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ARTE. Concepto  ara referirse al arte. Era toda habilidad o destreza, manual En Grecia antigua, los griegos utilizaban el término temné p o intelectual para realizar cualquier actividad con reglas o normas que pudieran heredar o aprender. Los romanos, usaban como ars. I ncluía desde zapateros a arquitectos, escultores o médicos, ya todos dominaban un arte con habilidad técnica. En la Edad Media, había una diferenciación entre Siete Artes Liberales y las Artes Mecánicas. Siete Artes Liberales: se incluye la dialéctica, retórica, gramática, aritmética, geometría, astrología y música. Eran artes practicadas por hombres libres y estaban destinados a ennoblecer a quienes las practicaban. Artes Mecánicas: solo requería un esfuerzo físico y eran degradantes. Formaba parte la pintura, escultura y arquitectura siendo oficios artesanales. Con el Renacimiento, surgen las ideas de: Originalidad creativa Individualidad Genialidad

conformaban la concepción del artista que se dio en el modernismo

Sentimiento de Inversión

Siglo XVIII: El arte se limitó a una idea única “bellas artes”. Así, la pintura, escultura y arquitectura comenzaron a ocupar el mismo nivel de status con la música, la danza, la poesía y la retórica. Artes Plásticas: conjunto integrado por el dibujo, pintura, grabado, escultura y arquitectura (desarrolladas en el espacio), y la música, literatura, danza, teatro (desarrolladas en el tiempo). Tatarkiewicz “El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque”.

Estética Se ocupa de ver, analizar, reflexionar, observar y recuperar actos sensibles producidos por individuos, artistas, país, comunidad, etc. Es el conjunto de conocimientos de origen filosófico que reflexiona sobre cuestiones de la sensibilidad en el marco de una época determinada. Siglo XVIII: se empieza a usar el término estética para sistematizar los estudios filosóficos sobre el arte y se pretende encontrar reglas, normas, formas conocimientos y construir métodos de análisis de la sensibilidad del hombre. Platón fue el primero en reflexionar sobre el tema de la belleza en sus obras. En las mismas, consideraba que el hombre, además de reconocer la belleza material de las cosas, debe  aspirar a conocer y comprender qué es lo bello más allá en las cosas. Es decir, no sólo apreciar lo bello sino comprender la idea de lo bello o alcanzar el ideal de la belleza como cualidad de conjunto. Para Platón la idea de lo bello sólo es accesible con el conocimiento filosófico porque el ideal de bellezas no existe en la realidad y no puede ser reconocido con la experiencia, y lo bello se relaciona con valores como el bien y lo bueno. En este proceso, el hombre debe avanzar en el conocimiento ascendiendo peldaños en una escalera donde la belleza de los cuerpos se encuentran en los primeros peldaños, la belleza de las almas está en el nivel superior y en lo más alto, la belleza en sí; su característica principal es que no se encuentra en este mundo sino en “el mundo de las ideas”. Así, el arte al ocuparse de copiar las cosas de este mundo, no puede alcanzar el mundo de las ideas y va a estar siempre en los primeros peldaños.

Aristóteles, se ocupó de estudiar y analizar disciplinas como la comedia, epopeya y la tragedia como formas literarias que relatan sucesos de la vida y que sirven para entender la realidad llegando a la conclusión de que el arte sirve para conocer la vida y la naturaleza. El arte tiene como propósito: mejorar la vida, ya que es una imitación de lo real La catarsis: emoción y placer del espectador al “verse” en esa vida narrada, cómo puede liberarse y mejorar su propia vida. Si el protagonista (héroe) de la tragedia puede sobrellevar esos males y salir airoso yo (espectador) sé que puedo hacerlo sin necesidad de exponerme a padecimientos.

Platón/Aristóteles El arte es un espacio para pensar lo bello o experimentar el placer. Primero sentaron las bases para encarar el estudio de la realidad, y comprenderla, a través de la sensibilidad. Siglo XVIII, el término estética se empieza a usar para designar un campo disciplinario específico que se ocupó de investigaciones que estudian lo bello. Mitad del siglo XVIII, aparecen textos de la estética. Para Baumgarten, la estética es un campo de conocimiento referido a la imaginación y a la creación humana. Para Kant, es un campo separado y en oposición al conocimiento científico y al conocimiento empírico. Siglo XIX La estética se define como el campo de conocimiento que se ocupa de cuestiones relacionadas con el gusto, el placer, lo bello, la creación, la imaginación, la intuición sensible y la armonía. Se incorporan aspectos objetivos (no dependen del sujeto) y aspectos subjetivos (construidos por el sujeto). Compartimos una misma formación en cuanto a sensibilidad y gusto debido a la educación recibida, clase social, etc. Relacionadas con el medio en el que nos desarrollamos.

