T3. Teorías del arte (II): Edad Moderna. PDF

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Apuntes de Teoría y Metodología de la Historia del Arte. Faltan los Temas 6 y 7 que se completarán próximamente....

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T3. TEORIA DEL ARTE DE LA EDAD MODERNA: LA LITERATURA ARTISTICA DEL RENACIMIENTO (SIGLOS XV Y XVI) Y DEL BARROCO (SIGLO XVII). 1. LA TEORÍA DEL ARTE DEL RENACIMIENTO Y EL HUMANISMO: Cuestiones generales: Lo que tenemos antes del Renacimiento no es una teoría del arte como tal, pues las fuentes que se conservan no parten del artista sino de personas ajenas a la producción artística, como filósofos o teólogos. Los nuevos teóricos del arte se caracterizan por:  Conciencia de que están haciendo algo nuevo: un ejemplo es Alberti: “la conciencia de estar abriendo camino”.  Deseo de ascenso social del artista: los artistas reivindican que las actividades que realizan no son un arte mecánico y vulgar, sino que forman parte de las artes liberales. → Este movimiento se gesta en Italia y es muy fuerte en el siglo XV, pero que no es igual de fuerte en el resto de Europa. → Este deseo de ascenso social es más que una realidad una ficción planteada por los propios artistas y los historiadores posteriores, no es un proceso tan inmediato.  El sistema gremial: tendrá un peso enorme hasta finales del siglo XVI. → Románico – loggias: se agrupan porque trabajan en la misma obra. → Gótico y Renacimiento – gremios: se agrupan por afinidades profesionales.  Regulan su profesión.  Se defienden de la competencia de otras ciudades.  Unión de arte y ciencia: un artista de este momento debe tener conocimientos científicos, esta es una línea argumental para justificar que los artistas de este momento desempeñan artes liberales e intelectuales y no mecánicas. Habrá una intensa teorización sobre: → Perspectiva: Piero della Francesca (De prospectiva pingendi ca. 1480). → Anatomía: dibujos anatómicos de Leonardo.  El artista también conoce toda la tradición literaria: recuperan la comparación entre poesía y pintura con la frase de Horacio “ut pictura poesis”.  Su arte es para un público culto y refinado: ya que tienen conocimiento en anatomía, ciencia y tradición literaria. Todos los teóricos incluyen una reflexión del arte como imitación y selección de la naturaleza (la guía del artista con el fin de lograr la belleza), e incluso se le da más importancia a esto que a las enseñanzas del maestro. Esto marcará una mayor individualidad y personalidad del artista, donde toma fuerza la idea del genio.

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Otro elemento que da cohesión a todos los teóricos del arte del siglo XV y XVI serán los movimientos centrífugos y centrípetos entre arquitectos, pintores y escultores. En el siglo XVI se da un fenómeno novedoso, los artistas empiezan a pensar que cosas tienen en común y en qué cosas difieren: TENDENCIAS CENTRÍPETAS

TENDENCIAS CENTRÍFUGAS

Artistas que tienen conocimiento de todas las artes y se dedican a las tres.

Los artistas pugnan para ver cuál de las tres artes es más valorada.

Artes del dibujo: Vasari une las tres artes porque todas ellas tienen en común el dibujo como etapa previa.

Parangone: artistas como Leonardo realizan una comparación retórica de las bellas artes o de la música y la literatura.

1.1.

La teoría del arte del siglo XV:

