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GIAMBOLOGNA

Laura Ramírez Ramos. Miguel Sabroso Ballesteros

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Índice Biografía ----------------------------------------------------------------------- Pg 2-3 Fuente de Neptuno ------------------------------------------------------------ Pg 3 Mercurio ------------------------------------------------------------------------ Pg 4 El Rapto de las Sabinas ------------------------------------------------------- Pg 4-6 Il Colosso dell’Appennino --------------------------------------------------- Pg 6 Cosme I de Médici ------------------------------------------------------------ Pg 7-8 Francisco I de Médicis -------------------------------------------------------- Pg 8-9 Hércules y el centauro Neso -------------------------------------------------- Pg 9-10 Florencia triunfante sobre Pisa ----------------------------------------------- Pg 10 Sansón y Filisteo --------------------------------------------------------------- Pg 10 San Lucas ----------------------------------------------------------------------- Pg 11-12 Bibliografía --------------------------------------------------------------------- Pg 13

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Biografía Jean Bologne, más conocido como Giambologna, nació en Douai, Flandes, en el año 1529. Posteriormente, a los 16 años de edad, entró como aprendiz en el taller de Jacques Du Broeuq, un escultor y arquitecto de los Países Bajos. En 1554 marcha a Roma, donde durante dos años estudió la escultura de Miguel Ángel para después dirigirse a Florencia, lugar en el que pasaría el resto de su vida. Allí, bajo el mecenazgo de Bernardo Vecchietti, llevó a cabo sus primeras representaciones en la ciudad como son un baco en bronce que se colocaría más tarde en la fuente de Borgo San Jacopo, “Niños pescando” o “Venus peinándose”, llamando la atención de Francisco de Médici, para quien realizaría a lo largo de su vida una gran cantidad de trabajos. Sin embargo la fama le sobrevendrá con el encargo del papa Pío IV para esculpir la Fuente de Neptuno en Bolonia, encargo que finalizaría en 1566. A partir de ese momento, con la fama y el mecenazgo conseguidos, Giambologna realizará sus obras más emblemáticas, como son "Sansón y un Filisteo"(1567), el “Mercurio” en bronce del Bargello (1574), el "Rapto de las Sabinas" (1579-83) y "Hércules y el Centauro Nessus" (1594). En todas estas obras demuestra su capacidad para la realización de grupos escultóricos, pero también destacó en otros campos, como la producción de estatuas y fuentes para el embellecimiento de jardines. Ejemplos de ello son los jardines de Boboli, para los que realizó la “Fuente del Océano” entre 1571 y 1576, en la plazoleta del Isoletto, y la “Venus de la Grotticella”en 1573, además también decoró las Villas Médici del pratolino, en las que se encuentra el “Apenino”. Otros campos en los que tuvo renombre fueron las estatuillas de bronce, cuya mayor colección se encuentra en Kunsthistorisches Mus. de Viena o las estatuas ecuestres, como la de Cosme I (1587-1594) en la plaza de la Signoria de Florencia. Sin embargo, la estatuaria civil no fue su único nicho, sino que también hizo grandes trabajos en la escultura religiosa, como es el Altar de la Libertad de la Catedral de Lucca