¿CUÀNDO HAY ARTE? Un paradigma estético se refiere a los acuerdos y estados que determinan el campo de una legalidad para la obra de arte estableciendo cuando y porque una cosa es o no una obra de arte. Señala sus propios límites teóricos constituyendo la posibilidad de la ruptura de un paradigma establecido. El estudio de por qué un objeto que viene del campo de lo útil es una obra de arte, conduce a un nuevo paradigma, con un nuevo placer racional y con una nueva forma de contemplación y apreciación de un arte más teórico, respondiendo a la pregunta del SER de la obra de arte. ¿Cualquier cosa es arte? Interrogar sobre los límites y las posibilidades del arte ponen a la Estética frente a frente con la Ética.

Ready Mades: El proceso de mercantilización crea la belleza de los objetos (ready mades). Cualquier objeto puede ser desfuncionalizado como objeto de uso y refuncionalizado como objeto de arte. Comienzan con Duchamp en 1913 con la obra “Rueda de bicicleta”

El marco sociológico Un paradigma artístico, social, político o económico, se forma a través de un cuerpo teórico permitiendo el análisis e interpretación de fenómenos que lo componen. Para constituirse tiene que haber un consenso que le permita establecerse. Danto afirma que no hay un fin del arte sino un fin de la historia del arte entendida como algo atravesado por relatos o paradigmas estéticos que marcaban lo que debía ser a modo de marco conceptual. Entiendo lo contemporáneo como posthistórico. De ahí surge la idea de posmoderno.  Duchamp y Warhol afirman que el mundo del arte es un gran pluralismo de manifestaciones que son permitidas en su variedad sin necesidad de excluirse o reemplazarse

Entonces: ¿Cualquier objeto puede ser obra de arte? Va a serlo siempre y cuando:

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Exista una aceptación teórico-reflexiva Si el contexto determina que el objeto es una obra de arte Si el espectador se integra en ella con el artista creador de la obra en una sintonía conceptual

Por eso la obra de arte es: ● ●

Un signo Un lugar de articulación de significados que se desvelan a través del esfuerzo de la interpretación, obligando al espectador a entrenarse en nuevas competencias dentro del campo de la expresión estética por que el signo estaría acentuando la función significante transfigurando la cosa en obra de arte. Las nuevas competencias del espectador abarcan desde la historia del arte, a la filosofía, sociología, política, entre otras.

Dickie se interesa en la reacción que provoca la obra de arte en el receptor sociológicamente. Afirma que todo objeto hecho por el hombre es un artefacto. Los ready mades confluyen al diseñador, al fabricante y al artista como representante de la “institución arte”, le confiere a ese objeto de diseño el estatuto de obra de arte. El artefacto es digno de una apreciación distinta de carácter estético, redirigiendo al público al que se la destina originariamente. Es reconocido como objeto destinado al mundo del arte. Pero un ready made no es un artefacto sino un doble artefacto. Institución arte: aparato de producción y distribución del arte y de ideas que sobre el arte dominan en una época dada y que determinan la recepción de las obras. Para Dickie, una obra de arte es un artefacto, algo creado, sin importar si fuese hecho o no por el artista, que al ser presentado ante el público que integra, se lo eleva a la condición de obra de arte. Es decir, no tiene en cuenta al artista solo sino también al público. Obra de arte, receptor, artista, mundo del arte son interdependientes, uno supone la existencia paralela de los otros, conformando una organización estructural de un todo. “Institución arte es el aparato de producción y distribución del arte y de las ideas que sobre el arte dominan en una época dada y que determina la recepción de las obras” - Burger

LO MUSEABLE La institución museística La palabra museo, tiene origen en Grecia antigua y significa lugar de culto de musas, es el ámbito de la creación artística, el canto y la memoria. Su origen lo concibe como una caja opaca y compartimentada que selecciona y protege objetos raros, curiosos o bellos de sociedades primitivas. Ej: Museo de Alejandría En el Renacimiento, la burguesía entra a competir con la monarquía y la Iglesia y decide contratar y proteger artistas. Esta burguesía guarda tesoros artísticos que comienzan a poseer. Pero para demostrar ese poder económico, tienen que mostrar esas obras artísticas para ser apreciadas por el resto de la sociedad. Así es como abren sus casas algunos días del año. Pero a fines del siglo XVIII y XIX, se solidifico esa transición del carácter privado al público de las colecciones artísticas pasando al concepto de galería. En este periodo, la ilustración, buscaba que el museo transformará el espacio para la transmisión del gusto académico y de nuevos valores del progreso que imperaban en la época. Luego, en el romanticismo, se intentaba desarrollar la sensibilidad, la evocación y memoria a través del rescate de antigüedades como reliquias u objetos de héroes nacionales que se acumulaban en esos mismos espacios destinados al mundo del arte. El museo Friderciano de Kassel en Alemania, fundado en la ilustración, fue un espacio de carácter público y fue el primer museo tal como se lo conoce hoy. Antes era un espacio para preservar antigüedades pero ahora es la sede de Documenta (evento internacional donde se muestra lo más vanguardista dentro del arte contemporáneo).

