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Expresionismo abstracto y Escuela de Nueva York El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción; en concreto, se le sitúa en las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940, en Estados Unidos, y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Está considerado como el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Se tenía la impresión de que, tras la ocupación alemana de Francia, la modernidad se había quedado sin sede y muchos de sus protagonistas fertilizaron el ambiente del otro lado del Atlántico. Allí, con centro en Nueva York, se produce muy pronto – antes que el Informalismo en Europa – el movimiento que se ha venido a llamar Expresionismo abstracto. Al Expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro, etc.). No se trata, además, de una escuela propiamente dicha, con un estilo común, sino de un conjunto de artistas que compartían una serie de técnicas pictóricas comunes.

Características •

Una de las características formales de este estilo es su preferencia por los grandes formatos, puesto que los artistas de la Escuela de Nueva York normalmente trabajaban con óleo sobre lienzo.

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Se trata generalmente de obras abstractas; no obstante, hay excepciones, y algunos de los artistas emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el Surrealismo.

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Concepción de la superficie de la pintura como all over o cobertura de la superficie: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

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Cromatismo muy limitado, puesto que suelen emplear únicamente blanco, negro y colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el Minimal Art.

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Obras que presentan como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, plasmados mediante violentos trazos de color en grandes formatos, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Antecedentes La presencia de surrealistas como el alemán Max Ernst y de los franceses Marcel Duchamp e Yves Tanguy en Nueva York, con su apelación a una temática relacionada con el inconsciente y con su enfático abandono de las rígidas tradiciones de Europa a favor de la vitalidad americana, constituyen un buen caldo de cultivo para un nuevo arte basado en el inconsciente y la libertad individual del artista. La Escuela de Nueva York quedará influenciada por el estilo biomórfico de Yves Tanguy, que presenta sus sueños desligados de toda referencia a la realidad utilizando formas que se limitan a insinuar semejanza con objetos reales y, especialmente con partes del cuerpo humano. Por su parte, Max Ernst se sitúa entre los factores que llevaron a los jóvenes artistas neoyorquinos a bucear en la propia subjetividad para lograr visiones sorprendentes, propias de la ciencia-ficción. Ya antes de que comenzase la Segunda Guerra Mundial, la creatividad experimental había sido perseguida en los estados totalitarios europeos, y algunos de sus más interesantes artistas se habían establecido en EEUU, como Piet Mondrian, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, Marcel Duchamp, André Breton, Hans Hoffman y Josef Albers, entre otros. Serán ellos los que actúen como auténticos puentes entre la vanguardia europea y la americana.

Orígenes Arshile Gorky Se considera que el inspirador e iniciador del movimiento fue Arshile Gorky, armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Gorky recibe la influencia del Surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana, pero hacia el año 1936 abandona la figuración y, bajo la influencia del pintor chileno Roberto Matta, descubre un nuevo lenguaje formal, optando por las figuras abstractas biomorfas; sin embargo, aunque Gorky tendió a la abstracción y a la espontaneidad, no prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada. Obtuvo la mayor parte de su educación a través de visitas a museos y galerías, la lectura de libros y revistas de arte, principalmente. Asistió un par de años a la New School of Design de Boston para, posteriormente, impartir pintura en el Grand Central School of Art, en Nueva York. En esta etapa, su obra muestra grandes influencias de los pintores dominantes de la época: Cézanne, Braque y Picasso. Un ejemplo claro es The artist with his mother, una obra poderosa con trazos expresionistas, pero con una melancolía dominante que no existía en los maestros europeos. En la década siguiente conoció a los pintores de la vanguardia expresionista quienes influenciaron mucho su trabajo. En 1930, expuso en una colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con el grupo del expresionismo abstracto o Action Painting; ese fue el inicio de la definición de su estilo y el reconocimiento por parte del mercado del arte. Muchos críticos consideran a Gorky como el precursor de la obra abstracta en Estados Unidos, por lo que se convirtió en una figura de gran influencia y contribuyó de un modo especial al desarrollo del expresionismo abstracto entre sus contemporáneos.

Antecedentes La primera generación del expresionismo abstracto la forman una quincena de pintores que trabajaron en Nueva York entre 1942 y 1957, entre ellos los que destacan Arshile Gorky (considerado líder y precursor del movimiento), Willem de Kooning, Mark Rothko y Franz Kline. Inicialmente, el Expresionismo Abstracto fue un movimiento marcado por influencia del Surrealismo; los artistas tomaron del Surrealismo aquello que de automático tenía el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el inconsciente: pintar un cuadro era menos un proceso dirigido por la razón y más un acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les interesó, pues, el automatismo psíquico que hiciera salir de su mente símbolos y emociones universales. Por lo tanto, no es extraño que les interesara más el Surrealismo simbólico y abstracto (como el de Miró, Arp, Matta, etc.) más que el figurativo. De ellos tomaron las formas orgánicas y biomórficas. Con el fin de la Segunda Guerra Mundial y el regreso a Europa de muchos de los exiliados, la influencia surrealista acabó atenuándose, y el movimiento del Expresionismo Abstracta se hizo más genuinamente norteamericano, escindiéndose en dos tendencias: Action painting y Color-fields. La primera de ellas enfatizaba más el gesto físico de pintar, mientras que en la segunda se centró en la aplicación del color en grandes áreas.