BATTISTA ALBERTI (1404-1472): Procede de una familia florentina rica y culta, que realiza estudios universitarios además de interesarse por la anatomía, la óptica, la filosofía, la tradición literaria, etc. Finalmente decide dedicarse a la actividad artística pero será después de un primer acercamiento teórico donde va a desarrollar tres tratados con el objetivo de crear obras uniformes y organizadas que estén destinadas a los artistas de su época.  De Pictura (1436): la estructura sistemática del tratado lo divide en tres libros. → Primero: dedicado a la geometría y la óptica. → Segundo: elementos de la pintura como color, expresión, contorno... ya que un pintor tiene que dominar los aspectos formales de la pintura.  Belleza selectiva: anécdota de Zeuxis y la pintura de Helena. → Tercero: cómo debe ser la educación del artista (debe abarcar varias materias además de la pintura porque considera muy importante la capacidad intelectual del artista).  De re aedificatoria (1452): emula al propio Vitrubio, no pretende copiar tal cual su tratado sino recrearlo y actualizarlo ya que cotejando las ruinas romanas que había visto Vitrubio, se dio cuenta de que había una serie de contradicciones entre la teoría y la práctica. → Busca la belleza en la teoría, la geometría y las matemáticas. → Le concede cierto peso a la imaginación, para recrear la antigüedad. → Concepto de conciditas (belleza a través de la armonía arquitectónica): reflejo de la armonía de la proporción cósmica, del sistema ordenado del universo.  De statua (1464): es de carácter más sintético que los otros dos. Los tres tratados los realiza en latín pero pronto serán traducidos al italiano.

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LEONARDO DA VINCI (1452-1519): Este personaje es todo lo contrario a Alberti pues procede del taller y se enorgullece de ser una persona sin cultura. No escribe ningún tratado, sino que su obra “Tratado de Pintura” consiste en una serie de escritos dispersos y fragmentarios que reunirán su discípulo Francesco Melzi. Este tratado no llega a editarse de forma masiva hasta el siglo XVII y la edición más concreta ya es del siglo XIX. Algunos aspectos a destacar de su teoría del arte:  Importancia de la experiencia como fuente de conocimiento: sus conocimientos los adquiere a través de la experiencia visual y empírico. → Importancia a la experiencia visual: es el sentido más astuto.  Consideraba que teoría y práctica iban unidas: la complementariedad entre teoría y práctica viene unida a través de las matemáticas.  Unión entre anatomía y pintura: cree que la anatomía se debe incluir dentro de la formación porque es fundamental para ser un buen pintor. → Le interesó todo el ámbito de la disección anatómica y contacto con anatomistas de la época, como Marcantonio della Torre. → Se define el mismo como pintor anatomista. → Proporciones humanas basadas en las matemáticas y la geometría.1  Crítica a la perspectiva: consideró que a la perspectiva totalmente teórica le faltaba la práctica pues no se habían apoyado en la experiencia directa. → Para ello introduce la perspectiva aérea y el sfumatto. → Entiende que para crear la perspectiva no solo es necesario la línea, sino también el color que da la sensación de distancia.  Parangone: especie de juego retorico donde se planteaba cual de las artes era superior, argumentando que el arte superior era la pintura, ya que se apoya en la experiencia visual. → Comparada con la poesía: entra a través del oído, y el arte a través del ojo, un sentido más importante. También puede ser copiada mientras que la pintura es única e irrepetible. → Comparada con la música: efímera, una vez interpretada desaparece. → Comparada con la escultura: supone más esfuerzo mental, y la pintura consigue crear un espacio que no existe sin necesidad de él.  Belleza: una de las finalidades del arte es la de conseguir belleza,2 → No considera que para conseguir la belleza se tenga que fijar en la naturaleza como Alberti. → Tiene más que ver con lo que él denomina la “gracia” o el “encanto”. 1 2

Como Honnecourt, muestra como la belleza tiene una base matemática y científica. Esto también es novedoso respecto a la teoría medieval, donde estos temas no se trataban.

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FILARETE (1400-1469): Es un arquitecto y escultor formado con Ghiberti en Florencia pero que trabaja la mayor parte de su vida en Milán bajo la corte de los Sforza con Francesco I, donde escribe un “Tratado de Arquitectura” dedicado a Francesco Sforza.  Planteado a modo de dialogo entre Francesco Sforza y el propio Filarete: van discutiendo sobre que significa el arte. → Método que se remite a la antigüedad (Sócrates).  El objeto fundamental de este tratado es el urbanismo: plantear el diseño de una ciudad ideal y perfecta. → Esta ciudad es utópica y la llama Sforzinda. → Se busca aplicar las matemáticas y la proporción a esta ciudad.