Así, en el siglo XIX los museos empiezan a especializarse en el carácter de sus colecciones y van adaptando los aspectos arquitectónicos como ventanas, altura de sus techos regulando el ingreso de luz natural a aspectos fragmentados y compartimentados. En las vanguardias, a principios del siglo XX, ese concepto se diluye y se promueve: ● ● ● ● ●

Espacio amplio Transparente Neutral Apunta a la funcionalidad y tecnología, Obra de arte este sin distancias ni barreras de ningún tipo para su apreciación

Lo museable Es la condición propia de un objeto o acontecimiento al que se le adjudica valor de exposición y/o conservación en el espacio museístico. Puede considerarse: ● ● ●

Una característica propia del artefacto: relación entre calidad estética de la obra y su valor de exposición. Una propiedad que la institución le dona a la obra de arte al colocarlo en el espacio museal: la asimilación del objeto le otorga un valor añadido que colaborará con su legitimación. Una aptitud para testimoniar acontecimientos dignos de memorización por parte de la sociedad: lo que está dentro del museo es digno de homenaje.

1- Lo museable según calidad Asociamos lo bello con algo digno de ser visto y que está destinado a ser visto. El objeto expuesto en el museo se lo considera ser digno de ser visto y apreciado, supone el placer o disfrute que provoca su contacto cercano acrecienta el acervo cultural y la propia sensibilidad. Kant  decía  que este placer es de carácter desinteresado y libre de conceptos. El museo asegura ese placer para las multitudes y no al placer individual. Se agrupan ideas de belleza, verdad, placer del espectador, experiencia estética. 2- Lo museable según la fetichización El objeto en exposición se recontextualiza con un valor simbólico añadido. Benjamin reclama el carácter de fetiche para objetos esos coleccionados y llevados a una descontextualización. Los objetos útiles, entran al circuito museal, se transforman en objetos inútiles y pasan a ser obras de arte. Duchamp es el que lleva la idea de unicidad y particularidad del objeto en exposición con sus ready mades. Por este proceso de descontextualización y desfuncionalización del objeto útil al ingresar al espacio museístico, adquieren el carácter de fetiche. El objeto adquiere nuevas funciones a un objeto por sobre las que ya tenía. Esta operación genera una complejización del objeto. 3- Lo museable según la conmemoración Los testimonios del pasado deben ser conservados y expuestos de una memoria colectiva. El temor a ser olvidados se manifiesta en la proliferación de imágenes que tienen por función atraer algo a nuestra memoria. Las culturas de la memoria crítica acentúan la defensa de los derechos humanos, las minorías, las temáticas de género con un nuevo enfoque en la escritura de la historia. El lado oscuro de las sociedades mediáticas reside en la suposición de que restableciendo la memoria de acontecimientos pasados, se reestablecer la justicia. La proliferación de espacios de memoria se convierten en ferias del horror, merchandising poniendo en evidencia la lucha entre la ética y estética.

OBJETO UTIL, OBJETO COSA, OBJETO ARTE La verdad y el arte Diferencia entre: obra de arte / artista / arte. Lo que primero pensamos en una galería de arte, es en obra de arte. En ella existe un artista que la hizo e inferimos que hay arte. Lo que está primero es la obra, que es el lugar de plasmación del arte. Heidegger dice que el arte no es un fenómeno que se nos presenta de la nada, lo que aparece son las obras de arte. Cualquier obra de arte es una cosa.

