T5. Métodos de la historia del arte (I). Atribucionismo y formalismo. PDF

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Apuntes de Teoría y Metodología de la Historia del Arte. Faltan los Temas 6 y 7 que se completarán próximamente....

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T5. MÉTODOS DE LA HISTORIA DEL ARTE I: LAS GRANDES ESCUELAS TEORICO-METODOLOGICAS (EL ATRIBUCIONISMO Y EL FORMALISMO). -Las grandes escuelas teórico-metodológicas: enfoques y métodos. Es un panorama muy complejo, que incluye diferentes enfoques y métodos propios de nuestra disciplina y propios de otras ajenas. Además, veremos en ocasiones como estos se interrelacionan entre ellos y resulta muy difícil su clasificación. De hecho, hoy en día prácticamente todas estas clasificaciones de enfoques y métodos forman un todo integrado, y un estudio completo de una obra de arte intenta completar los datos de todos estos campos. En función de lo que estemos analizando recurriremos más a unos métodos o enfoques que a otros.

1. Enfoques y métodos propios de la Historia del Arte. Diferentes enfoques y métodos propios de la Historia del Arte y que no proceden de otras disciplinas:  Atribucionismo: reconocer cual es el autor de una pieza y reconocer cuales son las obras auténticas y falsificaciones. → Da prioridad a la obra de arte como principal punto de partida para recabar información. → Siempre por encima de documentos, bibliografía, etc.  Formalismo: se trata de ir agrupando obras para reconocer estilos individuales, estilos regionales o geográficos y estilos de época. → Se apoya siempre en cuestiones de tipo formal como la composición, la profundidad, el color, etc. → Comparar obras de arte.  Iconografía: el interés fundamental sería analizar el tema que está detrás de cada obra. → Va a ser un método que va a tener muy en cuenta la contextualización de la obra. → Su ubicación, su promotor, etc.  Biografía: no es algo exclusivo de la Historia del arte, pues es un género literario muy extendido en los diferentes campos del saber. → Obra de Vasari como la primera que se plantea la biografía sistemática del artista. → El artista sería lo más importante: su formación, su entorno, sus referentes, etc.

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2. Enfoques y métodos que parten de otras disciplinas. En cambio, existen otros métodos que no son exclusivos de la obra de arte pues parten de otras disciplinas.  Marxismo o historia social: parte de los postulados de Marx y se plantea la explicación de los cambios de la historia a través de los diferentes cambios económicos. → Cambios en los medios de producción serán los que producen cambios en la Historia. → Si extrapolamos esto aplicado a la Historia de arte, entendemos que se debe prestar atención al contexto histórico, social y económico de las obras de arte. → Las obras de arte son parte de un proceso económico, un reflejo de la sociedad y la economía de la época.  Feminismo: tiene mucha importancia en la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del siglo XXI y pretende entender las obras de arte que están vinculadas al mundo femenino como parte de esa diferencia social entre hombres y mujeres.  Postcolonialismo: es una manera de entender el arte occidental, y para ello es más importante su contexto histórico y político. → Gran interés por entender la obra dentro del fenómeno político de la colonización y la conquista de territorios no europeos. → Cómo influyen estos procesos en la obra.  Antropología de la imagen o del arte1: la pieza del arte se entiende como parte de la esencia humana. → Surge de la necesidad del ser humano de crear y de construir. → Método comparativo para entender una obra de arte entre las diferentes culturas y ámbitos. → Entrevistas a los artistas para intentar entender primero a la persona para después entender la obra de arte.  Psicología y psicoanálisis2: emana de la medicina, ya que parte de las ideas de Freud de que el arte es una de las maneras de hacer aflorar el subconsciente humano. → Considerar que el punto fundamental es el autor y los traumas que descansan en subconsciente y que condicionan su obra. → La psicología de la percepción y de la forma: lo más importante e interesante es que dependiendo de quien la esté percibiendo transmite diferentes cosas. → Como el espectador percibe la obra y como hacemos una serie de relaciones, divisiones, etc. 1

Está muy relacionado con el método iconográfico, pues en este método la antropología explica la temática de las obras. 2 Relacionado con el método biográfico.

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 Semiótica de la imagen3: aplicación de teorías que parten de la lingüística. → Cómo funciona el lenguaje y como esto se puede extrapolar a la obra de arte. → Damos a las obras (al igual que a la palabra) un sentido, un orden, un significado simbólico, un mensaje, etc. → Convertir a la obra de arte en un signo o símbolo.  Arqueología de la arquitectura: nos apoyamos en la arqueología y sus métodos para el estudio de los edificios. y lo importante sería reconocer las distintas fases o estratos de las obras de arte.