FRANCESCO DI GIORGIO MARTINI (1439-1502): Escribe un “Tratado de arquitectura civil y militar” dedicado a Federico de Montefeltro de Urbino, que había sido su protector. Le preocupa también la asociación entre arquitectura y matemáticas:  Debe de tener un canon de base matemática.  Proporción antropomorfa: la proporción humana será la que fije la proporción de la arquitectura para que sea acorde al ser humano.  Debe ser una proporción que se apoya en la experiencia visual.

1.2.

La teoría del arte del siglo XVI:

Los avances del Renacimiento se comienzan a extender por el resto de Europa:

ALBERTO DURERO (1471-1528): Es uno de los artistas que mejor demuestra la difusión del arte del Renacimiento italiano en Alemania, pues hace dos viajes a Italia con el objetivo de conocer los secretos de los italianos y el arte clásico para transportarlos a su país. Escribe dos tratados sobre teoría del arte:  “Cuatro libros de las proporciones humanas (1528)”: trata como el arte persigue la belleza a través de la medida, la proporción y la mesura. → Proporción humana: el cuerpo humano para ser bello tiene que recoger esa medida y proporción. → Considera que no solo hay una manera de alcanzar la proporción: plasma entre 12 y 14 modelos humanos que muestran que se puede alcanzar el canon de proporción con diversos modelos humanos. → También se preocupa del estudio del cuerpo humano en movimiento y sus expresiones: no le preocupa el realizar un estudio anatómico veraz, lo que le interesa es conocer como se articula el cuerpo y como introducir movimientos corporales en las figuras y como estas transmites estados del ánimo.

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 “Tratado de geometría (1525)”: lo escribe después de un viaje a Italia en el que se informa sobre el tema de la perspectiva y sus novedades. → Hace un compendio de lo que había aprendido para que le sirva a sus contemporáneos. → Su objetivo era conocer la perspectiva italiana y vuelve a Alemania siendo capaz de haber comprendido lo que planteaban:  Piero della Francesca y Alberti (acerca de la pirámide visual).  Leonardo (acerca de la perspectiva aérea y el sfumatto).

GIORGIO VASARI (1511-1574): Las “Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestro tiempo” tienen dos ediciones: 1. Primera edición (1550): está escribiendo solo sobre artistas ya fallecidos. → Aquí se nos presenta más como un historiador que como un artista, aunque tenía formación como artista. → Objetivo: muestra la voluntad de contar una historia desde la distancia. 2. Segunda edición (1568): decide publicar su texto incluyendo ahora artistas vivos, destacando a Leonardo, del cual era fiel admirador. → Subjetivo: Al tratar artistas vivos se puede apreciar su afinidad en cuanto a los distintos artistas. En el siglo XVI aparece una nueva concepción del artista que abre un nuevo campo sobre como concebir la Historia del Arte, ya que si en el siglo XV se quería plasmar los conocimientos matemáticos y científicos, ahora se abre paso a un nuevo modelo de artista, a un artista genio, el cual es atormentado, excéntrico, creativo, temperamental y melancólico, un artista que es capaz de plasmar su personalidad en la obra de arte. Son ideas que parten de la Antigüedad y del Medievo: -La teoría humoral de la Antigüedad recogida por Galeno: decía que el ser humano se regía por cuatro humores: sanguíneo, flemático, melancólico y colérico. -En la Edad Media se asocia la melancolía al planeta Saturno. -La biografía artística como antecedente metodológico: La obra es una fuente documental para la Historia del Arte que incluso anticipa la actitud del propio Historiador del arte. Además abre un nuevo campo sobre como concebir la Historia del Arte, construida a través de la biografía (que es la que condiciona sus obras de arte). Sin embargo, su verdadera intención tiene como finalidad absoluta la promoción del arte local de la ciudad de Florencia en su época, con la idea de favorecer y ensalzar a los artistas.

