y paradójico. Goya muestra como cualquier intento de racionalizar la vida desde la luz de la razón es un sueño que se había olvidado de los elementos tan humanos como es la nocturnidad, la brutalidad, etc. La serie de 80 estampas va marcando unas líneas de dialogo y de relación. Se separan los perfiles del mundo animal y de lo humano. Deformación grotesca de los dos ámbitos. Intención de desnudar las figuras y dejarlas en toda la fealdad propia de esa condición

humana. Animal y residuo humano. Capricho nº 56: Subir y bajar: ya no se sabe dónde está el punto de gravedad, ya no se sabe donde está el centro, sensación de desamparo. Expresa la crisis de los valores ilustrados con la apelación de la creación de mundos posibles a través de la imaginación cerrando los ojos y abandonándose al sueño. Esto apela a unas características estéticas que el romanticismo cogerá. Esta nueva estética es el cruce entre lo terrible y lo humorístico. De este cruce surgirá lo grotesco, pero es una categoría estética que en el ámbito de las artes plásticas es ya desde el siglo 16. El nombre viene de unas pinturas encontradas en unas grutas en las ...