EL ATRIBUCIONISMO Es una corriente que tiene su inicio y desarrollo en el siglo XIX. Aun así, esto no quiere decir que desaparezca tras este siglo, sino que se mantiene su uso hasta la actualidad pues el atribuir las obras a un autor es una parte esencial del trabajo del Historiador del Arte. Incluso se ha ido mejorando y ampliando, incorporando nuevas técnicas científicas modernas a los procesos de atribución. También se le denomina el método del “conocedor”4 pues lo realizan personas que conocen profundamente la Historia del Arte. Los autores que centren su trabajo en el atribucionismo recurrirán al arte pictórico de la Italia del Renacimiento. La procedencia geográfica de estos autores es variada, pero todos tienen en común que su actividad profesional gira en torno a tres países:  Italia: objeto de su estudio.  Alemania: de donde se extraen los fundamentos de su método.  Mundo anglosajón (USA y UK): donde estarán museos importantes que adquieran obras y mecenas que financien sus estudios. Consiste en estudiar de una manera lo más empírica y científica posible con el objetivo de darles una atribución. Existe una controversia en torno a este método, pues aunque pretende encontrar un modo objetivo y científico de atribuir y autentificar las obras, realmente sus teóricos dirán que lo más importante de todo es la intuición del conocedor. Con este método se plantea conseguir los siguientes datos:  Datar la obra cronológicamente.  Dar un nombre a su autor.  Rastrear la lista de propietarios. 3

Relacionado con la psicología de la percepción porque interesa ver sobre todo como el espectador entiende el mensaje que le transmite la obra. Tambien revierte en el ámbito de la iconografía, pues es importante para el estudio de los temas. 4

Desde el siglo XVII la palabra “conocedor” alude a un erudito.

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Encaja con el concepto del momento, pues en esa época en los museos lo más importante era conocer las obras de genios, es decir, de pintores de primera fila y no a sus discípulos ni al trabajo de taller. Por eso, una de sus grandes críticas va a ser por parte de la corriente marxista de la historia social del arte, pues estos se interesan más en obras de entornos populares y no de la élite. -KARL FRIEDRICH VON RUMOHR (1785-1843): Procedía de una familia aristocrática alemana bien posicionada, y este hecho hace que se pueda dedicar a la historia del arte con una gran independencia. 5 Su buena situación económica le permitirá establecerse en Italia para admirar su arte y escribir libros sobre él. Además, también se interesará por publicar la literatura del Renacimiento, mostrando un interés pluricultural en todos los campos artísticos del Renacimiento. Su obra más importante que escribe es “Investigaciones sobre el arte italiano” (Italienische forschungen, 3 vols., 1827-1831) y en este texto veremos su interés de proponer un método de trabajo: En su primer volumen, describe en dos capítulos cómo es su método de trabajo, y para ello seguirá dos objetivos principales.  Distanciarse de Hegel en sus planteamientos estéticos: en cuanto a la individualidad y a la materialidad de la obra. HEGEL Considera que hay una idea absoluta que recorre toda la Historia del Arte y que el arte es capaz de representarla de diferentes maneras. Valoraba la idea que transmite la obra por encima de la materia, considerando esta incluso un obstáculo para ello.

VON RUMOHR Considera que lo importante será el individuo, es decir, el artista será el encargado de hacer progresar la cultura. No considera la materia un obstáculo, sino que sirve como expresión de la genialidad de los artistas.

 Define una serie de conceptos: → Manera: término que se recupera del siglo XVI y que alude a la forma en la que un artista de modo propio y personal crea una obra. → Estilo: es una nueva aportación que alude a la manera del artista de acomodarse a los parámetros formales de su época, adecuándose a los condicionantes del momento (sociales, históricos, culturales).  Pretende encontrar un prototipo de genio, que sería aquel que es capaz de producir obras únicas pero sin apartarse de las características generales del estilo de la época. 5

Refleja el prototipo de Historiador del Arte del siglo XIX, un hijo de familia acomodada cuya situación económica le permite dedicarse a estudiar el arte sin necesidad de vivir de su trabajo. Este es el llamado por los anglosajones “independant scholar”.

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 Construir un perfil artístico: a través de las diferentes caracterizaciones del artista (ver en qué consiste como pinta y como se expresa el autor). 6  Primero se fija en la obra.  Después elabora una biografía del autor.  Se basará en tres cuestiones para concluir la autoría: a la hora de hacer una atribución, considera que ambas tienen la misma importancia, por un lado la sobras y por otro la firma y la documentación.7 → Obra de arte. → Firma y documentación.