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(1577-1579), los relieves de bronce con escenas de la pasión en la capilla de la Universidad de Génova (1579-1585), los relieves de la Capilla Salviati (1579-1588) y la estatua de San Lucas (1597-1602). En resumen, Giambologna ostenta el mérito de unir el manierismo toscano inspirado en Miguel Ángel con la tradición clásica romana, convirtiéndose en uno de los autores más importantes del estilo, solo por detrás del propio Miguel Ángel. Fuente de Neptuno: 1563-1566 La obra que vamos a comentar se encuentra en Bolonia, en la Piazza del Nettuno, adyacente a la plaza mayor. Su origen se remonta al Cardenal Carlos Borromeo, que promueve la idea de realizar una fuente para la decoración de la plaza y propone coronarla con una gran estatua en honor al papa Pío IV. De esta manera la fuente quedara a manos del arquitecto Tommaso Laureti, en 1563, y la estatua de Neptuno a las de Giambologna, en aquel momento bajo el mecenazgo de Francisco de Medici. La fuente goza de una piscina principal hecha de mármol veteado que se encuentra decorada en distintas fases. La zona inferior tiene una náyades que cabalgan sobre delfines y que expulsan chorros de agua por sus pechos, la zona central tiene esculturas de bronce adosadas y elementos con cabezas de carnero a los que se unen conchas en el extremo inferior y en la zona superior se encuentran cuatro putti que sostienen delfines. El Neptuno de la parte superior se trata de una enorme pieza, tanto que los habitantes se refieren a ella como “Il Gigante”, éste tiene el pie derecho apoyado sobre un pez, y el brazo de ese mismo lado echado hacia atrás sujetando un tridente, mientras que tanto el pie izquierdo como el brazo se encuentran adelantados, aportando todo esto una sensación de movimiento característica del manierismo.

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Mercurio: 1567 Este trabajo de Giambologna se trata de una grácil escultura de bronce que representa al dios romano Mercurio, y lo hace en concordancia con las habilidades que se le atribuyen al mensajero de los dioses, conocido por tener una gran velocidad gracias a unos zapatos alados que le permitían prácticamente volar. Esa sensación es la que el autor se esforzó en plasmar, colocando a la figura únicamente sobre los dedos del pie izquierdo que a su vez se apoyan en un soplo de aire emitido por una cabeza que representa el viento del sur y que supone la base de la escultura, aportándole estabilidad. Aparte de esa base, Giambologna consigue estabilidad basando toda la obra en un eje central formado por la pierna izquierda, el torso y la cabeza. De este eje central sale el brazo derecho hacia arriba y la pierna derecha y brazo izquierdo hacia detrás sujetando el emblema de Mercurio y actuando de contrapeso. De esta manera el autor consigue crear una sensación de inestabilidad a la mirada del espectador, pero manteniendo la escultura estable. En definitiva, el Mercurio de Giambologna aúna todas las principales características del manierismo, a pesar de no ser la obra más conocida del autor. El rapto de las sabinas: 1581-1583 Esta escultura es la obra maestra o más característica de este autor. Realizada en mármol, en un solo bloque de 4,10m de altura, que se contempla desde distintos puntos de vista y que se encuentra ubicada en la Piazza della Signoria, en Florencia. Está inspirada en ideas estéticas de Cellini y Miguel Ángel. Se aprecian algunos rasgos manieristas como la famosa sepentinata, que es un recurso artístico en el cual las extremidades van hacia una dirección y el torso en otra, generando una posición retorcida, como de la letra “s” o serpentina.

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Los cuerpos se encuentran en tensión y tiene gran dificultad técnica. Entre otros recursos manieristas se encuentran la utilización de figuras alargadas con poses artificiales y la representación de opuestos como hombre-mujer, belleza y fealdad, vejez y juventud y el movimiento helicoidal proporcionando una visión total desde cualquier ángulo. Estos recursos se empleaban como una forma para mostrar su habilidad técnica y lograr un efecto de belleza sofisticada y dramática que fuera fácil de admirar. Se sabe que esta escultura no se le fue encargada, sino que fue una forma por parte del autor de mostrar su virtuosismo, y sus grandes habilidades técnicas El mismo autor afirmó que «...fue elegido para dar campo de acción al conocimiento y al estudio del arte.» Cuando Francisco I de Médici vio la obra mostró gran interés en ella y ordenó su colocación en la loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vechio, La escultura está basada en un capitulo mitológico. Para poblar la ciudad recién creada, Rómulo aceptó todo tipo de prófugos y refugiados de las ciudades próximas. La ciudad en su totalidad estaba creada por hombres, por lo que también necesitaban de mujeres. Aquí fue donde comenzó el interés por la hija de los sabinos, que residían en una próxima colina llamada el Quirinal. El plan que se llevo a cabo para hacerse con ellas fue mediante una gran fiesta con carreras de carros y banquetes, y en el momento que los sabinos se hallaban extasiados por el vino, usurparían a sus hijas. Después de este suceso, los sabinos declararían la guerra a los latinos. En esta escultura, se narra el momento exacto en el que Rómulo toma a la sabina mientras esta intenta escapar y deshacerse de él de manera desesperada. Este joven es representado con cuerpo musculoso y erguido, a la manera de los héroes y que se curva a causa de los movimientos de la joven raptada, que está en una postura oblicua y contraria a la del raptor, que se encuentra levantada en el aire y sujeta por Rómulo.