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Otra de las razones por las que se anticipa es por el tratamiento de la Historia del Arte como algo evolutivo y cíclico, concepto que después estará en Winckelmann o Wölfflin:  Explica la historia del arte de su época y los cambios históricos de su época como algo cíclico y evolutivo. Lo divide en tres generaciones: → Cimabue y Giotto. → Piero della Francesca y Paolo Uccello. → Miguel Ángel.  Dirá que hay una evolución desde el mundo clásico hasta el arte del Renacimiento: no es una evolución lineal, ya que el mundo clásico fue un momento de esplendor, seguido de un periodo oscuro como la Edad Media, y después vuelve el resurgir del arte con el Renacimiento. También hay una serie de reflexiones que entroncan con la actividad artística donde reflexiona sobre el arte y dice que se rige por cinco conceptos clave3:  Imitación.  diseño o dibujo.  Reglas.  Gracia.  Maniera o manera.

MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475-1564): Era un hombre versátil ya que desempeña todas las artes, pero sin embargo no se plantea el realizar un tratado, y lo que conocemos de su teoría del arte es a través de sus cartas o de sus poemas. En palabras de Vasari, sería uno de los artistas “genio”, un artista atormentado que expresa su pensamiento a través de la obra de arte y que se aleja de los modelos preestablecidos para plasmar su temperamento. Dentro de sus reflexiones del arte se pueden extraer las siguientes conclusiones:  Creación artística: en la Edad Media se creía que la creación de la nada era obra de Dios, y esta idea permanece en la Italia católica del siglo XVI. → Lo que sí que podía hacer el artista genial es innovar, y esto lo denomina como invenzione4: capacidad de seleccionar aquellos temas que le parecen más adecuados y más interesantes. → Dice que “el cerebro es el que pinta y la mano obedece a la razón”: las esculturas inacabadas de los esclavos de Miguel Ángel están atrapadas en la materia y el artista debe de ser capaz de extraer las ideas a partir de la materia. → Futilidad o vanidad del arte: es mucho más importante la imagen mental del artista que la material de la obra.

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Hay algunos conceptos que arrastra del siglo XV y otros que son introducidos en el siglo XVI. Esto sigue la idea platónica, donde las ideas están en la mente del artista, y lo que este hace es que a través de su destreza manual, las plasma en la materia.

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 Relación sobre arte y naturaleza: no se debe seleccionar fragmentos aislados y componer una imagen ideal, sino que se deben coger de la naturaleza aquellos objetos más bellos, y copiarlos.  Parangone: para él las tres artes a las que él se dedico estaban al mismo nivel y por eso considero que era un sinsentido el parangonar las artes.

BIENVENUTO CELLINI (1500-1571): Es un escultor que hace una “Autobiografía” que es importante porque vuelve a cuestionar cual de las dos artes es superior, la pintura o la escultura, con un pensamiento totalmente contrario a Leonardo. Lo argumenta mediante dos razones:  Porque ofrece una visión múltiple frente a la visión única de la pintura: se puede rodear y se puede ver desde distintos puntos de vista (pintura obliga a una visión frontal y un solo punto de vista).  La escultura ofrece un espacio real y la pintura un espacio ilusorio.

SERLIO (1475-1554) Y PALLADIO (1508-1580): Ambos son arquitectos y teóricos de la arquitectura destacados del siglo XVI. Diferencias con Alberti: Tratan de recuperar el legado de la antigüedad clásica pero se diferencian en que hacen tratados más enfocados a la práctica, donde se incluyen un gran número de dibujos de edificios, fragmentos y órdenes arquitectónicos de la antigüedad que ellos han ido viendo, con la idea de que estos dibujos se conviertan en un repertorio donde otros artistas se puedan basar.  Serlio escribe sus “Libros de arquitectura” entre los años 1537 y 1551: insiste en que es fundamental para un arquitecto necesitaba una buena base científica basada en el conocimiento de geometría, matemáticas y perspectiva.5 → Una novedad es que no solo tiene láminas de elementos de la antigüedad clásica, sino también de arquitectura de su época. 6  Palladio escribe “Cuatro libros de arquitectura” en 1570: tiene un sentido práctico muy fuerte pues busca enseñar a otros artistas de su época. → Incorpora muchas de sus propias experiencias como arquitecto. → Da más importancia a la arquitectura de su época que a la antigua.