-GIOVANNI MORELLI (1816-1891): De origen italiano parte del ámbito de la medicina, estudiando en la Universidad de Múnich. Posteriormente, se especializó en fisiología y anatomía en universidades suizas y francesas. Por su propia formación académica, tendrá especial interés en que su método sea verdaderamente científico y empírico. Tuvo ocasión de trabajar con un paleontólogo: Louis Aggassiz. De alguna manera quiere transponer el método de la paleontología a la historia del arte, dedicándose a ordenar y sistematizar la historia del arte. Además, era muy crítico con muchos historiadores del arte de su época, criticando a aquellos que tenían la conclusión antes que las pruebas, que buscaban después en función de si se adaptaban o no a corroborar su conclusión. Le parecía que autores como Von Rumohr le había dado demasiado peso al individuo, olvidándose de ver cómo este individuo no es más que el resultado del medio en el que surge. Por ello, argumentará que hay una serie de factores externos de tipo geográfico que tendrán mucho que ver con la personalidad artística de los artistas. También propio de esa formación, le va a interesar el análisis muy detallado de trazos del cuerpo humano. Por ello, el gran pilar de su método será que el historiador se ponga delante de la obra para analizar los elementos que identifiquen la personalidad de un autor para clasificar las obras y autentificarlas:  Manos.  Orejas.  Uñas. Va a conocer a un marchante alemán llamado Otto Mündler, que era encargado de las adquisiciones de la National Gallery de Londres. 6

Esto se puede asociar al género biográfico, pues tiene un planteamiento similar pero justo al contrario, pues en este caso primero se fija una biografía del autor y después en función a ella se estudia su obra. En este sentido, tomará la obra de Vasari como referencia, y en su estudio se dará cuenta de que hay bastantes errores, como en el caso de Giotto. 7 Esto es algo que no veremos en otros autores atribucionistas como Berenson, que dará más importancia a la propia obra de arte como fuente de información frente a la documentación y las firmas.

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Otra de sus facetas relevantes fue su participación activa en la política italiana del momento, pues en este momento se vive la unificación italiana. Existe una reivindicación nacionalista hacia las obras artísticas del patrimonio italiano, y el va a oponerse a que salgan de su país mediante una serie de leyes sobre el expolio artístico. Aquí se está gestando la importancia de la vinculación de las obras de arte con su contexto geográfico. Colaborará en sus estudios con Cavalcaselle y Crowe para escribir un libro llamado “Nueva historia de la pintura italiana de los siglos II al XVI”, 3 vols., 1864-1866. Esta obra incluirá ya las diferencias regionales entre las escuelas del Renacimiento. Toda su actividad gira en torno a las colecciones y museos que se están gestando en el siglo XIX. Por ello, las obras más importantes de Morelli serán las diferentes noticias que irá sacando a medida de las diferentes exposiciones temporales que irán realizando. Revisará la atribución de las obras de arte que en ellas se exponen de una manera controvertida, e incluso el era consciente de que sus deducciones podrían incomodar a los marchantes y propietarios de las obras. Por ello, las firmará con un pseudónimo Ivan Lermolieff, con un traductor ficticio alemán llamado Johannes Schwarz. En su obra “El estudio de los maestros italianos” será donde escriba un capítulo destinado a plantear su metodología llamado “Principios y métodos”. Destacan de este método algunos aspectos:  Método inductivo: reconoce que al final lo más importante es dejarse guiar por su propia intuición y la impresión general será lo más importante.  Reconoce que faltan algunas bases para ser un método con total cientifismo, pues por ejemplo sabe que funciona muy bien con genios pero no con artistas de segunda fila.

-BERNARD BERENSON (1865-1950): De origen estadounidense, es el prototipo del sueño americano, pues era proveniente de una familia humilde pero conseguirá posicionarse muy bien gracias a la financiación a través de sus estudios por las universidades más importantes de América. Además, conseguirá que Isabella Stewart Gardner, una importante mecenas del momento con una colección muy importante, le financie un viaje para conocer los estudios europeos sobre Historia del Arte:  Conoce a Oscar Wilde.  Recorre los museos alemanes en los que Giovanni Morelli había trabajado emitiendo sus atribuciones, y además tiene ocasión de conocerle personalmente, quedando fascinado por su método. Terminará quedándose en Europa, casándose con una europea, y construyéndose una villa italiana cercana a Florencia conocida como Villa Tati, que terminará por convertirse en un centro de investigación con una gran Biblioteca.