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Mientras que su esposo, representado de manera incapaz o impotente no puede hacer nada por ella, observa esta escena desde el suelo, bajo las piernas del fundador de Roma. Podemos apreciar también que es representado como una persona de más avanzada edad, por ello también es llamada “la escultura de las tres edades del hombre”. Los personajes no muestran gran tensión en sus rostros, el grupo escultórico no sobresale por fuera del bloque, la figura del anciano tiene un gran contrapposto, las tres figuras están unidas por sus miradas de forma psicológica y formalmente por la posición de sus cuerpos. Hemos de destacar que en el pedestal se encuentra una placa realizada en bronce con escenas del rapto con diferentes tamaños y profundidades y con un punto de vista central arquitectónico. Este bajorrelieve es similar al que puso Cellini en el pedestal de su escultura del Perseo con la cabeza de Medusa. La escultura nos muestra que el autor se encontraba más preocupado por una composición más centrada en lo conceptual que en lo narrativo, mostrando su gran virtud para captar con el cuerpo los movimientos del alma ( moti dell ´anima).

Il Colosso dell’Appennino: Situada en la villa Demidoff de Partolino, antiguamente conocida como la Villa de Patrolina, en La Toscana, a 12km de Florencia, un lugar situado con numerosos jardines, aguas y figuras animadas que conducían el agua que brotaba de la fuente del Apenino y que fue encargada por Francisco de Médici al arquitecto Bernando Buontalenti, para ser entregados como una ofrenda para su mujer. A la muerte de su dueño, el lugar quedó abandonado y muchas esculturas que lo decoraban fueron trasladados a los jardines de Bóboli que se halla detrás del Palacio

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Pitti. Esta obra en concreto, dada su imposibilidad de ser desplazada permaneció en el lugar original. Esta figura de diez metros y medio de altura, se encuentra inclinada, sosteniéndose en un codo, y se puede relacionar con las alegorías y divinidades de Miguel Ángel previstas para la Sacristía Nueva. Se trata de un dios montaña, hallado en las estribaciones montañosas de los Apeninos. Para realizar esta obra se llevaron a cabo tres bocetos: el primero de ellos representaba a un dios fluvial, el segundo fue modificado por un dios montaña, en relación a la ubicación montañosa en la que se encontraba, el cual aplastaba un pez con s mano derecha y se encontraba inclinado. El tercero y último boceto es el que se encuentra en la villa, también se encuentra inclinado y apoya la mano izquierda, como si fuera a levantarse. Se encuentra tallado en la roca en su parte inferior, de donde parece emerger la figura con unas especies de estalactitas que cuelgan de los cabellos, barba y hombros. La parte superior está compuesta por ladrillo y cubierta con cemento e incrustaciones de lava. Originalmente también estaba compuesto por una chimenea que hacía salir humo por la nairz de este dios. A la altura del torso se construyó un pequeño recinto, con ventanas ubicadas debajo de las axilas y de su barba. Lo más destacable es el agua que fluye de la boca del pez atrapado en su mano. Se dice que dentro de esta colosal estatua se ocultaban cientos de salas que tuvieron numerosos usos.