Action painting Dentro del Expresionismo Abstracto destaca el Action painting, tendencia cuyo centro de interés es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también pintura gestual, debido a la primacía que daba al procedimiento pictórico en sí: se hace del acto de pintar un gesto espontáneo, un automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, se eliminan los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Los artistas más representativos de Action painting fueron Jackson Pollock, Willem de Kooning y Franz Kline (encontrándose este último también influido por el Color-field painting).

Jackson Pollock El action painter por antonomasia es el norteamericano Jackson Pollock, a quien se le relaciona con el Surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el automatismo, en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1938 y 1942 pintó bajo la influencia de Picasso, del Surrealismo y del psicoanálisis jungiano, que usó como terapia contra su alcoholismo, aunque tuvo otras fuentes de inspiración añadidas, como la cultura de los indios de Norteamérica (con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena) o la obra del muralista mejicano Siqueiros, en cuyo taller tuvo ocasión de trabajar en 1936. Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, trabaja metido en él. No trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping, que consiste en dejar gotear o chorrear la pintura desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera, pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se mezclaban. De esta manera, lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen, sino un hecho, una acción». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947 y, aunque a veces se le señala como inventor de la misma, lo cierto es que se considera que ya fue empleada por el surrealista Max Ernst. Lo que sí puede afirmarse es que la popularizó de tal manera que el dripping se asocia inmediatamente a la obra y persona de Jackson Pollock, hasta el punto de que se le puso el mote de Jack the Dripper, un juego de palabras con Jack the Ripper.

Willem de Kooning El holandés Willem de Kooning realiza obras más que se sitúan entre la figuración y la abstracción, siendo gestual y representativo a la vez. Concebía el arte como «acción unida a la energía y al movimiento corporal», como algo en lo que se trabaja con una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto creativo, sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo que producían una pintura abstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensa desde el punto de vista cromático. A partir de 1946 comenzó a pintar abstracciones de figuras biomórficas, siendo su serie más conocida sería Mujeres. A partir de 1950, de Kooning comenzó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva; es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres. Estas pinturas causaron sensación por su descarnada técnica y porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones. Las composiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Las amplias sonrisas, los dientes brillantes, los pechos desmesurados y bamboleantes, los grandes ojos vacíos y los muslos opulentos parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Se trataría de ‘la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres’. Durante más de diez años, de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura, ‘un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés.

Franz Kline Entre el Action painting y el Color-field painting se sitúa la obra de síntesis de l norteamericano Franz Kline. Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo, fue "practicada espontáneamente". Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas, y tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo; aunque él siempre las describió como simples, cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos. Kline trabaja mediante brochazos y, al igual que Pollock, emplea una gama cromática reducida, prácticamente monocroma: negro, blanco y gris azulado. Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con en blanco y negro, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Optó por anchas franjas negras ejecutadas mediante vigorosos brochazos sobre superficies blancas. Eran ampliaciones de detalles de sus propios dibujos. Los cuadros resultantes recuerdan a los ideogramas chinos, a pesar que él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline. Los más reconocidos estilos suyos fueron originados a partir de un consejo de su amigo Willem de Kooning. En 1948 le sugirió a un entonces artísticamente frustrado Kline que experimentara con un proyector que tenía en su estudio analizando la proyección sobre una pared lisa. Kline hizo varias pinturas con el estilo que resultó de la observación, presentando en 1950 una colección con el estilo ante la Charles Egan Gallery. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de 1959.

Color-field painting El Color-field painting o pintura de campos de color es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, anticipatoria del Minimal Art; surgió, al igual que la Action painting, en torno al año 1947. En los cuadros de esta corriente domina amplias áreas de color , todas ellas de igual intensidad. No hay en las obras del Color-field painting contrastes de luz ni de colores, y el dibujo y el gesto se simplifican; de hecho, en muchas obras se trabaja con las diferentes tonalidades de un solo color. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Mark Rothko y de Clyfford Still.