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Ideas ya vistas en el siglo XV. Aquí también vemos como este tratado se acerca a lo que ya había trabajado Vasari, también se preocupan por el propio siglo XVI, recuperando la antigüedad y superarlo. 6

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PAOLO PINO (1534-1565): Es un tratadista veneciano que escribe un “Dialogo de la pintura” en 1534, donde reflexiona sobre el color como elemento artístico. Los venecianos no le darán tanta importancia a la perspectiva o al dibujo, sino que le dan una categoría capital al color.7 Paolo Pino dirá que el color tiene tres propiedades que el artista debe dominar para conseguir una pintura excelente:  “Propietà” o “el decoro”: aplicar la noción de la antigüedad clásica del decoro a la pintura (cuando el artista escoge unos colores para su obra, tienen que estar acordes con la edad, la textura, la contextura física, etc.)  “Prontezza” o “aplicar el temperamento al color:” la capacidad de que el artista muestre su temperamento a través del color mediane la fuerza de las pinceladas y la tonalidad.  “Lume” o “cómo el color determina los efectos lumínicos”: considera que para conseguir un efecto de claroscuro o de profundidad es necesario el color y no se puede conseguir solo con el dibujo (crítica de la concepción espacial).

2. LA TEORÍA DEL ARTE DEL SIGLO XVII: Existe un mayor cosmopolitismo pues empiezan a tener más importancia las aportaciones de otros lugares como Francia y no sólo de Italia. Destaca lo siguiente  Nuevo modelo de teórico del arte como “anticuario” o “arqueólogo”: mira a la antigüedad clásica pero no solo atendiendo al aspecto teórico sino también a los restos arqueológicos con una nostalgia al pasado y una mentalidad que casi anticipa al romanticismo.  Disputa entre clasicismo y modernidad: se plantea la cuestión de si es importante centrarse en el arte clásico o seguir adelante y buscar la modernidad, dando lugar a la querella o disputa entre los antiguos y los modernos, que se desarrolla en la Academia de Francia.8  Las Academias y el academicismo:9 es el momento donde surge una Academia como lugar donde se van a formar los artistas sustituyendo al taller. → Se educa al artista desde una esfera total: se enseña a la mano (dibujo academicista) y se educa a la mente con todo aquello que les va a servir para hacer obras excelentes. → Surgen las grandes academias nacionales como la de Roma o Paris. 7

Como precedente se podría mencionar a Leonardo. Arranca de Vasari, que creía que la antigüedad clásica había sido superada por Miguel Ángel. 9 No deja de ser una vuelta atrás al mundo antiguo con Platón así como en el siglo XV, donde Ficino crea la Academia florentina y se pretende recuperar a la idea de Platón.

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2.1.

Tratados artísticos:

GIOVANNI BELLORI (1615-1696): Es el presidente de la Academia Romana de Arte y además responde al nuevo perfil de teórico del arte, ya se interesa por los restos materiales de la antigüedad. Escribe “Vidas de pintores, escultores y arquitectos modernos”.  Similitudes con Vasari: → Construye la historia de los artistas a través de su biografía. → Interés por plasmarlo con una cierta perspectiva histórica. → Trata de agrupar y dividir los artistas en escuelas o estilos.  Dentro de una misma época.  En escuelas regionales asociadas a un tipo de belleza: → Romana: inspirada en el mundo clásico. → Veneciana: inspirada en la naturaleza. → Toscana: basada en el dibujo. → Lombarda: basada en la grazia.  En función del tipo formal: naturalista o manierista.  Diferencias con Vasari: → Sólo recoge 12 biografías. → No tiene sentimiento nacionalista sino más cosmopolita: habla de ...