Cosme I de Médici: Se trata de una estatua ecuestre de Cosme I de Médici que se encuentra situada en la Piazza della Signoria en Florencia. Creada durante al año 1594 y realizada en bronce, que necesitó de una especial fundición ya que la obra era de grandes dimensiones. Tomó como modelo o como ejemplo la obra de Donatello, aunque

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para la cabeza del caballo se fijó en esculturas etruscas de las colecciones de los Medicis, ya que Cosme I era un coleccionista y admirador de aquella civilización. Se convirtió en la obra ecuestre más importante de Florencia. La figura se muestra en una actitud orgullosa e imponente, para mostrar a aquella sociedad quién capitaneaba en la época. El caballo es representado como un atleta, de manera muy desafiante, ancho, robusto, musculoso, nervudo y corpulento en el que podemos apreciar las herraduras. La forma de la cabeza es pequeña, con las crines rizadas y revueltas. El pedestal está compuesto por mármol, y en él se encuentran representados tres bajorrelieves que representan los episodios más destacados del protagonista como fueron la conquista de Siena en el año 1555, la elección del Duque en 1537 o el otorgamiento del título de Gran Duque en 59, con una breve explicación en latín. También en este pedestal hay un símbolo que representa el escudo de Cosme I, que representaba a capricornio como un símbolo de magnitud y corpulencia. Gracias a esta estatua, Giambologna recibió muchos encargos similares para estatuas ecuestres como fueron el monumento de Enrique IV de Francia encargado por Maria de Médici o el de Felipe III de España. Hay dos obras que se conservan en el museo del prado. La más destacable es la Alegoría de Francisco I de Médicis: Llevada a cabo durante 1560-61, se trata de un relieve en alabastro de 31x 45,8 x 5cm, que probablemente fue realizado como una muestra de gratitud por su nombramiento como escultor de la corte de los Medicis. Se trata de una alegoría de Francesco de Medici, compuesto por dieciséis figuras que sintetiza de una manera muy lograda la iconografía del amor como de la guerra. El tema se ha interpretado como la primavera o como símbolo de un enlace nupcial, aunque tras numerosas investigaciones se ha podido deducir que se trataba de la anticipación del prometedor fututo que esperaba al príncipe gracias a su amor por Florencia. Entre las 8

figuras de primer plano destaca el joven Francesco, vestido de militar romano, preparado para la guerra y conducido por Mercurio, que era el mensajero de los dioses, hacia una figura femenina que ha sido interpretada como la esperanza y la ciudad de Florencia. Encima de todas estas figuras se encuentra Cupido a punto de disparar. Los personajes secundarios representan el paso del tiempo. El invierno se representaría como el anciano sentado que se calienta con una estufa, la ancianasería la muerte, el personaje con el cántaro sería el verano, la mujer que se encuentra desnuda es la vanidad, aquella que porta un reloj sería la hora. El grupo de mujeres que está próximas a un río es el camino de la vida la muerte, y su paso. Otra muestra del paso del tiempo seria dos diminutos caminantes difuminados en el fondo. Hércules y el centauro Neso: Este grupo escultórico formado por un bloque de mármol fue colocado en un primer lugar en 1599, en la esquina del Carnesecchi en Florencia, luego se trasladó al lado de la galería sur de los Uffizi, más tarde cerca de la zona del Ponte Vecchio. Pero desde 1812 se encuentra en su sede permanente en la Piazza della Signoria. La escultura se caracteriza por una gran fuerza plástica expresada por la fuerte torsión, casi elástica del cuerpo del centauro Neso, doblado por la fuerza de Hércules debido a que son representados en mitad de una lucha. Hércules está montado arriba de Neso a punto de soltarle un golpe con lo que parece ser un bastón en la mano derecha. La musculatura está representada con gran detalle, representando en la figura de Hércules gran poder y fuerza. En el rostro no se suavizan los rasgos, sino que potencia la seriedad, la mirada no se encuentra en la lucha sino que está mirando hacia un lado. El rostro del centauro nos muestra gran dolor y le representa inmóvil, aunque también es representado con gran fuerza. En cuanto al tema, se trata de la mitología griega, Neso era hijo de Ixión y Néfele, y fue el barqueo del río Eveno, en una de sus trayectorias intentó violar a la tercera esposa de Hércules, llamada Deyanira, por lo que