Mark Rothko Con figuras biomorfas que pretendían expresar formas míticas comenzó la carrera artística del letón Mark Rothko, a comienzos de los cuarenta; sin embargo, hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, y el artista comenzó a centrarse en manchas de color de forma geométrica (normalmente dos o tres rectángulos horizontales) que se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros, de forma simétrica. Los colores, en especial los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas y contornos borrosos. La impresión que ofrecen sus cuadros es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painters. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación. En él hay una clara connotación espiritual, como demuestra su capilla en Houston, cuyo objetivo era crear un espacio de comunicación íntima con el espectador; se trataba de alcanzar un nivel de diálogo que superase la subjetividad individual, situándose más allá de toda conexión con las particularidades y vicisitudes de la vida ordinaria. Se trataba de conseguir un clímax de espiritualidad similar al de espacios como la capilla Pazzi en pleno renacimiento italiano, pero también de conseguir una experiencia de sublimidad comparable a la de los paisajes románticos de Friedrich.

Clyfford Still El Clyfford Still era originario de la Costa Oeste de los Estados Unidos, lo que demuestra que la noción de que el Expresionismo Abstracto fue un fenómeno exclusivo de Nueva York, no es cierta. La visión de Still es una especie de paisaje sublime , algo cósmico, y, simultáneamente, una suerte de trascendencia abstracta; su estilo de madurez está dominado por cuadros de fondo negro (al que consideraba su «no-color preferido») sobre el cual aparen líneas verticales de contorno irregular, como si fueran una especie de llamas, de colores vivos: amarillo, naranja o blanco. Es lo que él llamaba «líneas de vida», que recorren sus cuadros, como si de campos de energía se tratasen. Still habló de forma ostentosa y bastante emotiva de su arte, definiendo su arte como si de una temible unión o lucha entre la vida y la muerte se tratase. El 95% de sus obras existe en el Clyfford Still Museum de Denver, en Colorado. Después de trabajar en los años treinta del siglo pasado para la WPA (Work Progress Administration) como profesor, da un giro a su pintura y adopta un estilo más abstracto: las figuras que pinta, deformándolas, afinadas o engrosadas, apenas van a ser reconocibles. En 1941 realiza sus obras de madurez: telas cubiertas de densas capas de pintura en las que los cañones, las gargantas y otras reminiscencias del paisaje del Oeste se han convertido en llamas sobre un fondo negro muy profundo y oscuro, amarillo vivo y naranja, y blanco brillante. Las composiciones de Clyfford Still son siempre planas, crudas y carentes de elegancia por elección consciente del artista.

Informalismo europeo o Arte otro La Segunda Guerra Mundial dañó tan profundamente a los europeos que las heridas tardaron mucho en cicatrizar y, durante años, los costurones y los cuerpos mutilados se dejaron ver en el arte europeo. Con la huella del conflicto bélico, los artistas deshacen las figuras, machacan los cuerpos, los descuartizan y se empeñan en acabar con cualquier idea de belleza, desnudo, armonía, forma, etc. Rechazan los medios tradicionales del arte y recurren a materiales poco apropiados hasta entonces para el trabajo artístico como los yesos, las colas, los sacos, etc. En ocasiones, ni siquiera pintan con el pincel, sino que lo utilizan para arañar superficies espesas, matéricas, que han creado previamente con esos nuevos materiales y en las que dibujan arañando. No se puede hablar de una escena uniforme europea después de la Segunda Guerra Mundial, pero sí se pueden ver muchos puntos de contacto entre lo que se hace en unos países y otros; de hecho, el equivalente al Expresionismo abstracto americano es el Informalismo o Arte otro (‘un art autre’), nombrado así porque responde a ‘una realidad otra’. Su origen hay que buscarlo en la exposición que Michel Tapié presentó en octubre de 1951 bajo el título Signifiants de l’Informel. En 1952, en la exposición Un art autre, así como en la publicación de un texto con el mismo nombre, Tapié reivindicó abiertamente un arte distinto de las abstracciones geométricas: una pintura aformal en la que, junto a la potenciación de lo matérico, de la escritura y de la sugestión, se sustituyese la composición por la seriación y la distribución regular de los elementos plásticos. El único nexo de unión de todos los planteamientos que conforman esta tendencia fue el de su carácter abstracto, dado que el Informalismo distó mucho de ser una tendencia con unos principios normativos, homogéneos y disciplinados, aparte del afán de la “destrucción de la forma”. Desarrolló un interés común por el valor de la materia como forma de configurar y descubrir una realidad otra, desde el gesto y el signo como expresión existencial de una subjetividad que exigía exteriorizarse en un cuadro, o desde la poética espontánea de la mancha y el trazo. La materia queda abandonada a sus propias posibilidades convirtiéndose en la protagonista absoluta del cuadro.

Pintura gestual Fueron algunos de los protagonistas del Arte Otro los que eliminaron drásticamente el tiempo que discurre entre el impulso inicial y el resultado final. La pintura de acción o la pintura gestual unieron el resultado con el acto mismo de pintar. En el caso de la pintura de acción, protagonizada por Jackson Pollock, esta constitu...