Diferencia entre cosa / útil / obra de arte. Heidegger dice que una obra no es una mera cosa porque la obra dice de otro asunto, es una alegoría . Es decir, la obra se convierte en algo distintivo ya que se refiere a otra cosa. Cuando las cosas ingresan al mundo del arte pasan a decir mucho más que lo que estipulo el artista. La obra es un significante con muchas significaciones que van desde el artista hasta al espectador. Lo útil va a ser más útil cuando desaparece en su función, el objeto es útil solo cuando se lo usa sin sentir su existencia. Descubrir la finalidad de la obra de arte como descubrir las motivaciones del artista, son tareas más convocantes y desafiantes a las que se enfrenta el público, donde se le deja más espacio para discernir, opinar, interactuar y completar la obra de arte. Obra está entre el concepto útil (porque está hecha por el hombre) y la cosa (porque no tiene una finalidad particular). Una cosa útil sienta su esencia en el ser de confianza, ofreciendo seguridad al que lo usa sin fijarse en su existencia. La obra se debe encargar de propósitos. El propósito principal es: “Abrir un campo de develamiento de verdad reconduciendo al espectador a detenerse y reflexionar sobre las ideas y la esencia de la verdad que eleva a la obra de arte al campo de la reflexión filosófica y poética.” En las obras de arte es donde se produce una dialéctica entre lo que se muestra de forma explícita y lo que se mantiene oculto, esperando a ser develado por el espectador ya que la obra crea su mundo, su propia verdad. Heidegger usa conceptos de mundo y tierra, aplicándolos al análisis del Partenón  (templo griego). La obra como cosa era un templo, lugar de adoración. Hoy se lee como obra de arte ya que ese monumento se acerca al mundo griego. Para considerar a alguien como un gran artista, tiene que ser alguien que a través de sus obras se encargue de dar testimonio de su tiempo, época, compresión de la realidad, sociedad. Y esas obras, van a ser consideradas obras de arte cuando se les presenten a los espectadores y cumpla con condiciones como: ● ● ● ●

Ser alegoría Ser símbolo Abrir un mundo Ser apertura de la verdad que se manifiesta entre lo que aparece y lo que se oculta

Lo determinante en el círculo vicioso entre arte/artista/obra de arte, según Heidegger es el arte porque es un acontecimiento de la verdad que se pone de manifiesto en la lucha entre mundo y tierra. El arte puede ser contenido por la filosofía o religión porque es en el arte mismo donde se funda la verdad.

LA AMBIGUEDAD Es la falta de claridad y de univocidad en el discurso. Es decir, se produce una ruptura, una separación de sentidos. Desde la Grecia antigua, la civilización se guió a través de la razón y la creencia en un universo armónico donde se daba la correspondencia entre el concepto y la cosa. Lo ambiguo era algo considerado de forma peyorativa, era algo que no tenía que ocurrir. Actualmente, la ambigüedad emerge como principio estético cuando los artistas inventan estructuras complejas generando una pluralidad de significados al ser expuestas ante el espectador. En la Edad Media, la ambigüedad adopta nuevas formas de representación como la alegoría,  analogía y simbolismo en las obras religiosas. Para  la Iglesia, había 4 modos de leer las obras: el literal, el alegórico, el moral y el místico. Las mismas se leen de acuerdo a lo que establece Dios. Los principales cambios se dan en el Renacimiento por el arte y la revolución científica. Según Tashiro,  se dan en 3 etapas:

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Primera: el accidentalismo de sistemas abiertos (Hamlet) Segunda: la autonomía del arte y la autorreferencia (sfumato leonardesco) Tercera: la modernidad y el rejuvenecimiento de las artes

El concepto de modernidad lo trae Baudelaire. La principal característica consiste en lo nuevo, lo original, lo novedoso. Cualquier cosa que pudiera aspirar a ser arte, podría ser analizada en términos estéticos. Los artistas estaban influenciados por los cambios en las ciencias y la teoría de la relatividad desafía los conceptos de tiempo y espacio. “Ambiguo” deja de tener una connotación negativa y pasa a dar una respuesta cada vez más compleja. Para Eco, el cambio se empieza a dar en el Barroco donde las formas dinámicas contribuyen a una mayor determinación de los efectos con el objeto de sugerir una expansión del espacio a través del movimiento. Para él, una obra de arte es: “Un objeto producido por un autor que organiza una trama de efectos comunicativos donde el usuario comprende la obra misma, la forma originaria pensada por el autor.” Luego, la redefine como un mensaje ambiguo ya que los significados conviven en un solo significante y esta ambigüedad se convierte en finalidades explícitas de la obra, un valor que conviene conseguir con la de los demás.

La ambigüedad en el siglo XX Duchamp intenta profundizar las ideas de originalidad, creatividad, creador, obra única e irrepetible, belleza, intuición artística, entre otros. La incorporación de los ready mades en el arte, quiebra el paradigma artístico tradicional en las artes visuales donde el receptor disfruta el placer teórico al convertirse en placer estético. Edgar Allan Poe, invierte ese lugar de placer sublime al momento de la exposición al espectador. Para él, la importancia está en el “efecto” que la obra produce en el lector con las intenciones del autor, teniendo en cuenta el resultado final. Es decir, el receptor pasa a ser el co-creador de la obra. Esta co-creación se acentúa más con la inclusión en la esfera del arte de objetos del ámbito técnico, industrial y otros. Para Eco y Danto es necesario que el espectador tenga competencias que profundicen sus conocimientos en teoría e historia del arte, filosofía y estética. Eco afirma que el arte constituye una metáfora epistemológica y su función es complementar al mundo. El arte a través de sus formas y contenidos, refleja el modo en que la ciencia de una época determinada, interpretan la realida...