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este, en modo de venganza disparó una flecha envenenada. Antes de morir el centauro, dijo a Deyanira que guardase su sangre ya que le podría servir de filtro de amor para retener a Hércules. Pasado un tiempo Hércules abandonó a Deyanira por otra mujer, por lo que esta le envió su túnica mojada con la sangre de Neso a Hércules, que finalmente fue abrasado vivo y Deyanira, arrepentida de ello se suicidó. Florencia triunfante sobre Pisa: 1575. Francesco De ´ Medici le encargó esta importante escultura en mármol. Esta alegoría política fue pensada como un colgante de la Victoria de Miguel Ángel. El escultor tuvo que buscar la forma de unir a dos figuras en un grupo de acción. Esto lo solucionó gracias a la ayuda de modelos anteriores en cera y yeso. El resultado final es una amalgama de curvas en espiral y líneas en zigzags trabajado dentro de un volumen cónico.Florencia está representada por una bella mujer, que tiene a sus pies un combatiente pisano.La rivalidad de estas ciudades todavía subsiste. Sansón y Filisteo: El grupo principal, formado por la figura de Sansón se encuentra con la quijada izada para asestar el golpe a filisteo. El escultor nos muestra un rotundo desnudo masculino en una postura manierista, que podemos ver en el resto de conjuntos escultóricos que ya hemos comentado como el rapto de las sabinas, en la que la figura de mayor edad es muy semejante a filisteo. La composición del grupo es piramidal y la concatenación de las figuras nos permite que esta figura tenga distintos puntos de vista. Como antecedes de la pieza se encuentra el Genio de la Victoria realizado por Miguel Ángel que fue el primer grupo donde se muestran dos figuras luchando en torsión y los modelos de Esclavos para la tumba de Julio II. La ubicación de este grupo escultórico vendría a decorar en forma de remate a una fuente, por ello debía constar con varios puntos de vista. Con este proyecto se puede relacionar uno de los diseños que se

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encuentra en una de las colecciones del museo del Prado, llamado Hércules golpeando a Cacao, un tema muy similar al representado aquí. San Lucas: 1597, de 2,73 metros de alto, realizada en bronce, se conserva en el museo de Orsanmichele y el que se encuentra en el exterior de la iglesia en un nicho pertenece a una copia y que se encuentra junto con catorce estatuas más. El encargo inicialmente era para otro escultor, pero tras la muerte de este se le encargó a Juan de Bolonia. Pero este decidió que esta fuera de cobre para que fuera del mismo material que el resto de las figuras. Representa al evangelista San Lucas que está representado como una persona de mediana edad, con un vestido de la época con capa y una gran barba. En el brazo derecho sostiene un libro y su cuerpo está ligeramente inclinado o girado a la manera manierista. El espacio limitado del nicho restringe la capacidad de movilidad de la figura al escultor. Otra de las cualidades de este escultor fue el trabajo en bronce como algunos autorretratos realizados en 1600 el ángel realizado también en bronce durante el año 1595, otro tema que se repite como el rapto de las sabinas, o hércules y el centauro Nesso. Finalmente, como reflexión, se ha de destacar que aunque sus figuras tuvieran gran parecido a las obras de Miguel Ángel había algunas diferencias que les separaban como por ejemplo; Miguel Ángel siempre defendía la idea de que una escultura debe recordar de donde proviene, es decir, el mármol. Por lo contrario, Giambologna tenía otra visión y daba más importancia el hecho de mostrar que se podía hacer con ese bloque de mármol, por ello sus esculturas nos transmiten inestabilidad aunque realmente estuvieran perfectamente equilibradas y les aportaba a sus figuras gran ligereza....