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Sus escritos convivirán en la primera mitad del siglo XX con nuevos planteamientos y métodos como el formalismo o el psicoanálisis, por lo que puede parecer incluso que se empiezan a quedar un poco obsoletas. 1. Preocupación por elaborar una metodología pautada: Se va a preocupar mucho de la cuestión metodológica, por ello, en su obra "Rudiments of Connoisseurship. Study and criticism.”, introduce un método para después cuestionar y corroborar las atribuciones de la pintura italiana del renacimiento y ver si está de acuerdo o no con ellas. 2. Buscar los rasgos personales que identifican al genio: En sus planteamientos va a coincidir con Morelli en que hay que reconocer los trazos insignificantes, porque son casi automáticos y apenas pensados por el artista, y por tanto son los que harán fluir los rasgos del genio. Considera que hay tres niveles diferentes en cuanto a utilidad:  Más útiles: más automáticos y difíciles de copiar por lo que marcan más la personalidad y el autor: → Orejas y manos. → Paisaje.  Menos útiles: puede llevar a confusiones y ser objeto de copia o falsificación, además están más sometidos a la moda por lo que es más fácil que se repitan las maneras de realización en artistas coetáneos.  Nada útiles: cree más relevante centrarse en cuestiones compositivas y de trazos que en trabajo de la luz y el color. → Fondos arquitectónicos. → Claroscuro. 3. Reivindica el arte por el arte y el ejercicio del conocedor: Para Berenson en el arte lo importante es lo externo y lo que vemos, siendo un ejercicio que nos sirve para trabajar los ojos la mente y el juicio. Además, Berenson dirá que le gusta dedicarse a ello, detenerse ante la obra y disfrutar de su valor estético externo. 4. No le preocupa hacer una Historia del Arte más global: Por ello, desprestigia bastante las fuentes historiográficas descuidando el contexto geográfico y circunstancial de las obras. Además se centra sobre todo en las figuras de los genios dejando de lado al trabajo de taller y a pintores de segunda fila.

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2. MÉTODO FORMALISTA: Una vez iniciado el siglo XX, empiezan a surgir voces que comienzan a reivindicar una historia del arte más global y que no se centre únicamente en los grandes genios.  Se alejan de la perspectiva atribucionista: esto ocurre en dos aspectos. → Se van a interesar en su clasificación cronológica por los elementos estilísticos que caracterizan un periodo incluso por encima de los ámbitos geográficos.8 → Se deja a un lado el trabajar para el mercado del arte, y sus teóricos pasan a ser más académicos, por lo que trabajaran en universidades, centros de investigación, etc.  Se acercan a los planteamientos atribucionistas: se preocuparan por el aspecto formal externo a la hora de emitir sus juicios. Existen algunos aspectos novedosos que se deben destacar:  Crea un vocabulario específico de la historia del arte que hoy en día tiene todavía una total vigencia: aparecen una serie de términos que utilizamos al describir una obra de arte como pueden ser pictórico, composición abierta o cerrada, etc.  El término “estilo” será uno de los más utilizados: con una connotación muy similar a la actual, pues es considerado un conjunto de rasgos formales arquetípicos que os permitan reconocer una época.  Construir una historia del arte más generalista: sin centrarse en el renacimiento italiano, recuperando otras etapas como el impresionismo, la tardo antigüedad o el barroco.9  Ordenar las diferentes transformaciones estilísticas en un eje cronológico sin la necesidad de recurrir a escuelas o autores. Los teóricos más importantes son Wölfflin y Riegl, ambos de origen centroeuropeo, pero muchos de sus discípulos y sus libros surgirán y tendrán mucha fama en el ámbito anglosajón.

PRECEDENTES CONCEPTUALES: Una cuestión que estará muy presente en el formalismo y a la cual van a dar mucha importancia es a las denominadas teorías de la percepción y la visión. Esto se debe a que al prestar atención a los rasgos externos de las obras tenemos que tener en cuenta las teorías de la percepción del ojo humano con el que las contemplamos.

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Esta será la principal diferencia entre el atribucionismo y el formalismo. El siguiente fragmento “Su objeto es construir una historia del arte sin nombres” que vemos en los escritos de Wolfflin incide sobre dicha idea. 9

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Muchas de ellas están influidas por la filosofía de Kant que argumenta que conocemos los objetos en función de nuestra percepción sensitiva y por tanto siempre será una visión subjetiva. Dentro de esta tendencia destacan los siguientes autores que aportan diferentes novedades a estas teorías, pero todos coinciden en la insistencia de la subjetividad de la percepción que ya había estado presente en Kant:  KARL SCHNAASE: considera que lo fundamental es lo que percibe nuestro ojo, y que tiene un desarrollo autónomo que es ajeno a los acontecimientos de la época. 10 → Cambia más una obra de arte por sus diferentes percepciones ópticas que por el contexto en el que se enmarca. → Se pasa de un periodo a otro porque cambia la forma de ver la obra.  HERMANN VON HELMHOLTZ: argumenta en base a la idea de que somos capaces de construir una imagen más o menos colectiva del mundo que nos rodea, que el artista es capaz de transmitir esa imagen en la que todos coincidimos a la hora de percibir el mundo que nos rodea.  JOHAN FRIEDRICH HERBART: dirá que cuando nos posicionamos delante de algo que ven nuestros ojos, vemos las líneas y los colores aisladamente y es la mente la que las ordena e interrelaciona. → Se van a dar cuenta los artistas de que son capaces de ju...